Dos Orientales en Uruguay: intercambio con Tomohiro Yahiro

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Todavía suena en algunos de nosotros el toque, tremendo, de Hugo Fattoruso en La Trastienda. Por eso recibimos con el alma abierta la noticia de que el dúo “Dos Orientales“, formado por Hugo Fattoruso y Tomohiro Yahiro, hará una serie de presentaciones en nuestro país en este mes de noviembre.

La colaboración entre Hugo Fattoruso y Tomohiro Yahiro ha sido llamativamente extensa en años, teniendo en cuenta la distancia en kilómetros que los separa. Comenzaron a hacer música juntos en el año 2005. Hasta el momento hicieron 13 giras y grabaron 3 discos:

  • Dos Orientales” – (2007, ganador de Premio Graffiti y pre-nominado al Latin Grammy en 2012).
  • Orienta” – (2011, ganador de Premio Graffiti)

(Ambos editados en Japón, Uruguay y Argentina)

  • Tercer Viaje” – (2016) editado en Japón y próximo a editarse en Uruguay.

En Montevideo, el 19 de noviembre Tomohiro Yahiro dará una clínica de percusión en AUDEM (Maldonado 983, Montevideo).

En los días anteriores, los Dos Orientales se presentarán en Paysandú (16 de noviembre), Fray Bentos (17 de noviembre) y Florida (18 de noviembre).

A continuación compartimos un intercambio con Tomohiro Yahiro, que tuvimos por correo electrónico.

 

¿Cómo y cuándo conociste a Hugo Fattoruso?

Antes de conocer a Hugo personalmente ya lo había escuchado, en los 70. Lo conocí personalmente en Japón en 1986, cuando vino a Japón con Djavan.

¿Qué es lo que te atrae de hacer música con Hugo?

Todo es posible con Hugo e incluso me guía a ayudarme a tocar mejor y crear nuevas ideas rítmicas y musicales, siempre con alegría.

¿Con qué otros músicos latinoamericanos has tocado?

En los 80 tuve chance de acompañar a artistas brasileros como Joyce, Toninho Horta, Joan Bosco o Nara Leon cuando venían a Japón.
Desde mediados de los 90 empecé a montar mi propio proyecto musical y empecé a invitar músicos latinoamericanos: Jorge Cumbo, Gladston Galliza y en esos proyectos siempre participaba Hugo.

Actualmente tengo 3 proyectos con músicos latinoamericanos: Dos Orientales (con Hugo), Gaia Cuatro (con músicos argentinos que viven en Europa) y Florencia Ruiz (cantautora argentina).

¿Qué hace que estés tan abierto a relacionarte con músicos de esta región?

Porque muchos de ellos están abiertos a colaborar y crear intercambio musical con Japón.

También sucede que los japoneses son muy curiosos, siempre andan buscando algo nuevo. El candombe o Uruguay mismo es un nuevo interés para muchos japoneses que están interesados en Latinoamérica.

¿Cómo es tu relación con el candombe? ¿Qué tipo de emociones te genera?

Para mí el candombe es justo lo que buscaba, con la raíz de ritmo africano pero sin raíz religiosa.

No hay palabras para expresar la emoción cuando estoy tocando el tambor chico. Tengo que estudiar más español para poder expresar esa pasión. Jajajá.

Si a un uruguayo le preguntan qué tipo de música es típica de este país, contestamos el tango y el candombe. ¿Qué estilos de música son típicos de Japón?

En Japón hay de todo pero mucho es superficial. Hay varias músicas típicas de Japón, tradicionales, pero quedan totalmente conservadas y totalmente afuera de lo que es fashion o modernización.

De tus trabajos musicales hasta el momento, ¿cuáles son tus favoritos? ¿Por qué?

Todos, porque tengo la suerte de poder crear música con músicos muy destacados y todos son excelentes profesionales. Pero permíteme decir que Dos Orientales o, mejor dicho, tocar con Hugo en dúo, es algo muy, muy especial para mí.

¿Qué se prioriza en Japón cuando se estudia percusión? 

Si es percusion occidental, lo primero es a base del sistema americano, rudimentos, stick control, etc. Pero como estamos informados superficialmente, aquí pueden estudiar cualquier ritmo étnico (ojo!! superficialmente).

¿Qué tipo de clínica vas a dar en Montevideo? ¿Qué pueden esperar quienes vayan?

Más que clínica, me gustaría tener un momento de intercambio cultural con ustedes. Yo no puedo enseñarles a los uruguayos el ritmo latino pero puedo mostrar cómo un japonés va aprendiendo los códigos rítmicos de África, Brasil, Cuba, etc.

Muchos músicos que hacen giras opinan que cada público tiene sus características. Si estás de acuerdo con esto, ¿cuáles son las principales diferencias entre el público japonés y el público uruguayo?

Son muy diferentes. En Japón el público es demasiado tranquilo. Muchos musicos sienten “¿estarán aburridos?” pero a último momento aplauden con toda emoción. O sea, si al final recibimos el mismo aplauso que al principio, querría decir que esa musica estuvo más o menos. Jajajá.

En cambio en Uruguay ¡me trataron como a una estrella! Incluso alguien me gritó a la cara: “Vooo, ponjaaaa, ¡te estábamos esperando!!!” ¡Todo muy alegre!

 

Biografía de Tomohiro Yahiro:

Nacido en Tokyo de 1961, pasó su infancia en Islas Canarias (Palmas de Gran Canaria, España), donde comenzó su carrera musical, tocando con bandas de rock locales. Vuelve a Japón en 1979, debutando profesionalmente en 1980. En ese entonces, fue miembro de bandas rockeras como Jagatara, S-Ken y Hot Bomboms.

Simultáneamente, tocó con varios artistas japoneses muy representativos del jazz: Yosuke Yamashita, Kazumi Watanabe, Kazutoki Umezu, Shigeharu Mukai, Fumio Itabashi, Shuichi Ponta Murakami, etc.

Participó en muchas grabaciones y giras, como Masashi Sada, Joe Hisaishi, Lisa Ono, Taeko Ohnuki, Yasuko Agawa, etc. Fue miembro de uno de los grupos más destacados de fusión-brasilera, Spick and Span. Tocó con artistas brasileros como Joyce Moreno, Toninho Horta, Joan Bosco, Leila Pinheiro, Alcione, etc.

En 1998 fue productor del grupo de percusión de África “Sophie Ker Gui” cuando se realizó la Copa Mundial de Fútbol en Japón. A partir de ese momento, fue invitado incontables veces a ceremonias relacionadas a la copa mundial de fútbol.

Desde los años 90 a la actualidad crea y desarrolla giras en Japón (en ocasiones, incluyendo otro país) en conjunto con artistas internacionales, enfatizando en Latinoamérica. Hugo Fattoruso, Osvaldo Fattoruso, Francisco Fattoruso, Toninho Horta, Jorge Cumbo, Pedro Aznar, Horacio Burgos, Daniel Maza, Martín Ibarburu, Gladston Galliza, entre otros, son algunos de los músicos que ya participaron en sus proyectos.

En la actualidad, tiene endorsement de Pearl y Korg.

En el año 2013 se comenzó a rodar un documental sobre el dúo bajo las cámaras de SADHU producciones, el cual fue filmado en Uruguay y Japón. El mismo se pre-estrenó en ambos países, en octubre de 2017, y está próximo a estrenarse en 2018.

En el año 2016 la Embajada de Japón en Uruguay hace entrega de una distinción, junto al deportista Diego Forlán, por la contribución y lazos de amistad que ambos han cultivado, enorgulleciendo a ambos países.

 

Repetimos las fechas y lugares de las presentaciones en Uruguay durante el mes de noviembre:

– 16/11 Teatro Florencio Sánchez – Paysandú

– 17/11 Teatro Young – Fray Bentos

– 18/11 Teatro 25 de agosto – Florida

– 19/11 Clínica de percusión, AUDEM (Maldonado 983) – Montevideo

 

¡A disfrutarlos!

José San Martín – Parte 1: “En esta esquina”

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Que te venga a visitar alguien que hace muchos años que no ves es de por sí emocionante. Que además te regale cinco CDs, en formato físico, es algo impactante. Que encima ese alguien sea un excelente baterista hace que la cosa se torne paradisíaca.

Lo loco es el tiempo que tardé en escuchar estos cinco discos. Estuve mucho esperando el momento ideal, reservándolos inclusive en sus envoltorios, esperando ese día perfecto. Bueno, ese día fue hoy. Este sábado lluvioso y frío de principios de agosto de 2018.

Pero antes de escucharlos me quedé un ratito sintiendo y pensando toda la simpatía y cercanía que genera José. Hacía veintitantos años de la última vez que nos habíamos visto y su visita y toda la charla fue como si nos hubiésemos visto el día anterior, súper amena y muy cálida. Desde ese sentimiento de sorpresa y agradecimiento, fue que empecé a indagar en el orden de los discos.

  • “En esta esquina” – 1999
  • “Artesano” – 2006
  • “Triovivo” – 2007
  • “Tres calles” – 2014
  • “Otros palos”  – 2015

Los músicos de “En esta esquina” son:

Nicolás Mora – Guitarra

Juan San Martín – Bajo

José San Martín – Batería

Temas:

  1. Vino y casera
  2. Camino al abrevadero
  3. Ese aire (Bulerdombe)
  4. Sarunga
  5. Vilariño
  6. Candombe diciembre
  7. El estelazo
  8. Ahora sí
  9. La esperanza rochense

Ya los primeros segundos de “Vino y casera” me fascinaron. Tremenda emoción escuchar esta amalgama preciosa de estilos que me son queridos y que en mi corazón los identifico, por mi propia historia, como la unión entre Montevideo y Boston: el candombe y el jazz. Una guitarra nítida, clara, de sonidos dulces y decididos, con aires que amo profundamente, un bajo despierto y corpulento y una batería riquísima en sus detalles y con esa impronta feliz, tremendamente rítmica y creativa característica de José.

Entonces voy a mirar el librillo del CD: “Todos los temas de José San Martín. Grabado en Madrid”. Lo que es este mundo globalizado. Esta mixtura africano-bostoniense se graba en Madrid con músicos de Uruguay. Y a la vez se siente tan pero tan propio que es una demencia.

Me detengo antes de escuchar el segundo, para disfrutar un poco la reminiscencia del primero. José evidentemente viene del linaje de Roy Haynes, Tony Williams, Jack DeJohnette y demás, quienes se han caracterizado por llevar el tiempo de la manera más creativa posible. Su ride tocado con una delicadeza total contrasta bellamente con la decisión y firmeza de los cuerpos de la batería. El sonido seco, que me encanta, del HH. La elección del silencio con salpicaduras de platos acompañando momentos protagónicos de la guitarra y la unión perfecta entre candombe y jazz como clímax.

¿Ustedes qué dicen? A este paso, ¿cuán largo puede llegar a quedar este texto sobre cinco CDs? Siendo que la atención promedio de un lector de estos días es de tres líneas, estamos en problemas. Ustedes y yo. Ya veremos como sorteamos ese detalle.

Si en el primer tema José dio cátedra de independencia y creatividad musical, en el segundo, “Camino al abrevadero”, impresiona la aplicación musicalísima de los queridos rudimentos. Este es un ejemplo de cómo usar una técnica virtuosa para lo que la música pida… y con buen gusto. Aquí la guitarra protagoniza quizás un poco más pero con una impronta reflexiva, más profunda, menos festiva, muy sentida.

“Ese aire” es bastante diferente. Aunque la batería es potente, aquí fue el bajo el que me atrapó la escucha. En realidad los tres tienen protagonismo pero yo sentí como si tanto guitarra como batería estuvieran para condimentar las notas del bajo. Un placer escucharlo a Juan. Me da la impresión de que hay una madurez especial en el ataque y llega una dosis de confianza que siempre hace bien.

“Sarunga” baja las revoluciones que venían bastante altas. Es una canción dulce pero no melosa. Tiene el tipo de ánimo que identifico con una tardecita calma, en la que el mundo gira a buen ritmo y una se siente en paz con la existencia. Aquí el trío se da un espacio donde los sonidos y los silencios danzan sin urgencia, con gozo, con presencia.

A “Vilariño” lo percibí más pensado que sentido. Si bien es compacto, con una buena dinámica entre el trío, fue el primero de los temas hasta ahora que no sentí la necesidad de escuchar por segunda vez. Hubo también algún acorde que sentí incómodo.

“Candombe diciembre” me resultó un banquete de calidez, belleza, dulzura, groove y sensibilidad. Y de nuevo siento fundirse el candombe con el estilo de jazz que supe escuchar durante una década sin parar y que de alguna manera me identifica y me regala imágenes de jams y noches estrelladas de verano. Desde acá les envío un gracias enorme a estos tres músicos por este regalito, que mi alma recibe con agradecimiento total. Es seguro que esta pasará a estar en mi lista de músicas para escuchar cada pocos días.

Me parece apasionante la dinámica que se da con este fenómeno de la música. El que compone un tema lo hace por sus propias necesidades. Veinte años después alguien lo escucha, como es mi caso hoy, y esas notas traen asociaciones concretas, que hasta tienen imágenes, olores y sensaciones físicas. Entonces surge el agradecimiento por la oportunidad de recordar memorias que el compositor ni siquiera imaginó. Es un mecanismo extraño y bello.

“El estelazo” arranca con un caminante más convencional y por unos momentos no me impresiona tanto. También es cierto que le toca competir con los sentimientos generados por el tema anterior que fueron fuertes. Y como escribo esto para compartir lo que siento, me doy la libertad de decirles que a este en realidad me lo perdí, porque estoy todavía resonando con el anterior. Lo que hago en estos casos es: la siguiente vez que escucho el disco arranco por esos tracks que no me llamaron tanto la atención, para poder individualizarlos mejor y realmente escuchar lo que tienen para decirme, sin interferencias. Así que “El estelazo” tendrá que esperar a mi próxima escucha para poder vivirlo mejor. Pero eso sí, por el minuto 5 pasa algo impresionante.

Con “Ahora sí” retomé mi capacidad de sorpresa y enamoramiento. El trío suena compactísimo y crean algo muy hermoso, magnífico. El corazón se expande. Se siente idéntico que cuando en medio de un día muy gris aparece ese arcoíris enorme y nítido: esperanza, certeza de vida, fe.

Y con pena de que se termine, llego a “La esperanza rochense”, que veo que está dedicada a Pollo Píriz, ese musicazo que logra emocionar desde un lugar de pura humanidad. Esta pieza es una mezcla perfecta de cortesía, ternura, sencillez y afabilidad. Tiene el ritmo más lento de las ciudades del interior y un poco de su nostalgia también. Al menos de esa nostalgia que nos viene a quienes vivimos en el interior y desde Montevideo recordamos el ritmo pausado y los cielos más despejados. Es una ofrenda suave que me deja en un ánimo especialmente armonioso.

Por poner en tres líneas aquello que no se puede explicar de ninguna forma, “En esta esquina” es un disco de alto nivel musical, de muy buen gusto, tocado por un trío que sabe lo que hace, muy sensible, y que tiene algo con sentido para decir, tanto en forma individual como en conjunto.

Somos varios los amantes del formato trío y son discos como este los que refuerzan esa preferencia.

Por hoy les cuento hasta aquí pero esto continuará, porque es evidente que lo que tengo conmigo es un tesoro musical. El cofre ya fue abierto y la curiosidad es total. Espero que ustedes puedan conseguir “En esta esquina” y disfrutarlo también.

5 de agosto de 2018.

Radios on-line de todo el mundo

Esta entrada será brevísima, solo para contarles o recordarles que en el siguiente sitio pueden escuchar radios, que transmiten on-line, de todo el mundo.

¡Me parece tan fascinante esto!

Pueden alejarse y acercarse, rotar el mundo, etc. Donde hay puntos verdes, están las radios. Abajo a la derecha aparecen los nombres de las radios de esa ciudad (puede haber solo una o varias).

http://radio.garden/live/

¡Que se diviertan tanto como yo!

Corea/Gadd Band en el Teatro de Verano: magistral

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Foto: Ricardo Gómez

 

El show de la banda de Corea y Gadd en el Teatro de Verano…

Esperen. Vuelvan atrás y lean eso de nuevo: “el show de la banda de Corea y Gadd en el Teatro de Verano”. ¿No se les sacuden de éxtasis todas las células? A mí sí. El corazón bombea a mil por hora. Respiro profundo y vuelvo a empezar.

Amo con toda mi alma cuando voy a escuchar música y estoy rodeada de músicos que admiro. Hay algo en el hecho de que los músicos vayan a escuchar música que me genera una alegría especial, desbordante. Ha de ser porque sospecho que los músicos deben de disfrutar el triple que yo de estar presentes en estos momentos religiosos. Anoche, miraras para donde miraras veías músicos, y todos con su adrenalina a todo trapo, con ese cosquilleo energético que precede a ver un show de quienes fueron tus ídolos toda la vida. Ese paisaje humano, de corazones musicales ilusionados, tiene para mí un impacto y un valor de gran significado emocional. Es casi como si hubiera un show debajo del escenario y otro arriba. Y, por supuesto, es impagable la experiencia energética de ver una música que te fascina cuando alrededor tuyo todo el mundo está exactamente en la misma sintonía.

Algo muy gracioso de anoche fue que según con quién te cruzaras te hablaba de “él”. Por ejemplo: “¡Al fin lo voy a ver!”, o “Lo vi hace 20 años”, o “¡Qué bueno que vino!”. Entonces tenías que detenerte un segundo y razonar: “es pianista, habla de Corea” o “es baterista, obvio que habla de Gadd”. Eso fue muy genial de vivir. A la salida hubo un instante en que nos cruzamos tres personas. Dos hablábamos de cuándo “lo” habíamos visto por última vez y el tercero compartía fervorosamente. De repente se dio cuenta, paró, nos miró y dijo: “ahh, ustedes hablan de Gadd… claro”. ¡Qué absolutamente genial que haya un concierto en el que pase esto!

El momento en que la banda apareció en el escenario tuvo una particularidad: la actitud terrenal y humilde de esos seres que saludaban y se iban acomodando a sus instrumentos. Ahí estaba Corea, sacándole fotos al público, ahí estaba Gadd, quien en mi imaginario es tanto más gigante físicamente que en la tridimensionalidad física. Entonces Corea tomó el micrófono y saludó: “Gracias”, dijo en un buen español, y luego presentó a cada uno de los músicos de la banda:

Steve Gadd en la batería

Luisito Quintero en percusión

Steve Wilson en saxos y flauta

Carlitos del Puerto en bajo

Lionel Loueke en guitarra

Ya ahí, en ese momento de presentaciones, se respiró el ánimo que habría durante todo el toque: relajación, simpatía, alegría, diversión.

El primer regalo que nos hicieron estos seres fue el tema “Night Streets”, del disco “My Spanish Heart”. Pero al acercarse al piano y antes de comenzar, Corea llamó a uno de los asistentes de escenario y le pidió que encendieran las luces para poder ver al público. Ese gesto me pareció alucinante. Aunque en ese momento no lo sabía, luego me di cuenta de que fue el primer indicio de una actitud que sería muy marcada toda la noche y que hizo una gran diferencia: Chick Corea estaba plenamente atento a lo que pasaba encima del escenario, al acto de creación con el resto de los músicos, y muy, muy atento al público, a quienes nos incluyó todo el tiempo con miradas, gestos y, sobre el final, invitándonos a cantar sus melodías. Así arrancó la noche, que para mejor tenía una temperatura perfecta y, lo más importante para escucharlos bien, sin pizca de viento.

Un hurra especial a quienes definieron el volumen: era ideal como para poder escuchar con claridad cada elemento de la música. Quizás habría subido un poco la voz de Loueke, pero todo lo demás estaba al volumen exacto.

Ya que lo mencioné, pongo mi foco primero en el guitarrista. Loueke, quien nació en Benin (país africano que queda al lado de Nigeria, Niger, Togo y Burkina Faso) y estudió en la Berklee College of Music, es una pieza extraordinaria en el tablero que configura esta banda. Sus elecciones son muy personales. Desde los sonidos que eligió, que eran más de sintetizador que de guitarra, la personalidad de sus intervenciones, y su voz que tiene una impronta conmovedora, su presencia musical fue un aporte muy marcado para la cualidad del show en su conjunto. Cuando soleaba él todos los sentidos se agudizaban.

Loueke ha tocado en los discos Possibilities (2006) y River: The Joni Letters (2007), ambos de Herbie Hancock y ha trabajado, entre otros, con Alphonso Johnson, Jack de Johnette, Kenwood Dennard, George Garzone, Bob Hurst, Angelique Kidjo, Dianne Reeves, Cassandra Wilson, Wayne Shorter, Jeff ‘Tain’ Watts, Charlie Haden, Nathan East, Vinnie Colaiuta, Marcus Miller, Sting, Brian Blade, John Patitucci, Terri Lyne Carrington, Kenny Garrett, Roy Hargrove, Santana y Dennis Chambers. Como líder tiene seis discos, cuatro de los cuales son del sello Blue Note.

El frente y centro del escenario lo compartió con Steve Wilson. Wilson es un músico muy reconocido en el mundo del jazz. Ha participado hasta el momento en más de 150 discos liderados por artistas de la talla de Chick Corea, George Duke, Michael Brecker, Dave Holland, Dianne Reeves, Bill Bruford, Gerald Wilson, Maria Schneider, Joe Henderson, Charlie Byrd, Billy Childs, Karrin Allyson, Don Byron, y Mulgrew Miller. Hasta hoy grabó ocho discos como líder y actualmente está presentando su último álbum con el cuarteto integrado por Bill Stewart, Orrin Evan y Ugonna Okegwo. Anoche tocó saxo alto y soprano y flauta, con un sonido espectacular y aportando al todo con un gusto exquisito. Me encantó también cómo Wilson estuvo durante todo el show disfrutando de cada uno de los acontecimientos musicales con un grado importante de conexión con cada uno de los integrantes. Hubo, particularmente, momentos de diálogo musical con Corea que fueron una maravilla.

Al fondo del escenario, sobre nuestra derecha, estaba Luis Quintero, con tremendo kiosco, como decimos por acá. Quintero nació en Caracas donde desde muy temprana edad se dedicó a la música en forma profesional. Luego se instaló en Nueva York y ha tocado y grabado con una lista impresionante de músicos reconocidos: Celia Cruz y Tito Puente, The Rolling Stones, Vanessa Williams, Paul Simon, Santana, Jack De Johnette, David Sanborn, George Benson, Joe Sample, Bill Cosby, Eddie Palmieri, Marc Anthony, Gloria Estefan, Richard Bona, Ravi Coltrane, Nathalie Cole, Diana Krall, Giovanni Hidalgo, Toshiko Akiyoshi, Spanish Harlem, Willie Colon y muchos otros grandes músicos. Tiene al menos tres álbumes grabados como líder. En el show de anoche Quintero y Gadd se complementaron de maravilla, generando un espíritu general de alegría, de felicidad y dando cátedra de cómo conviven la batería y la percusión sin avasallarse y co-construyendo algo significativo.

Antes de que comenzara el show, le comenté a alguien que los bajistas solían ser inexpresivos, bastante inmóviles, y que algunas veces me dan ganas de sacudirlos un poco. El bajista de la banda, Carlitos del Puerto, me regaló poder escuchar a un bajista que siente con todo su cuerpo la gozadera de música que toca. ¡Tremendo disfrute! Carlitos del Puerto es cubano y ha tocado y grabado con artistas tales como Bruce Springsteen, Quincy Jones, Stevie Wonder y Herbie Hancock, entre muchos otros. Su contribución a la alegría y genialidad de la noche fue, desde mi perspectiva, muy destacada, con un swing impresionante y con un gusto excelente. Habrá que seguir escuchándolo y habrá que buscar más material suyo para conocerlo mejor, porque es excepcional.

Tener a la izquierda a Chick Corea y a la derecha a Steve Gadd fue infartante.

Corea tocó en un piano Yamaha y también en un piano acústico, de cola. Tanto en uno como en el otro lo suyo fue sublime, siempre con esa actitud de disfrute y de liviandad, donde inexplicablemente para la razón, cada intervención fue virtuosa y sencilla a la vez.

Hubo tres aspectos que, si me siguen, me gustaría destacar.

Por un lado, la cantidad de “subdiálogos” entre los músicos, de co-creaciones de a dos en varios momentos del show, y cómo esos subdiálogos agrupados formaban una gran conversación que era perfecta y deliciosa. Para quienes no estuvieron, imagínense a la izquierda a Corea y Wilson dialogando entre sí y a la derecha a del Puerto con Gadd y Quintero en una charla perfecta. Y todo en conjunto formando algo absolutamente grandioso y exquisito para los oídos y el corazón. Así fue toda la noche… algo espectacular.

En segundo lugar, hay un arte de doble cara en esta realidad de las giras internacionales: por un lado, y quizás más obvio, tocar tanto el mismo repertorio les da un dominio y un ensamble impresionante. Pero del otro lado, algo que anoche me resultó muy llamativo: cómo tocando tan seguido el mismo repertorio pueden presentarlo en cada escenario con una frescura tal que parece que fuera la primera vez y divertirse en esa creación como si estuvieran recién descubriendo las composiciones.

En tercer lugar me impactó el gusto exquisito, auténticamente magistral. El show de anoche nos colocó a todos automáticamente en un lugar aristocrático, en un lugar de exclusividad al que quizás no pertenezcamos todos los días de la vida pero que del que anoche pudimos vivir una muestra.

A la derecha y adelante, bellísimamente colocado a la vista de todos, estaba ese gran ídolo de muchos de nosotros: Steve Gadd. Si le preguntás a cualquier baterista experiente cuáles le parecen los mejores cinco bateristas del mundo, hay grandes chances de que todos incluyan a Gadd en su respuesta. Su aporte a la música ha sido tan enorme que es auténticamente imposible resumirlo. Siento que decir cualquier cosa acerca de su música sería una perogrullada. Vengan, impresiónense: hagan click aquí y vean la discografía de Steve Gadd que aparece en su página web.

Abstrayéndonos de toda esa historia incomensurable, lo que anoche impresionó muchísimo fue su contundencia y la profundidad de su toque por un lado, el arte insólito que demuestra tocando con las escobillas, y la genialidad musical a la hora de co-construir con los demás músicos. Algo de todo lo que me impactó fue cómo al final de los solos de los otros músicos él tocaba los compases más maravillosos, justo cuando todos estaban aplaudiendo al solista. Sería fascinante poder extraer todos esos grupos de pocos compases y repetirlos hasta el infinito. Gadd también se apiadó de nuestra desesperación por tener el mayor contacto posible con él y presentó uno de los temas, transmitiendo también el mismo espíritu de comodidad que Chick Corea. ¡Impresiona que se muevan y hablen como seres terrenales! Porque en realidad todos sabemos que ni son de este planeta ni de esta galaxia.

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Foto: Ricardo Gómez

Al final del toque muchos coincidimos en que el show pareció de veinte minutos. Qué corto que se nos hizo, a pesar de haber durado lo normal.

Sobre el final, Corea nos invitó a cantar breves melodías. El 90% de la audiencia eran músicos, así que, gracias al cielo, a pesar de la típica timidez uruguaya, cantamos y creo que se puede decir que cantamos bastante bien.

Este será uno de los shows que comentaremos durante muchos años, cuando nos juntemos con amigos melómanos. Algunos, con orgullo, diremos: “Yo lo vi ¡dos! veces”. Y el otro en la conversación tendrá que detenerse un segundo y evaluar si estamos hablando de Corea o de Gadd. En lo personal, y disculpen la fanfarronería, estaré hablando de los dos.

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Foto: Ricardo Gómez

 

Para ver el álbum completo de fotos, de Ricardo Gómez, hacer CLICK AQUÍ

 

 

 

Joni Mitchell

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Foto: Dan Beach.

 

A través de vericuetos asociativos, hoy volví a escuchar a Joni Mitchell y me está resultando tan pero tan adictiva que intentaré la estrategia de escribir una entrada, a ver si logro soltarla.

Este es el tema que suena por aquí ahora:

 

¡Qué mujer tan especial, por favor! Su música me viene acompañando desde ¡hace 29 años! Y en todo ese tiempo, siempre me ha pasado lo mismo: si hago sonar alguna de sus canciones, luego no puedo parar de escucharla.

Siempre se dice de ella que fue revolucionaria en usar la voz como si fuera un instrumento más. Es cierto, pero asombra con la maestría que lo usa.

 

 

Me quedo pensando que las dificultades que enfrentó en su vida personal solo pueden haber contribuido con toda esa carga emocional que nos llega al escucharla. [Si aún no lo hiciste, te recomiendo ver la documental “Woman of Heart and Mind”.] Aunque no entendiéramos una palabra de sus letras, la emoción que se recibe es gigante, en cada nota que sale de su garganta y en cada nota tocada por ella en la guitarra o en el piano. En una misma canción me llega tristeza, ilusión, esperanza, enojo. Me llega su inocencia y su madurez, su fuerza y su fragilidad, su disposición a los otros y su encierro en sí misma.

¿Cómo será que las notas pueden llevar toda esa información? ¿Será que viene con la vibración del sonido o será que recibimos, de algún modo misterioso, la propia emoción del cantante, atravesando espacio y tiempo?

Pasé recién por Wikipedia a ver su discografía. Su producción es algo bestial. Copio y pego:

Álbumes

Singles

(Wikipedia)

Y fue también ahí que me enteré que la insólita variedad de sonidos está dada por la afinación abierta de la guitarra y no tanto por la complejidad de lo que tocaba. Eso para mí es una sorpresa. Siempre me imaginé que ella generaba acordes y melodías con una libertad bestial. De todos modos sí que lo logró, pero con otro sistema, con afinar la guitarra de maneras diferentes.

En fin… faltaba Joni en este rinconcito atresillado.

 

Xa compartir belleza: Galemire

Tierra llamando a Atresillados… ¿queda alguno por ahí? Me sospecho que no, pero igual hago el intento. Como decía Wayne Dyer: “Nunca nos arrepentimos de lo que hacemos. A menudo nos arrepentimos de lo que no hicimos”.

Hoy ando arrepentida de no haber ido a ver más seguido a Galemire. De hecho lo fui a ver cuando todavía no podía valorarlo en su justa medida… allá por los años 88 – 89 – 90, algo así. Con 18 ó 20 años todavía me faltaba vivir alguna cosita para que resonara en mí su belleza.

Ir a verlo en vivo ya no me es posible, porque tuvo la mala idea de cambiar de plano muy temprano. A pesar de todo, por fortuna, Youtube me permite deleitarme con esta belleza y sentí ganas de compartirla por acá.

 

Un abrazo en forma de

tresillo

Espero que anden muy bien,

Patricia

 

Información infiltrada: taller on-line de Intro a la Meditación

Hola atresilladillos:

Podrán apreciar que hoy pego un salto cuántico en el tópico de mi publicación. La razón es sencilla: estoy promocionando esta belleza de taller on-line y no quiero que ustedes se queden sin saberlo.

Por supuesto esto proviene de uno de mis otros mundos, que ya saben que tengo varios.

Si es que hay alguien del otro lado leyendo: va un abrazo.

Patricia

Introducción a la Meditación (on-line)

 

¿Cuánto te simplificaría hacer el Taller Introducción a la Meditación desde tu casa, en el horario que prefieras?

¿Qué tan valioso sería eso para ti?

¡Tus deseos se acaban de hacer realidad! ¡Sí! ¡Sí!

Y yo estoy súper feliz de poder ofrecer este taller introductorio en forma on-line.

El lanzamiento será el lunes 8 de mayo de 2017

Adquiriendo el Taller de Introducción a la Meditación recibirás:

  • Un primer video explicativo, con recomendaciones generales.
  • Ese mismo día recibirás un segundo video, de 1 hora de duración, con la primera sesión del taller y un archivo PDF con el resumen de la misma.
  • Una vez por semana, durante 4 semanas más, recibirás un nuevo video con una nueva sesión y su correspondiente archivo PDF.
    • Cada sesión incluye:
      • Un ejercicio de relajación
      • Un ejercicio de mayor conocimiento de nuestro cuerpo energético
      • Un ejercicio de meditación
  • Acceso durante 3 meses al grupo de Facebook “Meditadores”, exclusivo para los concurrentes a mis talleres de meditación y a las prácticas de meditación, donde compartir tu experiencia con otros que están recorriendo tu mismo camino.
  • Una sesión individual por Skype, de 30 minutos de duración, en la que podrás preguntarme personalmente cualquier duda que puedas tener.

La dinámica está propuesta como para que tú practiques lo recibido en cada video durante todos los días de la semana, y que al llegar el segundo video, ya tengas el paso previo incorporado.

El precio para obtener acceso al taller completo, incluyendo las 6 horas de video, los PDFs correspondientes, el acceso libre al grupo “Meditadores” y la sesión de 30 minutos de sesión individual por Skype, es

$ 2.000 (pesos uruguayos) o

US$ 70 (dólares americanos)

Como te decía, el lanzamiento es el lunes 8 de mayo de 2017. Y como estoy súper feliz con mi primer lanzamiento on-line, voy a hacerte una propuesta imperdible:

Si adquieres el taller ANTES de esa fecha, o sea, hasta el 7 de mayo de 2017 inclusive, podrás acceder a él por

$ 1.700 (pesos uruguayos) o

US$ 60 (dólares americanos)

Este es el precio que le he puesto teniendo en cuenta que quiero que todos puedan dar este primer paso. El valor de lo que obtienes con este taller es incalculable en verdad.

Párate un segundo a calcular el valor real de lo siguiente:

  1. Incorporar a tu vida diferentes técnicas de relajación y de conexión con el aquí y ahora
  2. Aprender a percibir y reconocer el estado de tu cuerpo interno, de tu cuerpo energético
  3. Reconocer los bloqueos energéticos y eliminarlos
  4. Revitalizar tu cuerpo físico, mental, emocional y energético con una sola herramienta: la respiración
  5. Practicar tres modos diferentes de meditación, que desde el primer día te otorgarán:
  6. Más claridad mental,
  7. Más bienestar emocional,
  8. Más vitalidad,
  9. Un gran entusiasmo por reconquistarte a ti mismo y descubrir nuevas formas de sentirte y vivirte.

Y esto es solo la punta del iceberg, te lo aseguro. Cuando hayan pasado unos pocos días de practicar los ejercicios propuestos, empezarás a experimentar todo tipo de mejoría, que puede incluir una disminución del apetito causado por ansiedad, un deseo de alimentarte mejor, un mejor descanso nocturno, mejor toma de decisiones y un aumento en tu intuición y tu creatividad.

Aquí debajo te dejo dos videos de obsequio. En el primero te cuento acerca del enfoque que tiene el taller (práctico, práctico, práctico) y en el segundo comparto contigo un hermoso descubrimiento y cómo lo estoy aplicando en mi vida y en mis meditaciones.

Pero antes de que vayas a ver estos videos, déjame contarte la logística para adquirir el taller.

  1. Me envías un e-mail a pazenmentecorazonycuerpo@gmail.com o directamente AQUÍ.
  2. Te respondo con las formas de pago posibles.
  3. Luego de la confirmación del mismo, y a partir del 8 de mayo, recibirás en tu e-mail todo el material, con separación de una semana cada vez.
  4. Si lo deseas y en el momento que tú lo desees (dentro de las 5 semanas de duración del taller), coordinamos un encuentro por Skype para evacuar todas tus dudas directamente conmigo.

No te preocupes si vives fuera de Montevideo o inclusive fuera de Uruguay, pues igual puedes adquirir el taller. Justamente lo que más me fascina de este proyecto es saber que les estoy dando una solución a todas esas personas que viven lejos, o que tienen horarios diferentes, o que prefieren estar más tiempo en sus hogares por razones varias.

Ahora sí, te dejo los dos videos.

Con mucho amor,

Patricia Schiavone

Hoy es 25 de abril de 2017

Soleo de Ximo Tébar

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Ximo Tébar Soleo. Foto tomada de ximotebar.net

Hacía meses que este CD estaba esperando que yo tuviese el tiempo para escucharlo como sospechaba que se lo merecía. Cuando un disco físico llega a mis manos me gusta dedicarle mi atención y escucharlo verdaderamente, como una unidad indivisible. Soleo por suerte me tuvo la paciencia necesaria y hoy, finalmente, nos encontramos en ese espacio sonidos-oreja-alma que sigue resultándome mágico.

A Soleo lo crearon Ximo Tébar (guitarra y voz), Orrin Evans (piano), John Benítez (bajos), Donald Edwards (batería) e invitados (Santi Navalón, Ramón Cardo,Ricardo Belda, Claudia Tébar y Fernando García). Toda su música está compuesta por Ximo Tébar, excepto el tema Nardis, por supuesto de Miles.

Gracias al amigo Pepe, Ximo y su estilo no me es del todo desconocido, pero Soleo me llevó a lugares nuevos, disfrutables al máximo. Les contaré un poco, con la esperanza de que si alguno de ustedes también lo escuchó, comparta a su vez conmigo lo que sienta compartible. Según mi punto de vista, así se disfruta más.

El disco abre con el tema “Jaco Opus Town” (tributo a Jaco Pastorius). Esta me resultó una puerta de recepción a Soleo animada y cuidada. Para mi disfrute, arranca con la batería, siguen unos unísonos instrumentales a los que de inmediato se suma la voz. Amo los unísonos entre los instrumentos y amo los unísonos de instrumento(s) y voz. Se genera algo especial en mí cuando los escucho. ¿Será que las células se alinean vibratoriamente con ese conjunto sonoro? Sospecho que hay algo de eso. Al ánimo alegre lo acompaña la buena nueva de que los volúmenes están preciosamente balanceados y es posible escuchar cada instrumento de la mejor manera durante todo el disco. Agradecí que el tributo fuera en este ánimo de alegría. Todos amamos la música de Jaco y es bueno poder recordarlo con una sonrisa respetuosa en el corazón.

El segundo tema es “Soleo”. La guitarra transmite una dulzura impresionante y una profundidad especial, pero no nostálgica sino fresca y juguetona. Es un tema que me puso en un lugar emocional bonito, en un lugar tranquilo pero curioso. Hay un solo de piano lindísimo y las voces tienen un papel especial. Este tema tiene la peculiaridad de que los instrumentos tocan bastante rápido y sin embargo el sentimiento general es de calma y parsimonia, que me parece que es generado por las voces y el fraseo de los instrumentos.

“Luna llena”es un tema instrospectivo, con aire de bossa nova, con aroma a noche de verano. Lo sentí un poco diferente en carácter a todos los otros temas. Quizás el ingrediente faltante sea la alegría. Lo que me llegó a mí con estos sonidos fue una sensación de aplomo, de aceptación madura. ¿De la vida? Quizás.

Sigue una versión muy interesante de “Nardis” al estilo “son mediterráneo”. Tiene esa impronta vívida y alegre de Ximo, con elementos del jazz y del flamenco por igual. Por momentos una se traslada a los años 50 y 60 en Estados Unidos y por momentos se nos representa una bailaora de flamenco. Un homenaje a Miles Davis siempre es bienvenido y nos hace sentir en terreno familiar. Bueno, en este caso es un terreno familiar y completamente nuevo a la vez, que a mí me resultó una aventura atrapante.

“Soliloquio” está dedicada a la memoria de George Duke. Yo destaco la dulzura y el cariño de todos los sonidos de Soliloquio. Además de la guitarra, me llamó mucho la atención la batería, pues parece acariciada. Marca perfectamente el pulso y hasta con decisión, pero a pesar de ser con palos y no escobillas, Edwards logra que quienes estamos de este otro lado del disco nos sintamos acariciados… surge mucho amor de ese instrumento percutivo.

En “Tarantza”se introduce el saxo (de Ramón Cardo) y elementos musicales que recibo como árabes. Es aquí donde observo que mi cuerpo nunca escuchó algo parecido y se me genera toda la curiosidad de escuchar más por este lado. Me gusta mucho esta composición y cada uno de los instrumentos forma un todo muy bello. Hay un alto dinámico por el minuto 8 y un retomar interesantísimo, que creo que es digno de experimentar como oyentes.

El último tema es “Son Mediterráneo”. Cuenta con la participación de Ricardo Belda en el piano, que es el que nos regala las notas iniciales: una invitación a abrir el corazón, a entregarnos a la experiencia sonora, que supe aceptar sin titubeos. Luego piano y guitarra se entrelazan con muy buen gusto, sin apresuramiento, sin urgencia, con certezas que se sienten muy bien. Después de esta introducción hermosa, el tema se sigue desarrollando, incorporando todos los elementos que se percibieron antes en cada tema del disco y es un verdadero gozo permitirles a estos sonidos que se apoderen de una.

Cada tema de “Soleo” tiene su peculiaridad que lo hace una contribución importante a la obra entera, que me parece un disco con enorme buen gusto, con mucho cuidado y cariño; con una combinación hermosa de dulzura, alegría y belleza.

Da la impresión de que quienes participaron en Soleo pusieron mucho más que su virtuosismo musical. Es un disco que transmite amor y respeto hacia la música y hacia la audiencia.

Desde este rinconcito escondido en Uruguay me gustaría darle las gracias a Ximo Tébar por haber creado este disco que me ha parecido un regalo hermoso.

 

“Simpler Times” CD, by Chester Thompson Trio

Today I felt this urge to let all of you know about this record because I absolutely loved it from A to Z. So, here I am. Hopefully you’ll follow my advice, purchase the CD, and tell me whether you agree with me or not. I wholeheartedly promise you will thank me!

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“Love is the only force capable of transforming enemy into friend”, says a graffiti on the wall next to the musicians in one of the CD pictures (see below). While listening to this piece of art, the feeling one gets imbued with is clearly love, universal love. This is probably the utmost contribution a group of musicians can make to humanity.

 

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This wonderful record has a wonderful-feeling name: “Simpler Times”. How does that feel to you? Yeah, I thought so.

The first two songs were written by pianist Joe Davidian. When playing first track “Elation”, one would easily think the trio is Brazilian. Learning Chester Thompson’s favorite rhythm is samba came as a big surprise to me. Well, this track sounds so Brazilian that it amazes to know musicians are from the U.S.! This song makes life seem easy, simpler than it really is, probably happier too. From this very first moment, something that called my attention was how the three members of the trio, being of different ages, can blend so masterfully. In fact, I think Thompson plays as if he were twenty years younger and the pianist and bass player sound much more mature musicians than their age would suggest. The three of them are virtuosos but their mastery of music and instruments are undoubtedly put at the service of music in this record. If you have read the interview I published some months ago, you’ll probably have the same perception I had: that the three of them are really, really listening as if they were in the audience. There is no hint of ego anywhere and the general feeling is of collective joy and collective creation. I guess that’s the reason why when I listen to this record I feel universal love emerging in me.

The co-creation among the three musicians in track number two, “You Are Sid” is so, so great! You have to listen to it! There is no way you miss having this experience if you are a music lover. This song is mostly jazzy, but it also has some hints of Brazilian feeling in it, probably given by the place where stress of phrases is. Its rhythm is jazz, though, and at this point one feels grateful for the trio formation. All notes are clearly heard and one can actually enjoy the three so distinct and so complementary sounds. How they co-create what happens here is out of this world, really.

“Joy Waltz” is a jubilant song by bass player Michael Rinne. Again, the three musicians make a wonderful piece together. There are great solos of the piano and the bass which are really enjoyable. I was elated by the choices of Chester Thompson when accompanying both the bass and the piano solos and by the magic he does with his cymbals. He plays them extremely lovingly, softly, yet so well defined. At times he chose to repeat what the bass was saying, sometimes he is highlighting one only note, creating a very distinct feeling, sometimes he fully underlines what is being said by the other two, but everything is done with such respect for music as a whole that the final result is remarkable. The bass sounds much more mature than it is logical to expect, with a superb feeling and sound, and the notes in the piano have a very crystalline quality, super well defined and beautiful.

Track 4 is beloved song “Naima” (by Coltrane). Kirk Whalum’s participation is most important in this track, which takes you to simpler times very easily. While listening to it, images of calm moments of my life kept coming. For example, one special afternoon that I spent reading a book about Kind of Blue at some wonderful flat facing the river. That afternoon I felt so much like time travelling to 1959. Well, this version of Naima took me in that same direction. I loved it, loved it, loved it. Again, his cymbals!!! Thompson transmits something very, very special through cymbals. There is something very lively with his hi-hat, and something really, really sweet in his playing of the other cymbals. His grooving is magical and the last sustained note by the bass and the sax is definitely a brilliant ending for this masterpiece.

Well, then comes “Desafinado”. How on Earth did they get the idea of changing its metric? That was such fantastic creative choice. Arrangement of this track is credited to Michael Rinne, so I take my hat off to his choices. This version sounds much more alive, much more interesting than the many versions I’ve heard of this song before. In my opinion, this trio really nailed it with this version. Again, Thompson’s co-creation of the bass solo is amazing, with so much gentleness and so lively, so musical… I fell in love with this version of this song. And the piano sounds so Tom Jobim here! This is a really great version.

“A Remark You Made” (by Zawinul) is a song that makes me so nostalgic of the early times when I first listened to Weather Report. It’s one of those songs that I’ve made mine, somehow. The piano in it is an absolute delight. The hi-hat in this song is a thrill. Due to my love for drums, I often linger my ear in the percussion section of tracks. By doing so in this one, I got a blissful sense of freedom when focusing on the hi-hat sounds. Another marvel is the double bass sound when played with the arch. And the bass keeps surprising me with its experienced sound and feeling.

“Better Get it in Your Soul”‘s version is so enjoyable. In Charles Mingus’ original version, to my taste, notes are a little too dense… like bumping into each other, or accumulated in a somehow disorderly way. However, in this Chester Thompson Trio’s version everything is clearly heard and savoring it is easy, wonderful. This is such an uplifting track! The double bass contribution is really fantastic here and the joy in the drumming is heart-warming. The piano in this track called my attention for its double quality of rhythm and melody so well unified, at the time that it creates a different, new atmosphere that feels so, so good. This is a track which had everything to become aggressive, yet it is sweet and happy.

“Serenity”, by Joe Davidian, drives us again to Brazil. I don’t know what relationship Davidian and Rinne may have with Brazil, but they seem to have listened to a lot of Brazilian music and they certainly took lots of it in with mastery. Although it is a calmer track, it is still joyful and uplifting. Those two are probably the better defining adjectives for this record. The ending notes are again a delight!

“Simpler Times”, by Rinne, should be the trio’s hit. Groovy, lively, an invitation to dance. If I loved the hi-hat in other tracks, the snare and toms fully hooked me in this one, and the whole co-creation among the three musicians. This is a song that is found live in Youtube. Go for it but there is no possible comparison of sounds with the CD. This CD is a treat worth having on our shelves.

The version of Cole Porter’s “So in Love” surprised me in the same way as Desafinado did. It’s super good. I loved the bass attitude and attack in this song. It’s as if the bass became especially lively in this song. Music becomes a perfect mix of jazz and Brazilian music, which ends up being a real delight. In this track I felt the need to bow at Chester Thompson’s amazing drumming experience, which transpires in this kind of musical gem.

“New Life”‘s calmer quality is greatly received after the increase in excitement of the previous tracks. This is a track where kindness and sweetness emerge in a very special way. It feels soothing and warm. I welcome it with much gratefulness. I ended up dancing with it. I think that’s the best thing a song can cause: the will to move, to dance, to accompany it somehow.

“Single Source” is the last track and one of the most uplifting ones from this beautiful record. When it finishes, you want to play the CD again!! This song in particular sounds amazingly young and mature at the same time. I think the mixture of ages and experiences shows here in a very special way. Sounds from this track reach several different memories and mechanisms inside… as if several worlds would suddenly become together. I cannot explain it better than that, but it’s a weird and very nice feeling.

What a wonderful CD “Simpler Times” is. I’m so very grateful to have become curious enough to really listen to it. I encourage you to do the same. Let me help you with the links where you can find it either for purchasing its digital version or its physical one:

CD Baby: http://www.cdbaby.com/cd/chesterthompsontrio2

Amazon: https://www.amazon.com/Simpler-Times-Chester-Thompson-Trio/dp/B0176Q47SQ/ref=sr_1_1?ie=UTF8&qid=1477273227&sr=8-1&keywords=simpler+times+chester+thompson+trio

A final note: Joe Davidian grew up in Vermont. He started studying classical music, then was introduced into jazz by his father. He’s been a teacher since he was very young and he is a professor at Belmont University, in Nashville, TN. Michael Rinne was born in Arkansas, but currently lives in Nashville, too. Both Davidian and Rinne have recorded with several well-known artists and toured nationally and internationally. Chester Thompson’s impressive music career includes his collaboration with Frank Zappa, Weather Report, Genesis, Phil Collins and a very long list of other musicians he has played and recorded with (I was really surprised when I learned–from Hugo Fattoruso–he had even recorded with Hermeto Pascoal). He currently teaches drums at Belmont University. He is widely known by his versatility to play all styles of music. I would like to add that his creativity, independence and how he surprises us with his choices when playing is something really amazing.

PS: Spanish version of this review will be coming as soon as possible. This one naturally came up in English first.

Manu Katché presentó “Unstatic” en Montevideo

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Foto: Ricardo Gómez

 

El cuerpo entero sigue vibrando por más que hace ya un buen rato que terminó el conciertazo alucinante que tuvimos la suerte de poder presenciar hoy de noche en la Sala Zitarrosa. ¡Qué experiencia fantástica!

Ya cuando iba llegando a la sala sentía ese asunto inexplicable que anticipa un toque memorable. Por un lado, el corazón va más acelerado y por otro, se percibe como algo en el aire. La sensación aumentaba a medida que se acercaba el comienzo y para cuando las luces se apagaron, a mí me daba la impresión de que algo verdaderamente grande iba a suceder. Se respiraba; se percibía. No me equivoqué.

La música comenzó con Nino Restuccia (contrabajo) y Marcos Caula (guitarra) tocando tres temas bellos, calmos, que llegaban profundo y que hicieron un gran papel en ayudar a centrarnos y dejarnos completamente abiertos y receptivos a lo que vendría después. Vaya desafío que es comenzar un toque con un contrabajo. Estos dos músicos uruguayos tocaron tres temas con una gran delicadeza y musicalidad. Fue particularmente hermoso y dulce, sin prisas, sin nervios, con mucho disfrute y presencia. Quien haya elegido a estos teloneros, tuvo una excelente idea.

Luego de un impasse que volvió a elevar un poco el nivel adrenalínico, comenzó a sonar una base alegre, rítmica, y emergieron en el escenario y fueron poniéndose en sus puestos: Tore Brunborg (saxo), Luca Aquino (trompeta), Ellen Andrea Wang (contrabajo) y Jim Watson (piano y teclados). Unos segundos después entró el Maestro Manu Katché… Y comenzó la diversión con la contundencia y certeza personificadas en este baterista grosso.

El primer tema fue lo más groovy que pueda imaginarse, con los dos vientos sonando a pleno, el bajo con toda la polenta, el piano alucinante. Y la batería. A ver… ¿por dónde empezamos?

Empecemos por la sonrisa de Manu Katché. ¡Estaba feliz!!!! Y nos contagió a todos la felicidad increíble que traía encima. Desde la fila 19 me sorprendió cuán atrás agarra sus palos y cómo estos se ven como extensiones flexibles de sus brazos y manos. Ciertamente es de los bateristas que usan la gravedad a su favor y es un deleite ver esos palos ondear en el aire.

No habían pasado más que unos compases y ya se sabía que sería un toque para bailarlo de principio a fin. Si bien no podíamos hacerlo con los pies, sí que lo hicimos con el corazón.

En el segundo tema me fascinó cómo dejó sonar las notas ese segundo extra tan pero tan bienvenido desde la butaca. A esta altura parecía que la batería estaba un poquitín más fuerte que los demás instrumentos, cosa que a algunos nos asustó, pero ya para el tema siguiente los volúmenes quedaron divinamente amalgamados y el show sería una lección de musicalidad para todos.

El toque de Manu Katché es juguetón, atrevido, impulsivo, enérgico, alegre, increíblemente vital y completamente vibrante. Para quienes investigamos un poco en las elecciones de apoyos: los crashes y apoyos varios tendieron a ser o bien en un tiempo 3, o en un “4y”, etc… con lo cual estábamos todos expectantes, alertas, bien despiertos… gozados. Pero lejos de tocar todo “al palo”, Manu dio cátedra de matices: el bombo súper definido y por momentos a un volumen hermosamente alto, por momentos su toque fue increíblemente “chiquito”, incluyendo unos bombos a una velocidad increíble y a un volumen casi de caricia… y cada tanto un latigazo divertido, estimulante, impactante.

Lo que tocó con las escobillas es un caso aparte. La cosa más creativa que se puedan imaginar, lo más dulce y lo más sensible del mundo. Es bien interesante cómo su toque con las escobillas también es tremendamente vibrante y enérgico, y dulce a la vez.

Me encantó cómo en alguna balada, que en principio uno esperaría que el baterista “haga molde”, Manu se divertía metiendo asuntos inesperados pero que resultaban completamente musicales, como ser un montón de notas juglarescas en el charleston, o un par de notas en los toms (¿a tierra? Jajá, ¡jamás!). Qué deleite de toque. Un verdadero placer musical, donde la batería tenía una libertad que pocas veces tiene. Evidentemente esas son las bondades de que el baterista sea el líder de la banda y ¡bien que se lo merece este monstruo! Y cómo se le agradece que se dé estos gustos… porque somos muchos los que disfrutamos como locos de su diversión.

Pero no quiero pecar en algo: si bien mi foco indefectiblemente se va hacia la batería, y hoy en particular más que otras veces, quienes estuvimos hoy en la Zitarrosa podemos coincidir plenamente en dos cosas: por un lado, que fue un toque enormemente musical, donde todos los músicos tuvieron un protagonismo importante. Por otro, que el nivel musical de todos ellos es enorme y que fue una hermosura total lo que tocó cada uno. Cada uno tuvo sus momentos de protagonismo y creo que hablo por todos cuando digo que uno no podía aplaudir a ninguno luego de un solo pues no se quería perder ni una nota de lo que seguía después. De todos modos hubo algún momento en que era imposible no estallar en aplausos, pero la mayoría de la noche aplaudimos solo al final de los temas.

Creo que lo que marcó el perfil de la noche íntegra fue la gran presencia de cada músico y su instrumento, la enorme confianza de cada uno de ellos, y las muchas horas de ensayo que estos músicos seguramente tienen juntos y que se traducen en esta comodidad y diversión total.

Cada uno de los músicos nos regaló una enorme dulzura, una claridad cristalina en el sonido de sus instrumentos, una musicalidad arrolladora y una actitud maravillosa de entrega y respeto, tanto por su creación como por la instancia que estábamos compartiendo. Fue un enorme regalo el que nos hicieron esta noche con el sonido hermoso del saxo, de la trompeta, el bajo y el piano.

La música fue tan atrapante durante toda la noche que por más que parezca extraño, ni siquiera esperaba un solo de batería. Los otros músicos sí habían hecho ya sus propios solos (por cierto, muy, muy bellos todos) pero la bata no, y sin embargo no era algo que yo estuviera esperando. Pero no les voy a mentir… cuando al segundo bis se apagaron todas las otras luces y quedó Manu Katché bajo los focos plateados, el corazón arrancó a galopar. Tocó un solo muy, muy hermoso, que fue un divino remate.

Nadie quería dejarlo ir… pero, bueno, dijo que le gustaría volver en un par de años. Ojalá así sea.

 

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