Dos Orientales en Uruguay: intercambio con Tomohiro Yahiro

Oita_Dos-Orientales-3

 

Todavía suena en algunos de nosotros el toque, tremendo, de Hugo Fattoruso en La Trastienda. Por eso recibimos con el alma abierta la noticia de que el dúo “Dos Orientales“, formado por Hugo Fattoruso y Tomohiro Yahiro, hará una serie de presentaciones en nuestro país en este mes de noviembre.

La colaboración entre Hugo Fattoruso y Tomohiro Yahiro ha sido llamativamente extensa en años, teniendo en cuenta la distancia en kilómetros que los separa. Comenzaron a hacer música juntos en el año 2005. Hasta el momento hicieron 13 giras y grabaron 3 discos:

  • Dos Orientales” – (2007, ganador de Premio Graffiti y pre-nominado al Latin Grammy en 2012).
  • Orienta” – (2011, ganador de Premio Graffiti)

(Ambos editados en Japón, Uruguay y Argentina)

  • Tercer Viaje” – (2016) editado en Japón y próximo a editarse en Uruguay.

En Montevideo, el 19 de noviembre Tomohiro Yahiro dará una clínica de percusión en AUDEM (Maldonado 983, Montevideo).

En los días anteriores, los Dos Orientales se presentarán en Paysandú (16 de noviembre), Fray Bentos (17 de noviembre) y Florida (18 de noviembre).

A continuación compartimos un intercambio con Tomohiro Yahiro, que tuvimos por correo electrónico.

 

¿Cómo y cuándo conociste a Hugo Fattoruso?

Antes de conocer a Hugo personalmente ya lo había escuchado, en los 70. Lo conocí personalmente en Japón en 1986, cuando vino a Japón con Djavan.

¿Qué es lo que te atrae de hacer música con Hugo?

Todo es posible con Hugo e incluso me guía a ayudarme a tocar mejor y crear nuevas ideas rítmicas y musicales, siempre con alegría.

¿Con qué otros músicos latinoamericanos has tocado?

En los 80 tuve chance de acompañar a artistas brasileros como Joyce, Toninho Horta, Joan Bosco o Nara Leon cuando venían a Japón.
Desde mediados de los 90 empecé a montar mi propio proyecto musical y empecé a invitar músicos latinoamericanos: Jorge Cumbo, Gladston Galliza y en esos proyectos siempre participaba Hugo.

Actualmente tengo 3 proyectos con músicos latinoamericanos: Dos Orientales (con Hugo), Gaia Cuatro (con músicos argentinos que viven en Europa) y Florencia Ruiz (cantautora argentina).

¿Qué hace que estés tan abierto a relacionarte con músicos de esta región?

Porque muchos de ellos están abiertos a colaborar y crear intercambio musical con Japón.

También sucede que los japoneses son muy curiosos, siempre andan buscando algo nuevo. El candombe o Uruguay mismo es un nuevo interés para muchos japoneses que están interesados en Latinoamérica.

¿Cómo es tu relación con el candombe? ¿Qué tipo de emociones te genera?

Para mí el candombe es justo lo que buscaba, con la raíz de ritmo africano pero sin raíz religiosa.

No hay palabras para expresar la emoción cuando estoy tocando el tambor chico. Tengo que estudiar más español para poder expresar esa pasión. Jajajá.

Si a un uruguayo le preguntan qué tipo de música es típica de este país, contestamos el tango y el candombe. ¿Qué estilos de música son típicos de Japón?

En Japón hay de todo pero mucho es superficial. Hay varias músicas típicas de Japón, tradicionales, pero quedan totalmente conservadas y totalmente afuera de lo que es fashion o modernización.

De tus trabajos musicales hasta el momento, ¿cuáles son tus favoritos? ¿Por qué?

Todos, porque tengo la suerte de poder crear música con músicos muy destacados y todos son excelentes profesionales. Pero permíteme decir que Dos Orientales o, mejor dicho, tocar con Hugo en dúo, es algo muy, muy especial para mí.

¿Qué se prioriza en Japón cuando se estudia percusión? 

Si es percusion occidental, lo primero es a base del sistema americano, rudimentos, stick control, etc. Pero como estamos informados superficialmente, aquí pueden estudiar cualquier ritmo étnico (ojo!! superficialmente).

¿Qué tipo de clínica vas a dar en Montevideo? ¿Qué pueden esperar quienes vayan?

Más que clínica, me gustaría tener un momento de intercambio cultural con ustedes. Yo no puedo enseñarles a los uruguayos el ritmo latino pero puedo mostrar cómo un japonés va aprendiendo los códigos rítmicos de África, Brasil, Cuba, etc.

Muchos músicos que hacen giras opinan que cada público tiene sus características. Si estás de acuerdo con esto, ¿cuáles son las principales diferencias entre el público japonés y el público uruguayo?

Son muy diferentes. En Japón el público es demasiado tranquilo. Muchos musicos sienten “¿estarán aburridos?” pero a último momento aplauden con toda emoción. O sea, si al final recibimos el mismo aplauso que al principio, querría decir que esa musica estuvo más o menos. Jajajá.

En cambio en Uruguay ¡me trataron como a una estrella! Incluso alguien me gritó a la cara: “Vooo, ponjaaaa, ¡te estábamos esperando!!!” ¡Todo muy alegre!

 

Biografía de Tomohiro Yahiro:

Nacido en Tokyo de 1961, pasó su infancia en Islas Canarias (Palmas de Gran Canaria, España), donde comenzó su carrera musical, tocando con bandas de rock locales. Vuelve a Japón en 1979, debutando profesionalmente en 1980. En ese entonces, fue miembro de bandas rockeras como Jagatara, S-Ken y Hot Bomboms.

Simultáneamente, tocó con varios artistas japoneses muy representativos del jazz: Yosuke Yamashita, Kazumi Watanabe, Kazutoki Umezu, Shigeharu Mukai, Fumio Itabashi, Shuichi Ponta Murakami, etc.

Participó en muchas grabaciones y giras, como Masashi Sada, Joe Hisaishi, Lisa Ono, Taeko Ohnuki, Yasuko Agawa, etc. Fue miembro de uno de los grupos más destacados de fusión-brasilera, Spick and Span. Tocó con artistas brasileros como Joyce Moreno, Toninho Horta, Joan Bosco, Leila Pinheiro, Alcione, etc.

En 1998 fue productor del grupo de percusión de África “Sophie Ker Gui” cuando se realizó la Copa Mundial de Fútbol en Japón. A partir de ese momento, fue invitado incontables veces a ceremonias relacionadas a la copa mundial de fútbol.

Desde los años 90 a la actualidad crea y desarrolla giras en Japón (en ocasiones, incluyendo otro país) en conjunto con artistas internacionales, enfatizando en Latinoamérica. Hugo Fattoruso, Osvaldo Fattoruso, Francisco Fattoruso, Toninho Horta, Jorge Cumbo, Pedro Aznar, Horacio Burgos, Daniel Maza, Martín Ibarburu, Gladston Galliza, entre otros, son algunos de los músicos que ya participaron en sus proyectos.

En la actualidad, tiene endorsement de Pearl y Korg.

En el año 2013 se comenzó a rodar un documental sobre el dúo bajo las cámaras de SADHU producciones, el cual fue filmado en Uruguay y Japón. El mismo se pre-estrenó en ambos países, en octubre de 2017, y está próximo a estrenarse en 2018.

En el año 2016 la Embajada de Japón en Uruguay hace entrega de una distinción, junto al deportista Diego Forlán, por la contribución y lazos de amistad que ambos han cultivado, enorgulleciendo a ambos países.

 

Repetimos las fechas y lugares de las presentaciones en Uruguay durante el mes de noviembre:

– 16/11 Teatro Florencio Sánchez – Paysandú

– 17/11 Teatro Young – Fray Bentos

– 18/11 Teatro 25 de agosto – Florida

– 19/11 Clínica de percusión, AUDEM (Maldonado 983) – Montevideo

 

¡A disfrutarlos!

Dos palabras: Hugo Fattoruso

Hugo-Fattoruso-y-barrio-opa-octubre2018-la-trastienda-foto-natalia-rovira-_8570

Una dice “Hugo Fattoruso” y ya siente sonidos. Además de los sonidos, solo con nombrarlo, se siente una energía, una impronta especial, que me hace pararme más derecha, abrir el pecho, estar más receptiva… con oídos muy dispuestos y con certezas de todo tipo.

Saber a priori que un toque será excelente tiene un efecto claro en las células: por un lado las ordena a todas de golpe; por otro, genera una excitación anticipante, un burbujeo emocional que es disfrutable en sí mismo. Así, una Trastienda hasta las manos (sí, leíste bien: llenísima, ¡repleta!) se embarcó en la presentación de Hugo Fattoruso y Barrio Opa, el sábado 20 de octubre de 2018. Sabíamos que íbamos a gozar pero, así y todo, nos sorprendió el nivel de genialidad musical.

La cantidad de músicos que son identificables al escucharles unas pocas notas no son tantos en la historia de la música. Hugo Fattoruso tiene la característica asombrosa de ser uno de ellos. Apenas arrancar sus primeras notas en el teclado, ya estábamos inmersos en su hechizo. Él ha logrado poner en sonidos algo que lo atraviesa y algunos tenemos esta suerte increíble de haber nacido en su mismo espacio-tiempo y poder presenciar y participar de este fenómeno. Escucharlo emociona y punto. Le podremos buscar las mil y una explicaciones mentales pero lo que se vive al escuchar su música es una conmoción colosal. Todo lo demás, son vericuetos.

Pero como ustedes probablemente esperen algún vericueto mental, intentaré relatarles algo, con la esperanza de que por un lado, puedan acompañar lo que sucedió y, por otro, que a la próxima oportunidad que encuentren de ir a ver en vivo a este fenómeno, no vayan a perdérselo. Porque si les tocó coexistir con él en tiempo y espacio, se pueden considerar afortunados.

Melodía, armonía y ritmo confabulan en Hugo. Y también confabula la dimensión tiempo… porque simultáneamente, en cada instante, habitan los años de experiencia musical y una juventud sonora fascinante que hace que cada concierto suyo sea una novedad. No escuchamos a un músico de los 70 repitiéndose en 2018, sino que escuchamos a un músico que ya en los 70 era un genio y que continuó desarrollándose de manera tal que hoy su música es revolucionaria. Este hombre no hace música, es música. Él y su piano son una unidad indivisible.

La razón para este concierto fue presentar el disco “Hugo Fattoruso y Barrio Opa”, que grabaron en Montevideo, en Estudio Sondor, con un productor inglés, Joe Davis, un apasionado de la música brasileña.

Los músicos que tocaron en La Trastienda son: Albana Barrocas (batería y percusión), Francisco Fattoruso (bajo), Nicolás Ibarburu (guitarra), Andrés (Tato) Bolognini (batería), los hermanos Silva (MathíasGuillermo y Wellington) (tambores), Rubén Rada y Matías Rada (guitarra). Invitada: Luanda Fattoruso (voz).

El nivel musical de este show fue equivalente a la suma de la maestría musical que tienen todos estos músicos. Fue sideral la genialidad y cómo manejaron el lenguaje Fattoruso de la manera más auténtica y sentida.

El dominio musical de Albana Barrocas ha venido en aumento permanente desde hace años. Es impresionante escucharla y verla. Su marca personal le aporta a la música de Hugo un condimento que quizás no tenía antes de comenzar a tocar con ella. Hugo siempre tuvo su componente “electrónico” pero Albana subió esa perilla un poco más todavía y desde un ángulo distinto al que conocíamos antes de ella. Su conocimiento rítmico maravilla y su nivel técnico se va de tema. Tocó uno de los últimos temas con el berimbau y ¡la rompió de una forma! Cada instante de cocreación suya con Hugo tiene una cualidad particular, hay una sinergia mágica sucediendo entre los sonidos de uno y otro y una comprensión mutua que genera estabilidad y solidez rotundas.

Ya que llegué aquí, les cuento que fue un concierto en el que encontré muchas díadas dignas de reverencia. Esa es una cualidad particular del jazz, funk, candombe: la dinámica que se forma entre los instrumentos tomados de a dos, o de a tres, y cómo eso se inserta en un plan mayor que incluye a todos los instrumentos. Pero hay conciertos en los que hay un protagonismo clarísimo y no hay tanto lugar al despliegue de todos. Bueno, en este caso, siendo Hugo Fattoruso la figura principal se podría haber esperado que se robara toda la atención y, sin embargo, para mi deleite, hicieron música, se dejaron atravesar por la magia musical y eso, por supuesto, siempre es democrático. Y como estos músicos tenían con qué, pasaron cosas increíbles.

Cada diálogo de Tato y Albana fue de alquilar balcones. Daban ganas de ponerle pausa, retroceder, y “play” otra vez. ¡Fue una de repartir palos! Aquello era como una locomotora que de un empujón te podía dejar directo en Alaska. Y todo con un disfrute gigante y una razón musical de peso. Si me meto a escribir sobre Tato corro el riesgo de escribir tres horas. No lo haré, pero sí déjenme decir que llevar así al tren arrollador que fue este toque es de genios. Además, ¡siempre metiéndole esa alegría desbordante que transmite con sus palos!

Hugo y Francisco son un caso aparte. Francisco se toca todo desde siempre pero cada toque me deja con la boca más abierta. Aquí sentí que era como si ellos dos se leyeran la mente todo el tiempo. Ambos sabían lo que estaba por tocar el otro… era casi como si fueran uno solo tocando, solo que desde los dos extremos del escenario. Genialidad musical compartida y mucha gozadera mutua.

Nicolás Ibarburu es otro extraterrestre más. Al igual que Hugo, y que Francisco, una no siente que agarra una guitarra y se pone a tocarla sino que parece que él y la guitarra son una misma cosa. Y de esa unidad sale una magia sonora que genera un disfrute profundo, de tinte nostálgico y serio con recodos de optimismo y ternura. En este concierto estaba en su salsa y fue obvio todo el toque que entre Hugo y él había un entendimiento perfecto.

En un par de momentos Hugo, Nicolás y Francisco tocaron unas melodías al unísono, los tres. Creo que esa sería una buena manera de morir: con un éxtasis como ese.

Y así, tomándolos a todos de a dos, era un deleite atrás de otro. Ibas sumando eso de a 3 y a de a 4 y quizás puedas imaginar lo que estoy intentando transmitir: un alto viaje.

Vieron que por las venas uruguayas pasa sangre pero también candombe. Muchos conciertos uruguayos no tienen la participación de tambores y sin embargo los tambores de Barrio Sur están implícitos en muchísima música nuestra. Pero una cosa es que estén implícitos y otra cosa es la maravilla de tener al chico, repique y piano formando parte del desbunde sonoro. Los hermanos Silva vienen tocando con Hugo y Albana hace tiempo ya, con lo cual la sinergia colectiva es buenísima. Hubo un respeto notorio entre los tambores y los demás instrumentos en cuanto a la presencia y volúmenes de cada uno y un banquete de combinaciones rítmicas y tímbricas.

Un capítulo aparte fue la presencia de Rubén Rada en el escenario. Apareció con su simpatía y desparpajo de siempre, improvisando y haciendo surgir en todo el público las palmas y la algarabía, como solo él sabe hacer. Este genio pone un pie en el escenario y ya estamos todos, arriba y abajo, con una sonrisa de oreja a oreja y moviendo alguna parte del cuerpo. Y su voz… esa también anda por las venas de todos nosotros y se siente muy bien. Por ese rato nos hicimos todos la cabeza de estar escuchando a OPA, sí.

En algunos temas participó también Matías Rada, quien también tiene una personalidad firme y cada vez más definida en la guitarra.

Una invitada especial fue Luanda Fattoruso quien nos regaló su voz dulce, profunda e interesante. Un auténtico toque de distinción.

El concierto terminó con todos los músicos tocando candombe en los tambores. En ese momento una se pellizca y agradece haber nacido en este país. Y recuerda que ha sido un regalo tan increíble como inmerecido el que nos hizo la gente que vino de África. Vinieron por razones que avergüenzan y nos regalaron esta felicidad desbordante. Cuando decimos que el candombe es uruguayo, dediquémosle un momento a agradecerles a los africanos que nos regalaron algo que ha demostrado ser el vehículo perfecto para expresar una forma particular de ver la vida: mitad alegre, mitad nostálgica. Me queda un poco la duda de si vemos la vida así y el candombe nos calzó como un guante o si el candombe con el que crecemos en este país nos hace ver la vida como la vemos. Sea como sea, ya somos indivisibles.

Permítanme agregar aquí, porque así lo siento, una reverencia a Osvaldo Fattoruso también. Lo recordé mucho y sentí que si por las vueltas de las dimensiones, estuvo ahí escuchando, se tiene que haber gozado con lo que pasó esa noche. Elijo creer que así fue.

Al salir, muchos tarareaban la melodía de Goldenwings y había un sentimiento de unidad entre desconocidos palpable. De La Trastienda hasta mi casa hay unas cuadritas. Cuando iba llegando a mi hogar, por calles bastante vacías, oigo que una cuadra adelante iba un ser silbando Goldenwings otra vez. Es muy fuerte lo que significa Hugo Fattoruso y OPA. Los llevamos en el alma. Yo agradezco infinitamente.

Foto: Cortesía de Natalia Rovira.

Entrada escrita para COOLTIVARTE. En la entrada original encontrarán más fotos.

Secret Story

Cuando recién arrancaba este blog, con mis amigos Pepe y Napi hicimos otro blog para conversar más privadamente. Y ahí hablamos largo y tendido de los conciertos que a cada uno le habían impactado más.

Uno de los míos fue el concierto de Pat Metheny, de la Secret Story Tour. Por muchas razones, entre otras que este músico era quien más sonaba en mi casa desde hacía cuatro años para ese entonces.

En esa oportunidad pasé por Londres apenas una semanita, de la cual estuve dos días en Edinburgh. Estando allá, vi el cartel de que esa misma noche tocaba Pat Metheny… pero las localidades estaban agotadas. Por suerte, tocaría en Londres tres días después. Así que tuve la enorme dicha de verlo en vivo por primera vez, y en ¡tremendo concierto!

 

 

 

Hoy ha sido un día diferente y se podría decir que difícil. Así que se ve que la vida ha querido premiarme encontrando, bastante casualmente, un concierto entero de esa misma tour en Youtube.

Por si mis killos queridos pasan por acá en algún momento, dejo el video. Ha sido una emoción gigante poder verlo. ¡25 años después!

 

 

Este concierto incluye (min 46:37) el tema “Always and Forever”, que tanto me gusta. Ya que estoy, les dejo ese tema por Gustavo Villalba con la Big Band de AUDEM, de estas latitudes. También ahí estuve y soy testigo de que la atención de la audiencia era absoluta y completa. Daba miedo respirar y quebrar el hechizo.

 

 

Para cuando sea que pasen por aquí, killos queridos: un abrazo. Y Sivadselim, que seguramente sí pases pronto: ¡date el gusto de escuchar a Pat!

 

 

Visita al planeta Sara Sabah, en el Ciclo Cuerdas

Sara_Sabah_Ciclo_Cuerdas_Hugo_Balzo_FOTO_BRUNO_PESCE

 

Apenas sentarse, llamaba la atención la cantidad de lugares musicales dispuestos y la cantidad de micrófonos. A vuelo de pájaro, conté 9 lugares y 14 mics. Ese dato a secas no implica algo necesariamente, pero como sabíamos un poco de la trastienda de este concierto, ver eso desató un frotarme de manos ilusionado. Entonces, empecé a percibir que había algo diferente en estos minutos pre-show. Sentí que aquello vibraba a expectativa feliz generalizada, a algarabía. Más tarde, durante el toque, me fascinaría la atención sin distracciones, que no volara una mosca cuando no tenía que volar, que a nadie se le ocurriera hablar o comentar mientras sonaba la música. En resumen, el mejor público que un artista puede llegar a tener para una propuesta como esta.

Esto fue un viaje de principio a fin, con un código de belleza original: hubo dulzura que no empalagaba; fue impredecible y, sin embargo, se sintió cercano. El repertorio incluyó –pero no se limitó a– las canciones sefaradíes contenidas en el disco “Arvolera” (que actualmente puede escucharse en la página web http://www.sarasabah.com ).

Me asombró cómo desde el segundo uno la afinación de Sara Sabah fue perfecta y su centramiento musical, total, y a pesar del esfuerzo que seguramente eso le demandará, lo que transmitió desde el primer instante fue comodidad, sensibilidad, muchísimo sentimiento y alegría, diversión, disfrute del momento que se estaba generando y viviendo. Para mejor, la primera canción, “Tres ermanikas” ¡es una canción con una expansión vocal astronómica!

Ya desde aquí, desde el primer tema, la concentración de todos fue perfecta. El lugar desde el que arrancaron generando la vivencia colectiva fue de respeto, profesionalismo y esa mezcla justa de entregar y entregarse que logran quienes son músicos de corazón y tienen la suficiente maestría para confiar.

Y en cuanto a este corazón sentado en la butaca, alternó estos primeros minutos entre la alegría de un festejo y una tristeza que quizás sea ancestral, quién sabe. La combinación de una y otra, cambiando de instante a instante, durante buena parte del toque, fue una experiencia, y sacudida, nueva para mí.

El segundo tema, “Arvolera”, le infundió a ese recinto una fuerza abrumadora. El despliegue instrumental fue tan enorme que sentí la dificultad de poder prestarle la atención deseada a cada instrumento. Cuando mi atención se quería detener en el clarinete de Andrés Rubinstein, Nicolás Parrillo y Vittorio Bacchetta estaban haciendo una magia percutiva delirante, y Matías Craciun estaba descosiéndola en el violín, y Fede Righi marcando el carácter en forma magistral en el bajo, y las guitarras de Martín Ibarra y Gonzalo Durán entretejiéndose sabiamente… a veces complementándose, otras sonando juntas… y así todo el tiempo con todos los instrumentos. Tanto que fueron varias las veces que cerré los ojos para ver mejor.

Permítanme el atrevimiento de comentar que me cautivó la actitud profesional de Sara como música. Me refiero aquí al lugar desde el que hace su música en relación con los demás músicos: el relacionamiento en el escenario durante las canciones, los volúmenes al cantar, el cuidado con los sonidos que emanaban de todos los rincones…, en definitiva, la actitud de co-creación sinérgica, donde si bien hay un par de líderes (Sara y Fede), la performance es con el mismo espíritu, digamos, de una big band: nadie es más que nadie. Y todo con felicidad.

La contribución de todos los músicos fue increíble. ¡Los climas creados por todos! Matías Craciun con el violín transportó la sala entera a otra dimensión en muchísimas oportunidades. Lo mismo Andrés Rubinstein con el clarinete, y otros detalles. Fueron especiales los momentos en que tocaron juntos violín y clarinete, en esos registros de dulzura y profundidad. Gonzalo Durán y Martín Ibarra también fueron construyendo un universo de ondas, alternando entre ellos la tierra y el aire algunas veces o generando juntos corrientes impactantes. Del mismo modo los dos percusionistas aportaron un arte muy balanceado, no sobrecargando jamás, no tocando ni una sola nota superflua, y generando capas y subcapas rítmicas, afectivas. Debajo de todo y todos, el bajo alegre, profundo, decidido, groovy y cool de Righi. Y, evidentemente, detrás de toda esa magia, los arreglos hechos con amor y calidad, por Sara y Fede.

Íbamos unos 15 minutos de show, que habían sido exultantes, cuando Sara invitó a Juan Pablo Chapital a tocar con ella, a dúo, “Ríos furientes”. Él con su guitarra calada, con sus notas dulces y nostálgicas, realmente tocadas y sentidas, y ella con el sentimiento del mundo volcado en su voz magistral, haciendo unos malabares vocales maravillosos, nos conectaron, ahí mismo, con galaxias distantes.

En ese estado de éxtasis en el que nos tenían para ese entonces, llegó la siguiente invitada, con su voz privilegiada: Carmen Pi. Lo que hicieron estas dos mujeres fue una genialidad. Divinamente ajustadas entre sí, luciéndose a más no poder, desplegando todo el arte y toda la magia que se pueda desear escuchar.

El tema siguiente, que creo que se llamaba “Altísimo” (aunque para mí será “toma y bebe”) era como un rompecabezas musical, un desafío rítmico desde donde lo miraras, y sin embargo, no solo lo hicieron fluir cómodamente sino que además fue uno de los temas en que hicieron cantar al público.

Luego, Sara presentó a los músicos:

Matías Craciun (violín), Gonzalo Durán (guitarra), Martín Ibarra (guitarra), Nicolás Parrillo (percusión), Vittorio Bacchetta (percusión), Andrés Rubinstein (clarinete) y Federico Righi (bajo eléctrico).

A “Morenika” la conocía bien. La había escuchado muchas veces en los días anteriores al show y otra vez confirmé: un toque en vivo es una vivencia mucho más completa que una grabación, aunque sea una excelente, o aunque sea un video visualmente rico. Creo yo, puedo equivocarme, que cuando estamos en la misma sala que los instrumentos sonando, nos llegan al cuerpo las ondas vibratorias mucho más completamente que en un disco. No tengo prueba de esto… pero bueno, en resumen, las guitarras de Morenika me enamoraron completamente y quedé extasiada tratando de acomodar todo lo que sentía… pero no me darían mucho tiempo a acomodar nada porque poquito después entraba el siguiente invitado.

Pinocho Routin y Sara cantaron, con muchísimo amor, “Brisas” (compuesta por Hugo Fattoruso) acompañados divinamente por percusiones varias y las homenajeadas cuerdas, todo con una delicadeza superior.

Al momento siguiente, todos los músicos, incluido Pinocho Routin, cantaron sin micrófonos una canción de bodas, llamada “La Novia”, muy alegre y divertida.

El vaivén emocional continuaría con una canción de cuna, compuesta por Sara y Fede, y tocada por ellos y el enorme Nicolás Ibarburu. Me sigue impactando el poder emotivo que tienen las notas de una guitarra tocada así, como toca Nicolás. ¡No esperen que les explique lo inexplicable! Es algo que solo puede experimentarse, gozarse y quedarse admirado de cómo hace este ser para tener esa personalidad musical arrolladora.

A “Todas las palabras” también lo tenía muy escuchado pero, de nuevo, tomó una dimensión mucho más enorme en vivo. Martín Ibarra en la guitarra, Fede en bajo y Sara en voz lograron un entretejido de las tres sonoridades que no dejó ni un rincón del cuerpo inalterado.

Retornaron todos al escenario para tocar “La mal kazada del pastor”, que fue un festín en todo sentido: rítmico y melódico, para empezar, y el banquete de sonidos: el violín y el clarinete, cada uno por separado y al unísono, la percusión increíble de Parrillo y Bacchetta, más tantos detalles, como ser el triángulo, tocado aquí por Rubinstein… y todo sostenido por el bajo y las guitarras.

Como si a la noche le faltara pluralidad musical, ¡apareció un berimbau entre los chiches de Parrillo! ¡Fantástico! Así arrancó una nueva canción de bodas, a tres guitarras, para la que invitaron nuevamente a Nicolás Ibarburu. Gonzalo Durán sostuvo con una solidez impresionante esta canción en la que Martín Ibarra y Nicolás Ibarburu hicieron una especie de duelo maravilloso. La verdad que este tema le hizo mucho honor al nombre del Ciclo Cuerdas: tres guitarras, violín, bajo y berimbau. Simple: no queríamos que el tema terminara nunca.

El último tema, onda klezmer, fue otro festejo más, de la voz, de la música, de la vida, en el que Sara se lució a pleno.

Una mención aparte merece el equipo a cargo de Pablo Avellino. La paleta era enorme y sutil a la vez y se oyó absolutamente cada detalle con claridad y perfección. Los volúmenes entre instrumentos y cantantes suelen ser un desafío para los sonidistas uruguayos y Sara, para mejor, manejó una cantidad enorme de matices de volumen. Pues, lo cierto es que todo sonó como si fuera una grabación en el mejor estudio del mundo y mil veces masterizada.

Hubo bis, claro, y fue esa bonita canción que hemos venido escuchando en las redes: “La mar está en fortuna”. La generosidad sonora del planeta Sara Sabah se mantuvo hasta el último segundo y también la emocionalidad a tope, la delicadeza, la exquisitez, el cuidado, el amor hecho música.

Nada se repite jamás, por más que suceda dos veces. Lo que queda es agradecimiento real por la experiencia, admiración rotunda por cada uno de esos seres que pueden transmitir en forma de sonidos verdades humanas eternas, para algunas de las cuales ni siquiera tenemos palabras, pero sin duda laten en nosotros y hace muchísimo bien poder observarlas de esta manera.

Esta reseña fue escrita originalmente para COOLTIVARTE.

Foto: cortesía de Bruno Pesce.

 

Entrevista a Sara Sabah

Foto: Ian Elizondo

 

Entre los músicos Sara Sabah es considerada como una de las mejores cantantes uruguayas. La mención de su nombre por sus colegas viene siempre acompañada por un tono de respeto y admiración. Cantó durante muchos años con Rubén Rada, integró y dirigió el cuarteto vocal “La Otra”, ha cantado acompañada por Hugo Fattoruso, ha grabado con Urbano Moraes, Fernando Cabrera y Jorge Schellemberg, entre otros. Se ha dedicado, además, a la preparación vocal de actores. Tiene cuatro discos propios: Álbum (2008), Conexión (2010), Cerca (2015) y Arvolera (2017). En el marco del Ciclo Cuerdas, en la Sala Hugo Balzo del Auditorio Nacional del Sodre, Sara Sabah dará un show que promete ser especial y diferente dentro de la cada vez más multifacética escena musical montevideana. Puede llegar a ser una de las últimas oportunidades para escuchar un proyecto ambicioso, muy bien logrado, que emociona profundamente y que puede considerarse un privilegio tener la oportunidad de vivirlo en vivo. Los músicos que acompañarán a Sara Sabah serán Federico Righi (bajo, sas y oud); Nicolás Parrillo y Vittorio Bacchetta (percusión); Gonzalo Durán y Martín Ibarra (guitarras); Andrés Rubinstein (clarinete) y Matías Craciun (violín). Este ciclo se ha caracterizado por las invitaciones cruzadas. En esta oportunidad participarán Carmen Pi, Pablo “Pinocho” Routin, Juan Pablo Chapital y Nicolás Ibarburu.

La mayoría de los temas que escucharemos en la Hugo Balzo pertenecen al disco Arvolera, que recopila canciones sefaradíes, con arreglos y sonidos exquisitos, y fue grabado en Israel con músicos de aquí y de allá.

A continuación comparto una charla distendida, de domingo.

 

Sara Sabah: El disco Arvolera necesita muchos músicos y vamos a aprovechar este toque, en la Sala Hugo Balzo, para hacerlo en el formato completo. Yo no soy de prever mucho si un proyecto es práctico. Soy apasionada y me lancé a grabar el disco. Pero claro, después no es tan fácil tocarlo, por ejemplo en boliches.

A algunos músicos no los conocía antes. Por ejemplo a Andrés Rubinstein. Y a Matías Craciun lo conocía un poco, pero no teníamos un vínculo muy cercano. Al Colo tampoco. Fue un grupo que se formó desde la búsqueda de los instrumentos, lo cual era arriesgado. El resultado fue que se armó un equipo divino y ahora me da pena que no es un formato fácil de trabajar. Por suerte en este toque del Ciclo Cuerdas, que se hace en esta sala divina, podemos hacerlo.

P.S.: ¿Se te ocurrió invitar al crowdfunding (mecenazgo colectivo) como una manera de obligarte a terminar el proyecto?

No, no lo pensé así de antemano. No soy una persona muy organizada pero soy tesonera. En la plataforma del crowdfunding les prometés a personas que no conocés que a cambio de su aporte les vas a entregar un disco, o si aportan un poco más les vas a dar un disco y una entrada al show… de un disco que todavía no se grabó. Cuando leí todas las condiciones de la plataforma, me di cuenta de que iba a ser un disparate de trabajo. Pero por suerte, por esas cosas que suceden, me encontré con una amiga, que se llama Laura Barzilai, con quienes somos amigas desde muy jóvenes, y le pregunté si quería ayudarme con el crowdfunding. Ella habla inglés perfecto y era una plataforma norteamericana, o sea que toda la logística la tenía que hacer alguien que se manejara mejor que yo con ese tema. Además es muy organizada y fue una bendición. Porque se dedicó a hacer todo lo que yo no podría hacer. Entonces me sentí más aliviada.

¿Ella hizo la página web?

No, pero ella me ayudó a actualizarme en todas esas cosas. En la página está el ojo de Gerardo Goldwasser y la calidad de Martín Tisnés, que armaron una tremenda dupla. El video de las tacitas, por ejemplo, es la estética de Gerardo. A mí me gusta mucho su obra. Le dije que hiciera y eligiera lo que a él le pareciera para la página. Porque todo el tema estético no es tanto lo mío. Lo que a mí me importa es que la música esté ahí, que los arreglos me rompan la cabeza… que yo sea feliz musicalmente.

¿Para ser feliz musicalmente no se necesita que la música llegue a mucha gente?

Más o menos. Mi meta con este disco era poder grabarlo. No sabía qué iba a suceder con estas músicas. Obviamente me pone contenta que la gente lo escuche, pero no era el motor.

¿Cuál era el motor para grabarlo?

Traer ese sonido acá a Uruguay y ver qué sucedía con eso de traer una música muy antigua, anónima, a nuestros días. Y me encantó ver lo que pasó con esas canciones. Yo quería darle ese toque cuando conocí a estos músicos. Que el sonido fuera súper moderno y que los instrumentos no fueran de acá… quería que lo hicieran ellos. En principio me pareció un delirio. Y me llevó cuatro años terminarlo. Los músicos que trabajaron en el disco son músicos que hicieron eso. Que traen música incluso litúrgica a un escenario. Esas melodías no son ajenas a mi oído porque en Israel estás todo el tiempo en contacto con la música árabe. Y cuando escuchaba estas canciones siempre me parecía que el tratamiento no era suficiente. Es que eran canciones cantadas por ejemplo por la señora de la casa, que se juntaba con otras y la cantaban con una pandereta. No hay mucha vuelta.

¿Qué sentís que les aportaste a estas canciones?

No sé si la palabra es aportar. Lo que sé es que me atravesaron. Yo siempre decía “estas músicas las voy a hacer después, cuando tenga cuarenta, cuarenta y pico”. Porque podía apreciar la melodía pero el sentido del texto lo he ido comprendiendo mejor con los años. Con este proyecto atravesé repertorios que están muy vinculados y comprendí cosas, por ejemplo, sobre el movimiento de los trovadores y la similitud que tiene esta música con eso. No fue que yo haya decidido hacer todo eso sino que lo fui cursando. También con la ayuda de amigos, que me fueron recomendando que escuchara determinadas músicas. Yo tengo una cierta inquietud constante y eso me hace hurgar. Pero no soy obsesiva. Por ejemplo, estaba cantando las canciones sefaradíes, sumamente involucrada con lo que significan, pero en el mismo momento componía otras músicas.

Por ahora no me absorben tanto las cosas. Incluso me sucede así en lo afectivo. No me ha pasado muchas veces en la vida de ahogarme en una tristeza muy profunda. Intento fluir de la mejor manera posible, aunque a veces las cosas no sean fáciles. Y con la música me pasa que no tengo una preferencia marcada. Me gusta muchísima música diferente. ¡Ahora se escucha tanta música! Igual, con el programa de Babel en el que me invitaron a elegir música, me detuve a mirar qué sacás afuera y qué elegís conservar. Ahí me di cuenta de que a pesar de que hoy no tenés una sola influencia, hay un punto de base en el que plantás una semilla de lo que sí y de lo que no. Eso es un inicio de algo. A pesar de lo diversificado y variado del universo musical, uno elige. Inclusive cuando uno navega por plataformas en las que se puede buscar cosas como “Cantante armenia pop”, uno selecciona. Y, bueno, retiene en la memoria algo que quizás luego puede ser usado en una clase de arte escénico, por ejemplo.

El teatro habilita mucha libertad, así que ahí puedo proponer cosas diferentes. Aprendo mucho con los actores. Ellos son muy, muy generosos. El actor recibe un texto y por dos o tres meses es una persona distinta. Admiro a los actores. Tienen una vida sacrificada y están muy abiertos al diálogo. En la música hay muchas cosas que ya están listas, como por ejemplo lo que tiene que ver con el tiempo. En lo escénico no.

Cuando hiciste el show de presentación de Arvolera, ¿qué efecto emocional tuvo en ti?

Ahí hubo una conjunción de emociones dadas por haber cerrado el ciclo, tener el disco en la mano, que mi papá haya cantado de invitado en una canción, también. Él es cantor litúrgico en una sinagoga. Mis padres se fueron a vivir a un kibutz por un tema ideológico, para vivir en un sistema igualitario. En el kibutz la vida no es religiosa. El contacto que teníamos con lo religioso estaba más ligado a la historia. Pero cuando yo tenía once años volvimos a Uruguay y un día fui con mi padre a la sinagoga y me sorprendí muchísimo al oírlo porque no sabía que mi papá sabía rezar, que sabía cantar el oficio.

El repertorio de Arvolera es popular, no religioso. Lo popular tiene una herencia cultural. Es como un tratamiento que tiene que ver con la espiritualidad de la música y la tradición pero no con la religión. Hay algo que me emociona muchísimo en este repertorio pero más por el lado de la tradición.

En España tuvimos una experiencia fuerte, cuando abrimos un festival sefaradí en Córdoba con Fede Righi, José San Martín, Tato Moraes y Federico Nathan. Una de las cosas que me enseñó mi maestra de canto, Nelly Pacheco, es que tenés que tener la medida justa entre decir para el otro y decir para ti. Ella dice: “hay que tener pecho frío porque si no, lloramos”. Y al pecho frío lo aprendí de chiquita, porque entendí que no puedo involucrarme a un nivel tal de no poder cantar. Pero lo que me pasó en Córdoba es que llegué ya con un nudo en la garganta, porque había amapolas y eso me trajo el recuerdo de la infancia en Israel, donde estaba lleno de estas flores. También influyó que me di cuenta de que iba a cantar ese repertorio en el lugar donde nació ese repertorio. Para mejor, nosotros abrimos el festival y se espera que quien lo abre diga algunas palabras. Así que tuve que decir unas palabras pero fue decir “Buenas noches, Sefarad” (que quiere decir España en hebreo), y me corrió toda una cosa… ahí no pude hacer pecho frío. El primer tema lo canté más o menos porque la emoción era mucha.

Antes de despedirnos, ¿estás trabajando en algo nuevo?

Sí, en un proyecto que es bien diferente a este. Es solo bajo y voz. Así que de alguna manera este show va a marcar un momento de cambio. Este proyecto nuevo es con Fede Righi. Fede tiene una precisión rítmica increíble… él me ordena mucho y aprendo mucho con él. También confío mucho en él. Puedo adelantar que esta vez no voy a hacer un disco; el resultado va a ser un objeto pero no un disco.

 

Foto de portada: Ian Elizondo

 

 

José San Martín – Parte 1: “En esta esquina”

en esta esquina

Que te venga a visitar alguien que hace muchos años que no ves es de por sí emocionante. Que además te regale cinco CDs, en formato físico, es algo impactante. Que encima ese alguien sea un excelente baterista hace que la cosa se torne paradisíaca.

Lo loco es el tiempo que tardé en escuchar estos cinco discos. Estuve mucho esperando el momento ideal, reservándolos inclusive en sus envoltorios, esperando ese día perfecto. Bueno, ese día fue hoy. Este sábado lluvioso y frío de principios de agosto de 2018.

Pero antes de escucharlos me quedé un ratito sintiendo y pensando toda la simpatía y cercanía que genera José. Hacía veintitantos años de la última vez que nos habíamos visto y su visita y toda la charla fue como si nos hubiésemos visto el día anterior, súper amena y muy cálida. Desde ese sentimiento de sorpresa y agradecimiento, fue que empecé a indagar en el orden de los discos.

  • “En esta esquina” – 1999
  • “Artesano” – 2006
  • “Triovivo” – 2007
  • “Tres calles” – 2014
  • “Otros palos”  – 2015

Los músicos de “En esta esquina” son:

Nicolás Mora – Guitarra

Juan San Martín – Bajo

José San Martín – Batería

Temas:

  1. Vino y casera
  2. Camino al abrevadero
  3. Ese aire (Bulerdombe)
  4. Sarunga
  5. Vilariño
  6. Candombe diciembre
  7. El estelazo
  8. Ahora sí
  9. La esperanza rochense

Ya los primeros segundos de “Vino y casera” me fascinaron. Tremenda emoción escuchar esta amalgama preciosa de estilos que me son queridos y que en mi corazón los identifico, por mi propia historia, como la unión entre Montevideo y Boston: el candombe y el jazz. Una guitarra nítida, clara, de sonidos dulces y decididos, con aires que amo profundamente, un bajo despierto y corpulento y una batería riquísima en sus detalles y con esa impronta feliz, tremendamente rítmica y creativa característica de José.

Entonces voy a mirar el librillo del CD: “Todos los temas de José San Martín. Grabado en Madrid”. Lo que es este mundo globalizado. Esta mixtura africano-bostoniense se graba en Madrid con músicos de Uruguay. Y a la vez se siente tan pero tan propio que es una demencia.

Me detengo antes de escuchar el segundo, para disfrutar un poco la reminiscencia del primero. José evidentemente viene del linaje de Roy Haynes, Tony Williams, Jack DeJohnette y demás, quienes se han caracterizado por llevar el tiempo de la manera más creativa posible. Su ride tocado con una delicadeza total contrasta bellamente con la decisión y firmeza de los cuerpos de la batería. El sonido seco, que me encanta, del HH. La elección del silencio con salpicaduras de platos acompañando momentos protagónicos de la guitarra y la unión perfecta entre candombe y jazz como clímax.

¿Ustedes qué dicen? A este paso, ¿cuán largo puede llegar a quedar este texto sobre cinco CDs? Siendo que la atención promedio de un lector de estos días es de tres líneas, estamos en problemas. Ustedes y yo. Ya veremos como sorteamos ese detalle.

Si en el primer tema José dio cátedra de independencia y creatividad musical, en el segundo, “Camino al abrevadero”, impresiona la aplicación musicalísima de los queridos rudimentos. Este es un ejemplo de cómo usar una técnica virtuosa para lo que la música pida… y con buen gusto. Aquí la guitarra protagoniza quizás un poco más pero con una impronta reflexiva, más profunda, menos festiva, muy sentida.

“Ese aire” es bastante diferente. Aunque la batería es potente, aquí fue el bajo el que me atrapó la escucha. En realidad los tres tienen protagonismo pero yo sentí como si tanto guitarra como batería estuvieran para condimentar las notas del bajo. Un placer escucharlo a Juan. Me da la impresión de que hay una madurez especial en el ataque y llega una dosis de confianza que siempre hace bien.

“Sarunga” baja las revoluciones que venían bastante altas. Es una canción dulce pero no melosa. Tiene el tipo de ánimo que identifico con una tardecita calma, en la que el mundo gira a buen ritmo y una se siente en paz con la existencia. Aquí el trío se da un espacio donde los sonidos y los silencios danzan sin urgencia, con gozo, con presencia.

A “Vilariño” lo percibí más pensado que sentido. Si bien es compacto, con una buena dinámica entre el trío, fue el primero de los temas hasta ahora que no sentí la necesidad de escuchar por segunda vez. Hubo también algún acorde que sentí incómodo.

“Candombe diciembre” me resultó un banquete de calidez, belleza, dulzura, groove y sensibilidad. Y de nuevo siento fundirse el candombe con el estilo de jazz que supe escuchar durante una década sin parar y que de alguna manera me identifica y me regala imágenes de jams y noches estrelladas de verano. Desde acá les envío un gracias enorme a estos tres músicos por este regalito, que mi alma recibe con agradecimiento total. Es seguro que esta pasará a estar en mi lista de músicas para escuchar cada pocos días.

Me parece apasionante la dinámica que se da con este fenómeno de la música. El que compone un tema lo hace por sus propias necesidades. Veinte años después alguien lo escucha, como es mi caso hoy, y esas notas traen asociaciones concretas, que hasta tienen imágenes, olores y sensaciones físicas. Entonces surge el agradecimiento por la oportunidad de recordar memorias que el compositor ni siquiera imaginó. Es un mecanismo extraño y bello.

“El estelazo” arranca con un caminante más convencional y por unos momentos no me impresiona tanto. También es cierto que le toca competir con los sentimientos generados por el tema anterior que fueron fuertes. Y como escribo esto para compartir lo que siento, me doy la libertad de decirles que a este en realidad me lo perdí, porque estoy todavía resonando con el anterior. Lo que hago en estos casos es: la siguiente vez que escucho el disco arranco por esos tracks que no me llamaron tanto la atención, para poder individualizarlos mejor y realmente escuchar lo que tienen para decirme, sin interferencias. Así que “El estelazo” tendrá que esperar a mi próxima escucha para poder vivirlo mejor. Pero eso sí, por el minuto 5 pasa algo impresionante.

Con “Ahora sí” retomé mi capacidad de sorpresa y enamoramiento. El trío suena compactísimo y crean algo muy hermoso, magnífico. El corazón se expande. Se siente idéntico que cuando en medio de un día muy gris aparece ese arcoíris enorme y nítido: esperanza, certeza de vida, fe.

Y con pena de que se termine, llego a “La esperanza rochense”, que veo que está dedicada a Pollo Píriz, ese musicazo que logra emocionar desde un lugar de pura humanidad. Esta pieza es una mezcla perfecta de cortesía, ternura, sencillez y afabilidad. Tiene el ritmo más lento de las ciudades del interior y un poco de su nostalgia también. Al menos de esa nostalgia que nos viene a quienes vivimos en el interior y desde Montevideo recordamos el ritmo pausado y los cielos más despejados. Es una ofrenda suave que me deja en un ánimo especialmente armonioso.

Por poner en tres líneas aquello que no se puede explicar de ninguna forma, “En esta esquina” es un disco de alto nivel musical, de muy buen gusto, tocado por un trío que sabe lo que hace, muy sensible, y que tiene algo con sentido para decir, tanto en forma individual como en conjunto.

Somos varios los amantes del formato trío y son discos como este los que refuerzan esa preferencia.

Por hoy les cuento hasta aquí pero esto continuará, porque es evidente que lo que tengo conmigo es un tesoro musical. El cofre ya fue abierto y la curiosidad es total. Espero que ustedes puedan conseguir “En esta esquina” y disfrutarlo también.

5 de agosto de 2018.

Homenaje a Chris Cornell en Inmigrantes

Homenaje-Chris-Cornell-Llambo-en-Inmigrantes-05-jul-2018.png

El clima gélido montevideano del miércoles 5 de julio de 2018 a las 22:00 horas era un espejismo para ocultar una velada acalorada y con un nivel alto de frecuencia celular.

Calculé a qué distancia me pararía para que el volumen no fuera demasiado e incluso evalué la posibilidad de una huida discreta. Sin embargo terminé, por elección, en primera fila, recibiendo todo con las tripas, y gozándome la vida durante las dos brevísimas horas que duró el homenaje a Chris Cornell de Llambo (Alejandro Llambías), Tote FernándezJuan Eiraldi y Fernando “El Rengo” López.

Un Inmigrantes completamente lleno (“up to the balls”, como bromearon) se mantuvo al firme con mucho respeto, atención plena y satisfacción justificada.

Qué privilegiados los que estuvimos ahí. Fue un concierto compacto en su excelencia, con un nivel de energía sostenido hasta el último segundo. Inclusive la participación de varios invitados sucedió cómoda y coherente con esa unidad.

Llambo se pasa de genio. Cantó las dos horas con esa calidad que lo caracteriza. Lo más obvio y lo primero que atrapa es su dominio técnico para llegar a notas súper agudas o a un registro mucho más grave sin disminuir para nada la textura del sonido ni la afinación. Pero lo que a mí me embriaga es la convivencia en una sola voz de una buena dosis de garra, de potencia, también de tristeza, y una enorme porción de dulzura, suavidad, cordialidad. Llambo está al mismo nivel de cantantes gigantes como Chris Cornell o Myles Kennedy pero tiene un ángel especial que lo identifica y diferencia de cualquier otro. Él despierta una constelación de emociones y nos permite poner a la vista aspectos contradictorios que conviven en nuestro interior. Escucharlo no es algo que convenga hacer a la ligera… hay que saber que uno se está entregando a una transformación potente. Después de la experiencia es como si la filigrana de la vida tuviera hilos de más colores y todo brillara más.

Juan Eiraldi en la guitarra sostuvo el mundo melódico y armónico de la noche de manera admirable, con un toque optimista y corpulento, sensato pero vivaracho, alegre e inquieto. Me llamó la atención su genial ubicación para despegar cuando así convenía y para generar una base adecuada cuando otros tenían el protagonismo. Su sonido es limpio, decidido y su impronta es calma, segura y gozada. Sin duda un gran guitarrista.

A la izquierda del escenario, regocijado, Fernando “El Rengo” López llevó, sabio e incansable, la batuta con el bajo. La máxima “menos es más” se resignificó aquí para mí. Si bien por momentos aparecían más, me sorprendió -para bien- su efectividad con pocas notas. De la mano con esto disfruté tanto de los sonidos no tocados pero implícitos que sí sonaban en mi cerebro como de las notas sostenidas y saboreables durante tiempos completos. La buenísima comunicación con la batería fue otro de los hitos.

Lo que me lleva a situar la mirada en Tote Fernández. Antes de que comenzaran le pregunté qué le atrapaba más de este proyecto. Me respondió algo así: “Son las canciones que escuché durante toda una época, esta música corre por mí, y lo que más me gusta es tratar de generar lo mismo que los bateros de las canciones originales, que tienen sus diferencias”. [Matt Cameron, Brad Wilk y otros]. Durante el show fue fascinante presenciar ese cambio de energía entre los temas, con los diferentes vocabularios y enfoques, y sin embargo, detrás, en el fondo de esas variaciones, encontrar el sonido tan personal de Tote, que tiene una solidez extrema pero cómoda, una contundencia bestial y creativa, un gusto de chef francés al elegir sus fills y también sus silencios. Admiración total me generó su habilidad para disfrutar a tope, permitirse emocionar y excitar notoriamente por la energía de la música y a la vez mantener el tiempo y el temple con maestría. Si lo han visto, saben que es bastante alto. Para que se hagan una idea del volumen que hubo por momentos, déjenme contarles que subía los palos hasta encima de su cabeza para tomar impulso. “¿A vos no se te rompieron los oídos?”, me preguntó Llambo. Y no, porque me pasé el toque entero poniéndome y sacándome los protectores. Cada vez que él decía “vamos a tocar una baladita”, yo volaba a protegerme estos órganos de los que dependo para ser feliz. Y, nobleza obliga, hubo lapsos más calmos en los que fue muy placentero estar desprotegida.

Hubo varios invitados: Sebastian Casafúa (Voz), Leo Varga (Batería), Emiliano Pérez Saavedra (Batería), Gonzalo de Lizarza (Guitarra), Claudio Pintos (Guitarra), Diego Bustamante (Voz), Marcelo Leoni (Bajo) y Rosendo Saralegui (Bajo). Todos aportaron su color personal que combinaron a la perfección con la paleta de la noche.

En este encuentro de tributo sonaron, con todo el respeto del mundo, temas de Soundgarden, Temple of the Dog y Audioslave. Es doloroso detenerse a ver que un ser tan creativo y genial como Chris Cornell llegó a no encontrar motivación para continuar viviendo teniendo aún unos cuántos años por delante. También es emotivo que su obra continúe renovándose con músicos que le rinden homenaje de esta manera tan profesional.

 

Si te interesó esta reseña, puede interesarte leer también nuestra entrevista a Llambo.

Foto de portada: facilitada por la Producción.

 

Respeto y veneración musical: Ibarburu-Chapital en Ciclo de Cuerdas

20180614_002122

 

Se apagaron las luces y se sostuvieron apagadas un poco más de lo acostumbrado. La calidad de ese lapso de silencio, visual y auditivo, nos hizo saber que por esa noche el público estaba a la altura de los músicos. Atención plena, evidente expectativa y mucho respeto. Alguien aventuró un silbido y un aplauso apretado les dio la bienvenida a Nicolás Ibarburu y Juan Pablo Chapital. Desde el suelo, dos focos blancos y tímidos iluminaban justo lo suficiente, generando un efecto íntimo, que invitaba a agudizar el oído y toda la kinestesia.

A partir de la primera nota de la primera canción que ofrecieron hasta que se volvió inaudible el último sonido de la noche, vivimos un maridaje de profesionalismo, enorme cuidado, profundo amor y total veneración a la música.

Tanto de la grabación “Amanecer en Tandil” como de este show de presentación en la Sala Hugo Balzo del Auditorio del Sodre me impresionó que siendo la mitad de temas de uno y la mitad de temas compuesto por el otro el disco tiene una unidad y personalidad indiscutible. No es para nada un rejunte de canciones sino que se siente como si hubiese sido una obra creada como una unidad. Si a eso le agregamos que estamos hablando de dos guitarristas profesionales que ya tienen sus carreras individuales muy desarrolladas, resulta muy destacable que se hayan conjugado de tal forma como para que resulte esta obra tan uniforme y por cierto muy hermosa, que se asienta en nuestro interior como pocos discos instrumentales de estos lares.

De alguna manera me trajo a la memoria el “Friday Night in San Francisco” (de John McLaughlin, Paco de Lucía y Al Di Meola). No porque sean discos similares, que no lo son, sino por esa cualidad de guitarras amalgamadas de tal manera que uno siente un efecto celular que no es “ni Ibarburense ni Chapitalteco”, sino otro, nuevo, e increíblemente hermoso.

El concierto entero fue una delicadeza amorosa, una reverencia a la creatividad sensitiva. Me encantaría, aunque sé que es difícil, que entre líneas pudieran oír las notas sostenidas, apoyadas con garra y misticismo; el recogimiento de los silencios… y el homenaje implícito a la sensibilidad humana.

Juan Pablo iba presentando los temas y él y Nicolás nos hicieron reír muchas veces con sus comentarios. Con ambos sucede que siendo esos gigantes musicales que son para algunos de nosotros, al oírlos hablar en el mismo tono que podríamos oír en un amigo o vecino, nos resulta sorprendente y divertido. A mí me genera admiración que sean así de cercanos siendo que a la vez están a años luz de nosotros los terrícolas.

En medio de la noche invitaron a Pablo Pinocho Routin a cantar un tema de Atahualpa Yupanqui. La presencia de Routin aportó un color diferente a la noche y creo que fue muy acertado, dándonos la oportunidad de un pequeño cambio de frecuencia que nos permitiría retomar la segunda parte con curiosidad renovada. Pinocho también se presentará en este ciclo, cerrándolo, el día 7 de noviembre.

En el público se encontraban Carmen Pi (que se presentará en este ciclo el día 8 de agosto) y Sara Sabah (que se presentará el 10 de octubre). Por su parte Nico Ibarburu el 5 de setiembre participará nuevamente con su banda.

Al llegar a los agradecimientos, que incluyeron a todos los involucrados en el CD y en el show, me conmovió especialmente la mención a Evaristo Martínez y Gastón Gauna, quienes fueron instrumento para la magia. Las palabras del Chapa fueron más o menos así: “Queremos agradecer especialmente a un amigo que está en la sala, que fue un poco el que se dio manija para que hiciéramos el disco, que se vino a mitad de semana de la ciudad de Azul: Evaristo Martínez. Todo surgió así. En un show que hicimos con Nico en la Sala Zitarrosa hace un par de años, donde los dos presentábamos el proyecto de cada uno y en un momento del show presentábamos algo a dos guitarras. Cuando Evaristo se enteró de eso dijo: ‘Yo los voy a traer acá y vamos a grabar el disco’. Y nos armó una gira que terminaba en la ciudad de Tandil, donde conocimos a otro loco de la guerra, amigo, que se llama Gastón Gauna, que es el dueño de Nido Records, que es su estudio, todo hecho a mano por él. Todo lo que ves fue puesto por él, todo de madera, increíble. Y el día del show Gastón vino a presentarse y nos dijo que teníamos las puertas abiertas para grabar. Y ahí estuvimos dos días amaneciendo en Tandil. Así que bueno, Gastón Gauna fue también fundamental en este proyecto“.

Por suerte nos regalaron algunos temas más. Uno de ellos fue “Quiero” de Chapital, que es la primera canción cantada por él que ha grabado hasta ahora. Es una canción súper bonita, muy sensible y muy introspectiva, con una melodía que queda sonando y resonando por días.

Después Nico cantó su canción “Mapa Tesoro”, que ha recibido una avalancha de crítica positiva de parte de los músicos. Su canto me conmovió de principio a fin y me fascinó ver su evolución en su actitud al cantar en apenas unos meses. Lo que empezó con una cuota de timidez está desarrollándose en un sentido muy generoso. Está pasando eso que era esperable que sucediera: que su voz nos sacudiera las células parecido a sus notas en la guitarra. El contenido de dulzura y amor que trajeron esas notas me desarmó por completo y logró eso que considero lo máximo al escuchar música: me detuvo todo pensamiento. Sonreí feliz, de principio a fin de la canción, y solo sentía el corazón transformándose bajo un embrujo nuevo.

Una belleza de concierto. Un par de guitarristas y compositores que tanto individualmente como en conjunto son un deleite absoluto.

Ahora tenemos “Amanecer en Tandil” que nos acompañará toda la vida. De corazón espero que no sea el último disco de esta yunta genial.

Reseña escrita para COOLTIVARTE, donde pueden encontrar las fotos del show tomadas por Ricardo Gómez.

Radios on-line de todo el mundo

Esta entrada será brevísima, solo para contarles o recordarles que en el siguiente sitio pueden escuchar radios, que transmiten on-line, de todo el mundo.

¡Me parece tan fascinante esto!

Pueden alejarse y acercarse, rotar el mundo, etc. Donde hay puntos verdes, están las radios. Abajo a la derecha aparecen los nombres de las radios de esa ciudad (puede haber solo una o varias).

http://radio.garden/live/

¡Que se diviertan tanto como yo!

No te lo querés perder: “Amanecer en Tandil” de Ibarburu y Chapital

Una de las maravillas de vivir en Uruguay es tener la oportunidad de ver en vivo conciertos como este que tendremos en pocos días.

Nicolás Ibarburu y Juan Pablo Chapital presentarán su disco “Amanecer en Tandil” en la Sala Hugo Balzo, siendo la suya la primera presentación del Ciclo de Cuerdas organizado por el Auditorio Nacional del Sodre. Esto sucederá el próximo miércoles 13 de junio a las 20:30h.

Siento una gran responsabilidad sobre mis hombros: por un lado, necesito contarles un poco acerca de este disco, para que por nada del mundo se pierdan esta presentación que sin duda será única, y por otro lado deseo que se sorprendan y deleiten como yo al escucharlo por primera vez. La única manera que se me ocurre de lograr eso es contarles apenas un poco de mi experiencia personal al escucharlo, y permitirles que descubran el resto directamente. Espero sin embargo poder transmitirles mi entusiasmo, como para que ni uno de quienes disfrutan de este tipo de delicatessen musical se lo vaya a pasar por alto por falta de información.

Mis amigos y yo lo diríamos así: si estos dos guitarristas fueran europeos y a este disco lo escuchara el sello ECM, inmediatamente los incluiría en el catálogo de sus artistas. Entre paréntesis aclaro que el 90% de los discos que edita ECM me fascinan. En este caso quien notó el potencial sonoro de esta dupla genial fue Gastón Gauna, dueño de un estudio de grabación en Tandil, Argentina, a quien aquí le agradezco que tengamos esta joya musical. Con orgullo y felicidad incluiremos “Amanecer en Tandil” en nuestras discotecas personales.

El disco tiene la misma cantidad de composiciones de Chapital que de Ibarburu y una versión de una canción de Eduardo Mateo.

No hay bajo, no hay batería. Los sonidos son principalmente de guitarras, seleccionadas con un gusto excelente, y con notoria cuota de dedicación y de amor. Es un disco que te arropa, que te mima el corazón, que te hace respirar más lento y profundo. Es un disco que siento que me hacía falta. Es un disco que sí o sí tenía que existir.

La primera canción del disco, que se llama “Quiero”, es una composición de Chapital con una letra hermosa también cantada por Juan Pablo. Es su primera incursión en cantar uno de sus temas. El efecto de su canto es como una caricia al alma. Es cercano, con una voz muy cálida y muy sincera, que resulta inocente y madura a la vez y me generó comodidad y un sentimiento de naturalidad y transparencia. Esta canción cuenta con la bellísima participación en el acordeón del gran Hugo Fattoruso, que entrelaza sus sonidos a los de Nicolás y Juan Pablo con la calidad que ya conocemos y con una cuota redoblada de dulzura y cariño.

Juan Pablo toca la guitarra de acero y Nicolás la de nylon en todo el disco. Lo que me impacta mucho es cómo conviven las dos personalidades clarísimas de ambos en su instrumento, sin mimetizarse una con la otra, y cómo la combinación de ambas genera además una tercera realidad sonora, y por lo tanto también emocional, que es paradisíaca.

Me parecería extraño pero supongo que alguno de ustedes puede no haber escuchado todavía a alguno de los dos. Así que intentaré contarles lo incontable. Los dos tienen un sonido increíblemente personal en la guitarra. El alma del sonido de Nicolás Ibarburu tiene una garra especial, una tensión que, aunque esté tocando algo dulce o muy melódico, te hace mantenerte atento sí o sí, cala hondo, metiéndose derecho en tu cuerpo energético, sin pedir permiso ninguno y generándote el deseo de que dure para siempre. El sonido de Nicolás te impulsa a arriesgarte a vivir, es poderoso, es impulsor de realidades nuevas. En cuanto a Juan Pablo Chapital, lo que me llega a mí cuando toca él es una combinación 50/50 de amor y poder. La imagen que se me viene en este momento es un cielo de Cabo Polonio con fuertes rayos intermitentes anunciando tormenta y debajo un mar sereno llenísimo de noctilucas. Cada nota suya existe para desarmarte, para que hagas un camino hacia tus confines interiores y, si lográs sobrevivir a la emoción, el goce es grandioso.

Más o menos así es la experiencia de escuchar el segundo tema, el temún “Huella Digital” de Ibarburu. No les cuento más para que puedan experimentarlo de primera mano y sin expectativas concretas. Aunque, pensándolo bien, es imperioso contarles que una guitarra y otra se van entrelazando mágicamente y el efecto de las vibraciones en el cuerpo abarca todos los doce chakras, sin saltarse ni uno solo. Es un pasaje directo a un amanecer de esperanza, de confianza, de existencia.

Podría seguir contándoles sobre los demás temas del disco pero no sería un buen gesto de mi parte. Es de corazón que les recomiendo que vayan a escuchar esta maravilla en vivo. Yo esperaré pacientemente hasta después de esta presentación para quizás comentarles más. Lo que sí, insisto: es un disco que querrás tener, que te hará bien tener, que escucharás muchísimas veces, porque te resultará una compañía fantástica y sanadora.

En el EPK, que puedes ver aquí, Hugo Fattoruso comenta: “Hay mucha alma ahí, mucho sentimiento, mucha verdad, así… de amor”. Suscribo completamente. Es un disco lleno de todo eso, un discazo precioso.

« Older entries