Mateo x 6, o por siete

Hay conciertos que despiertan toda la verborragia y hay otros que te dejan tartamudeando impresiones fuertes.

Mi primer resumen de lo vivido es así:

  • Respetuoso, cuidado, elegante, solemne.
  • Maduro y humilde.
  • Natural y orgánico.
  • Dulce, sentido, cómodo.

En la celebración de los 25 años de Mateo x 6, en el Auditorio Nacional del Sodre, el martes 29 de mayo de 2018, la esencia de Eduardo Mateo estuvo presente en el escenario, y de a ratos también sentado entre las butacas, seguramente agradecido, admirado y emocionado por la dedicación, los arreglos hermosos y la fidelidad, musical y humana.

Hay teorías que dicen que el tiempo no es lineal como creemos, sino circular. Que pasado, presente y futuro conviven simultáneamente y que solo es nuestra percepción la que es lineal. Buda, por su lado, dijo que lo que alguna vez existió no puede dejar de existir, sino que pasa a formar parte del todo. Que no lo podamos percibir es apenas un tema de limitaciones. En las dos horas del concierto, sin embargo, las capacidades humanas se expandieron y fue muy evidente la convivencia en tiempo-espacio de Mateo, estos seis músicos y el público.

Hace mucho tiempo que entro a los conciertos como a un templo pero no hace tanto que comprendí por qué. La conexión que les sucede a algunos músicos con su propio espíritu tiene un efecto bellísimo y poderoso sobre los que escuchamos. Se da esa comunicación entre lo terrenal y divino en el músico, entre todos ellos, y en nosotros que estamos resonando. En Mateo x 6 pasó todo eso y además estuvo presente esa conexión con este ser tan excepcional llamado Eduardo Mateo, que para este país significa nada más ni nada menos que una de nuestras identidades musicales.

Como sabemos, Mateo x 6 son:

Ney Peraza – guitarra y voz

Alberto “Mandrake” Wolf – guitarra y voz

Jorge Schellemberg – guitarra y voz

Popo Romano – bajo, guitarra y voz

Edú “Pitufo” Lombardo – percusión, guitarra y voz

Martín Ibarburu – batería

Todo el toque fue un placer, con un sinfín de detalles especiales. Compartiré algunos, pero sepan que hubo muchos más.

La noche abrió con “Canción para Renacer”. Me enamoró por completo la dulzura de la voz de Mandrake. Él suele usar una postura más rebeldona, que también tiene su atractivo, pero anoche lo sentí diferente, más cercano que nunca, esparciendo abundante amor y tocando desde un lugar de enorme respeto y cariño.

En esta primera canción, Pitufo generaba el sentimiento de anclaje a la Tierra y Martín aportaba el aire. Eso para mí fue llamativo, porque esos roles suelen estar al revés, y sentí cómo el efecto celular de esa combinación particular fue novedoso y muy agradable.

Las últimas notas de esta primera canción fueron del bajo. Pero no hay caso; el público no ha aprendido a darle el lugar al bajo. Ese final tan sentido se perdió entre un aplauso efusivo que yo hubiese querido “mutear” por unos segundos. Permítanme decirles que el mejor aplauso, siempre, siempre, es el que se ofrece esperando que se haya extinguido la última nota.

Las tres guitarras tocando juntas tienen un efecto muy expansivo, de plenitud en todo sentido. Asombran la cantidad de arreglos diferentes. La alternancia de acordes entre unos y otros, la rotación del protagonismo melódico, el manejo genial de los volúmenes y la habilidad increíble para que, entre tantas, no haya una sola nota redundante.

También me llamó muchísimo la atención, durante todo el toque, que cada uno de los seis se puso al hombro por igual la responsabilidad rítmica y melódica de la banda. El resultado fue algo exquisito, que desde la dulzura y cariños extremos, con volúmenes muy medidos y cuidadosos, resulta con un nivel de fuerza y poder de aplanadora. Fue muy bueno vivir en la piel esa aparente contradicción entre algo delicado y suave que a la vez te atraviesa y desarma.

Otro punto a destacar es cómo podían cantar hasta cuatro, y a veces cinco, voces a la vez con la mejor regulación de los volúmenes, la coordinación perfecta de tiempos, el fraseo, la intención, la proyección, absolutamente todo amalgamado. El rol del sonidista evidentemente también estuvo muy bien desempeñado por Daniel Canoura.

Hubo temas como “Lalá” en el que la excelencia musical de todos se pudo apreciar multiplicada: la voz de Jorge, que me llega tan profundo, con esa mezcla de graves y agudos tan especial, que se siente como “estar en casa”. Hacía tiempo que no lo escuchaba y el rencuentro con su voz fue hermoso. Noté que la siento parte de mi historia. Me emocionó especialmente cuando cantó al unísono con la guitarra de Popo y en otros momentos con el bajo… en esas combinaciones sucedía gran magia. También siento que a través de Jorge el candombe es, sin vueltas, feliz.

El aporte de Popo fue de alquilar balcones. Principalmente tocó el bajo pero también la guitarra en varios momentos. Con ambos instrumentos aportó esa dulzura sensible que evidentemente era parte de Mateo también. Su base rítmica hecha principalmente de melodía me conmovió muchísimo. Y la combinación musical de esa melodía rítmica con las guitarras y la percusión para mí fue una obra maestra en sí misma.

Hablando de ritmo, el manejo rítmico de Ney Peraza en la guitarra es atrapante. El despliegue creativo de esa mano derecha… ¡no hay palabras que puedan describirlo! Y siempre por dentro de la música y en consonancia perfecta con los demás instrumentos, dialogando con guitarras, voces, bajo, percusión y batería. Las canciones cantadas por él también se sintieron muy especialmente emotivas. Me animo a aventurar que en esos momentos, como en “Voz de Diamantes” o en “El Tartamudo”, Mateo estaba parado a su lado, quizás pasándole un brazo por el hombro. Su canto llegó derecho al corazón, sorteando a la mente, al ego, y a todo lo que pudiera interponerse.

Mandrake, Pitufo y Martín le pusieron a buena parte del toque un ingrediente más liviano, que podríamos decir de diversión.

En “Espíritu Burlón” Mandrake nos regaló toda su genialidad expresiva e histrionismo fascinante. A Popo le agradecimos los slaps maravillosos. Martín tocó un patrón candombero de los suyos con perfecta consistencia y una homogeneidad insólita durante todo el tema. Aquí todo se multiplicó: el ritmo, las capas de voces, la intensidad… y las ganas de bailar.

Pitufo lleva la música puesta en su cuerpo y tanto con la guitarra como cantando, o con la percusión, es un manantial de ideas no predecibles y riquísimas, que a mí me llegan como una combinación de alegría de estar vivo y gran diversión por un lado y por otro, la inmensa seriedad y responsabilidad musical. O sea, la receta perfecta para un show profesional y creativo. Nos cautivó con su versión unipersonal y archiexpresiva de “Los Yuyitos”.

Uno de los hitos de la noche para mí fue “La Mama Vieja” a percusión y bajo únicamente. Por contar apenas un detalle, cualquier otro percusionista habría abusado del crash, ya que era el sonido más agudo de su set y el que más resaltaba junto al bajo. Pitufo lo administró a la perfección. Creo que lo tocó en cuatro momentos apenas. Fue una mama vieja tan candombera como rockera y maravillosa. Y déjenme contarles algo que sé que será difícil imaginar sin haberlo escuchado ahí: tanto uno como el otro dio cátedra de cómo manejar los silencios para lograr la emoción más profunda.

Martín es Martín… si él toca la batería, el show es excelente, conmovedor y con un nivel aumentado. Porque la música lo atraviesa como la estela de una varita mágica y él tiene siempre ese detalle sonoro que marca la diferencia. Que su llevada con la mano derecha en la chancha, o sus grooves “martinísticos”, candomberos, con un toque rockero por aquí, popero por allá, el detalle disco, y el otro folclórico. Y una auténtica maestría, aquí compartida con Pitufo, en la convivencia sonora, respetuosa y significativa, entre la bata y la percusión. Debe de ser el único baterista uruguayo, y quizás de un área mucho mayor del planeta, que no se equivoca y que jamás se emociona metiendo un palo de más… ni de menos. Mi eterna reverencia ante su maestría musical que a mi gusto en este toque llegó a su cúspide con ese tema que tocaron chiquito, chiquito… terminando casi en susurro y que solo un master de ese instrumento puede lograr de esa manera.

Es seguro que estoy olvidando algún detalle memorable pero como mencioné antes, este toque me entró directo a un espacio sensorial no tan conectado con la mente y sí mucho con el corazón.

Ah, sí, quería contarles también que los seis cerraron el concierto con “Cuerpo y Alma”, ese mantra que te agarra y no te suelta, y trabaja en ti mientras se sigue repitiendo muchas horas después de terminado el concierto.

Reseña escrita por Patricia para COOLTIVARTE, donde también pueden ver las fotos sacadas por Ivonne Morales.

“Nadie sabe lo que va a pasar” – Dany López

La invitación hoy es a detenernos juntos en la canción “Nadie sabe lo que va a pasar” de Dany López. Cuando digo “juntos”, digo: ustedes, el autor de la canción y yo. Espero que se enganchen tanto como yo. Y si pueden, sacúdanse esa timidez y comenten abajo. Si son amables, todo comentario es bienvenido.

Antes de que arranquemos el tren, sugiero darle click a la canción, para que todos sintonicemos la misma frecuencia.

 

¿Cuál es la primera sensación que les genera? ¿Y la segunda? Sería ideal que se lo preguntaran antes de seguir leyendo.

Ahora les voy a contar mi viaje de escucha y luego lo más preciado: la mirada del autor. Si se aburren con mi viaje, lo bueno de un texto escrito es que se pueden saltar líneas. 😉

En mi caso cuando escucho por primera vez una canción casi nunca entiendo el mensaje global de la letra. Oigo quizás combinaciones de palabras que me llaman la atención pero solo leyendo la letra logro hincarle cerebro al mensaje de la palabra. El acercamiento que me resulta natural es prestarle atención más que nada a cómo me hace sentir y luego empezar a desmenuzar los elementos sonoros que me lo generan.

Con esta canción lo primero que siento es una combinación bastante balanceada de alegría e introspección. Es como si tuviera el potencial para desbocar el sentimiento de alegría pero aparecieran elementos que te la contienen, con algún matiz de tristeza, y con otros tintes de aceptación y despreocupación.

El siguiente nivel de escucha al que fui es la voz de Dany y la batería juntos. Es como si en esta instancia fueran una unidad indivisible. Y ahí empiezo a comprender un poco más cómo es que me genera todo eso.

La voz de Dany tiene en sí esa misma mezcla de emociones: dulzura e introspección por un lado, optimismo y liviandad por otro. O será mi interpretación, que ya sabemos que es lo único con lo que contamos los seres humanos.

Todas las voces son particulares, claro, en su timbre, en todas sus características, pero la de Dany a mí me impacta especialmente. Me paré a tratar de comprender un poco más su efecto y lo que vi fue que por un lado me llega como con un deseo de comunicación muy honesto, muy directo, como si no estuviera midiendo ni retaceando nada. También recibo inexistencia de miedo y eso me resulta sanador… como si por lo que dura la canción yo pudiera deshacerme del miedo también. En cuanto al sonido en sí, es muy, muy cercano y agradable, es entrañable, es dulce y sincero. Tiene una cualidad amorosa hacia todo: hacia la canción, hacia él mismo, y de algún modo hacia la vida toda. Es como si en una nota se condensara la existencia humana. Sé que suena exagerado pero realmente lo siento así y me emociona.

El mismo doble efecto de disfrute y profundidad introspectiva me llega desde la batería con tres elementos sonoros.

Primeramente, hay un impacto directo al centro del pecho con la apertura de los platos del charleston. Aquí ese sonido es maravilloso porque cumple dos funciones. Por un lado, te moviliza nada más ni nada menos que el centro del pecho, te abre a sentir, casi que a la fuerza. Por otro lado te genera a la perfección esa sensación de algo “que pasa”… casi como si uno estuviera sentado en una ventanilla de un coche o tren atravesando el campo uruguayo y viera pasar un árbol, un poste, una vaca, una casa. Me resulta fascinante que eso lo logra con dos platillos que se abren, disimulando el golpe del palillo que ni se adivina, con un efecto similar al de las escobillas pero mucho más brillante y decidido. Si hubiesen sido escobillas, pasaba a tener un tinte completamente introspectivo y con mucha menos vitalidad. Y, no puedo obviarlo, esos palos que sí se sienten en algunas subdivisiones aquí y allí en el HH me maravillan… le ponen un toque de polvo mágico, a lo Campanita de Peter Pan, que conjuga perfecto con la ternura de la voz de Dany.

En segundo lugar, cada golpe del palo en el redoblante tiene, fíjense, ¡la mismísima intención sonora que la voz de Dany! Sospecho que comparten armónicos porque la semejanza es enorme. Además, esos golpes en el tambor son grandes responsables de la sensación de alegría y vitalidad. Ese “backbeat” de Ibarburu es buen responsable de mi fascinación por muchísimos temas. Tiene un efecto sensorial muy específico e identificable.

En tercer lugar, el gran toque introspectivo lo recibo del sonido del bombo. Ese sonido -mezcla perfecta de grave y agudo- me conecta hacia adentro.

A esta altura, me abro a los demás sonidos de la canción.

El bajo de Gerardo Alonso le da contundencia de principio a fin y, por ejemplo, acompaña genialmente esas aperturas del HH. Pero al escucharlo más detenidamente descubro que el bajo tiene la misma textura sonora del bombo de la batería y me genera una clara excitación, en algunos momentos por el groove y en otros también por el sonido. Y me cuelgo con algo: noto que es el bajo el que me genera un anclaje a la tierra… ¿será gran responsabilidad del bajo que mi alegría no se desboque y se vuelva insoportable? Por momentos creo que sí pero hay otros en los que es lo opuesto: por ejemplo cuando quedan solo el bajo y la voz, el bajo es el que me sigue empujando hacia una zona exaltada.

Entonces voy a prestarle atención a las guitarras. No soy capaz de identificar claramente qué guitarra es la de quién a excepción de algunas notas que tienen un nombre y apellido clarísimo: Palito Elissalde. Y entonces creo sentir su impronta de energía poderosa atravesando toda la canción. Identifico “momentos Elissalde” que en esta escucha a nivel micro me dejan con las ganas de más, pero que en la escucha a nivel macro queda claro que están en la medida justa.

Como paso siguiente busco las voces femeninas, que las encuentro aparentemente muy sutiles, aunque sabemos que esas sutilezas pueden ser definitivas a la hora del efecto final. [Un paréntesis: ¿Vieron la peli “Twenty Feet from Stardom”? Si no, tienen que.] El efecto del teclado es de alguna manera similar al de las voces: para notarlo tengo que poner empeño y una vez que lo descubro digo: “Fa, ¡cómo aporta!”

En fin… todo eso sucedió conmigo antes de saber genuinamente de qué iba la letra. Aquí la comparto:

Pasa algo mientras prendo el fuego
pasan cosas que no sé explicar
pasatiempos de un duende noruego
fin de año y viene Navidad

Pasa un tren y te corta el aliento
pasó el día ni cuenta te das
todo cambia mientras va pasando
nadie sabe lo que va a pasar

Pasa un árbol y allá viene un perro
oigo un tango saliendo de un bar
pasamanos y pasamontañas
pasaplatos y publicidad

Mientras cambias algo va pasando
lo que fue ya nunca más será
pestañás y lo perdés de nuevo
otro tren ya volverá a pasar

Pasa algo que detiene el tiempo
pasa algo que lo pone a andar
las agujas van blanqueando el pelo
mi tatuaje biomolecular
el reloj se anuncia en el espejo
y el espejo también cambiará

Algo raro debe andar pasando
si no algo raro pasará 
todo cambia mientras va pasando
solo es cierto que habrá novedad

Nadie sabe lo que va a pasar

Del CD Acuario – del año 2007

Músicos:

Batería: Martín Ibarburu
Bajo: Gerardo Alonso
Guitarras eléctricas y acústica: Palito Elissalde
Percusión, guitarra eléctrica: César Lamschtein
Teclados, programaciones y voz: Dany López
Voz: Carmen Pi, Inés Saavedra y María José Bentancur
Guitarra acústica y voz: Dany López
Ingeniero de sonido: César Lamschtein

 

Letra hermosa, ¿eh? Pero no me voy a detener en ella, no por falta de interés, porque verdaderamente me colgué con esta letra mucho más que con otras, sino porque prefiero ahora darle paso a las impresiones de Dany López acerca de su canción.

 

Filosóficamente y del modo que vivo la vida, veo la cosa bastante así. No tengo un librito que me explique el universo. Me desapego de querer comprender el misterio y me entrego bastante a eso. Trato de vivir una vida con una ética que se corresponda con esa forma de ver las cosas.

Hay varios libritos de esos por ahí (desde el 3.000 ac). Son todos lindos, muy poéticos y con su porción de sabiduría. Uno aprende cosas de ellos. Pero conservo una distancia prudencial y me atengo a mi religión personal, a mi forma de re-ligar con lo trascendente, que es absolutamente personal y muy agnóstica. 

Uno va cambiando de perspectiva. Yo con 18 o 20 años tenía un cristianismo liberal y a mi modo, por llamarlo de alguna manera. Había visto “Jesucristo Superstar” siete veces. El Nuevo Testamento era libro de cabecera y tenía una versión de un neocristianismo que en definitiva quería parecerse a lo que supongo sería la verdadera filosofía de Jesús, no la de los concilios a partir del siglo II, que empezaron a hacer mierda todo lo que el tipo realmente pensaba, por lo menos en lo que dejan entrever los evangelios.

Luego se me pasó el cristianismo. Me quedé con algunos cuantos valores rectores que aún conservo: el amor al prójimo, la empatía, el no sentirse mejor que el otro, no tirar la primera piedra (tolerancia), el desapego, etc.

Desde que se me pasó el cristianismo soy agnóstico (con algunas ideas borderline con el budismo).

Pero esta canción habla más de cómo tomar la vida en general, sin sentir todo acabado, predefinido o predestinado. Da libertad.

Una de las cosas que más me divierte de esta canción es la estructura. Se sale del formato clásico A B A B. Es A A2 A3 A4 A5 A6 B 2 B2 B3 B4 B5, etc. La propia estructura habla como el texto: no es predecible. Todas las estrofas son distintas rítmicamente, muda el groove, la escena poética, los riffs… Musicalmente está construida sobre un riff groove en 3 x 4
toda la primera parte. Hay un slow down como en la estrofa 6, donde cambia a 4 x 4. 

El final también podría ser pensado en 12, quién sabe, pero lo importante es que tiene un punto de partida minimalista: la celula de groove de la guitarra de nylon, medio folky, en 3. Luego se va deformando: entran riffs rock, arreglos. 

El groove tiene el bombo en el tiempo 1 y el redoblante en el 3.

El tipo de poesía, más allá de lo filosófico, toma prestado del concretismo usar la propia palabra como objeto sonoro, la palabra cosa, que es algo que también uso mucho en mis canciones. Y la permanente tensión de opuestos
dentro de los propios versos, o entre las estrofas.

Lo otro que hago es no tratar de dar lecciones de vida. Más allá de que acá hay una generalización: ¨Nadie sabe lo que va a pasar¨, no pienso aleccionar a nadie acerca de qué hacer con su vida. 

Mis canciones por lo general escarban en:

mí mismo
mis propios monstruos
mis fantasmas
mis paraísos
mis visiones

 

Bueno, suena el silbato de la locomotora y el tren va frenando. Llegamos a la estación de destino. Ojalá hayan disfrutado el viaje. Si lo desean, pueden tomar el espacio para comentarios como si fuera un cuaderno en el que compartir impresiones con futuros pasajeros.

Sepan que la música de Dany López se puede comprar o regalar a través de Bandcamp. Aquí el link a esta canción:

https://danylopez.bandcamp.com/track/nadie-sabe-lo-que-va-a-pasar

Nico Ibarburu juntando dos universos musicales

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Dentro del ciclo “Encuentros con el Jazz 2017, Made in Uruguay”, organizado por Jazz Tour, el 31 de octubre se presentó Nicolás Ibarburu en la Sala Zavala Muniz del Teatro Solís.

 

Lo acompañaron:

Juan Pablo Di Leone (flauta, armónica y voces)

Manuel Contrera (teclado y voces)

Hernán Peyrou (teclado, acordeón y voces)

Valentín Ibarburu (voz)

Fernando “Pomo” Vera (bajo eléctrico y voces)

Federico Blois (percusión)

Martín Ibarburu (batería)

 

Este toque estuvo principalmente habitado por las canciones del segundo disco solista de Nicolás, “Casa Rodante”, al cual no le encontré la fecha en la tapa pero que creo que salió editado a fines de 2016, pues tuve la suerte de recibirlo de regalo de cumpleaños, el último diciembre. También hubo unos poquitos temas instrumentales, del disco Ultramarino (discazo del Trío Ibarburu).

Lo viví como una experiencia nueva, en esta querida Montevideo que nunca nos dejará de sorprender con su manantial permanente de creatividad musical. Lo nuevo para mí fue percibir, por primera vez con esa evidencia, que estaba teniendo lugar la expresión de una necesidad interna muy profunda, a la que casi se la podía ver burbujeando y desbordando. Muchas veces durante el toque sentí una gran admiración por el gesto de honestidad creativa de Nico. Un músico que ha llegado quizás a la cima, o muy cerca, de lo que se puede llegar en la ejecución de su instrumento, se corre a un lugar completamente nuevo, de cancionista, y no siendo cantante se entrega en cuerpo y alma a llevar a cabo la expresión de lo que le pide ser expresado. Fue impresionante ser testigo de eso y me alegro muchísimo de haberlo vivido.

En cuanto a las canciones, son evidentemente canciones de un gran músico. Cada elemento sonoro colocado “en el ángulo”, con un cuidado impecable, con matices (de volumen y dinámicas) profesionales y con una preciosa combinación de timbres. El sonido más agudo y dulce fue el de la flauta; el timbre más grave de la guitarra me resultó muy, muy agradable; la combinación de ambos, un deleite. Y así cada combinación de los instrumentos. A su vez me sorprendió bastante que siendo canciones de un músico tan virtuoso, acompañado a su vez de más músicos virtuosos, no abusó en ninguna medida de esas cualidades y no hubo notas que las canciones no necesitaran.

Ustedes dirán que lo que les comentaré ahora suele suceder, pero algo lo destacó para mí en este toque. Me impresionó observar la capacidad de todos los músicos de saltar de un mundo emocional a otro al pasar de tema a tema. Por ejemplo, al tocar los dos bises, primero Juan Pablo Di Leone y Nicolás hicieron un tema a dúo, increíblemente introspectivo y dulce, e inmediatamente después estaban sumergidos en un mundo de ánimo completamente diferente, exultante, con todo el septeto. Los grandes músicos tienen una capacidad admirable de habitar el presente.

Cada uno tuvo sus oportunidades de lucirse, con solos, y ese alternar entre momentos típicos de canción con momentos típicos de música instrumental resultó novedoso y muy bueno.

Juan Pablo Di Leone volvió a poner su impronta de dulzura y creatividad tanto con la flauta como con la armónica. Es impactante cómo domina la armónica, ese instrumento que a primera vista parecería que no ofrece tantas posibilidades pero él lo “hace de goma”. Y con la flauta es un viaje las maravillas sonoras que construye y que generan grandes emociones en quienes estamos escuchando. Además se lo siente muy feliz cuando toca con Nico y eso se contagia.

Los momentos de protagonismo de Fede Blois y Martín Ibarburu fueron para mí hitos de la noche. Se complementaron de manera grandiosa, embelleciendo toda la música con gran calidad y sabiduría, con una naturalidad y calma admirables, y no cayendo en ningún exceso adrenalínico que pudiera resultar infiel al espíritu general del concierto. Por ejemplo Fede soleaba y Martín le “conversaba” con la batería, sin invadirlo pero complementando divino. (Martín en “modo canción” es una caricia al alma). Pomo Vera en el bajo tiene un tempo tremendamente preciso y toca unos fraseos y unos grooves impecables, con un tempo de roca. La verdad que con esa base rítmica, de selección, seguramente se facilita que el todo sea memorable.

Hernán Peyrou fue alternando entre el teclado, la voz y el acordeón y desde todos esos espacios aportó un ingrediente hermoso de alegría y musicalidad. Fueron muy especialmente disfrutables dos de sus solos: uno en diálogo con Di Leone en el tema “Vendaval” y otro en el tema “Sham Time” de Eddie Harris.

En este concierto me di cuenta de que me estoy acostumbrando a la originalidad de Manuel Contrera y que me empieza a resultar familiar. Pero hay que tener cuidado con eso, porque si bien nos acostumbramos muy fácilmente a lo bueno, no sería aconsejable perder de vista que se trata de un tecladista muy personal y con un gusto exquisito, que le está dando a la música de estos lares un sello muy marcado de calidad.

En esta noche hubo una participación muy especial: Valentín Ibarburu. Para quienes estuvimos ahí ya no tenemos duda alguna de que se trata de un gran músico. Con sus 10 añitos, cantó e hizo tremendas voces con una hermosa afinación, con una voz divinamente cristalina y con una concentración que muchos músicos no logran en años y años de carrera. Para mejor, con tremenda soltura, divirtiéndose y visiblemente sintiendo la música con todo su cuerpo. Les recomiendo que vayan preparándose para escuchar los futuros discos de Valentín. Un capo.

Es imposible en una reseña contarles cada momento de maravilla que se da en todas las combinaciones posibles entre los músicos. Uno que recuerdo especialmente fue a Manuel Contrera con la batería y la percusión, creo que en “Sham Time”. Otro, cuando la mayoría de los músicos cantaba la letra de la canción “Mapa Tesoro” y no en el micrófono. Me pareció muy simbólico eso de que les naciera cantarla al tocarla. Otro momento: la intro instrumental del tema “Amainará” (del CD “Anfibio”)… una polenta impresionante.

Al detenerme en las letras me impacta la presencia insistente de la naturaleza: el mar, la noche, las estrellas, las dunas, las semillas, la lluvia. También está presente el tiempo, los pensamientos y el amor. En realidad, si lo pienso, en todas las letras se siente gran amor. Son letras sentidas… tan simple y tan bello como eso.

Si me pregunto si me gusta cómo canta Nico la respuesta honesta es que todavía no demasiado. Qué pasa: en los momentos netamente instrumentales a Nico le baja un ángel muy salado, todo su ser se conecta con un canal cielo-tierra y una es succionada en ese espiral mágico. Cuando arranca a cantar hay un cambio de modo, digamos. El viaje pasa a ser mucho más introspectivo, mántrico y me impresionó a mí como muy privado. Sin embargo las canciones son muy hermosas y esa combinación de ni una nota de más con su genialidad musical es algo tremendamente gozado. También es un honor poder presenciar esa expresión de lo que necesita ser expresado. Es algo que no quisiera que se detuviera por nada del mundo. No tengo dudas de que cuando salga su próximo disco querré escucharlo y que iré cuando lo presente. Tampoco tengo dudas de que es solo cuestión de tiempo para que su canto me dé vuelta como a una media. Lo que no sé es si será porque yo aprenderé a meterme mejor en su canto o porque él se acercará más con su voz a ese canal que se abre cuando solea con la guitarra. Los misterios abiertos son buena parte de la sal de la vida, que yo agradezco de antemano. Y repito: se sintió muy saladamente que esas canciones tenían que ver la luz. Es una fortuna para todos que así haya sido y que dos universos musicales, la canción y la música instrumental, se hayan unido en algo que genera cosas nuevas.

 

Foto de portada: Guillermo Giansanti y equipo.

Chapital Quinteto en Inmigrantes

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Foto: Carlos Cossi

Tú tendrás tus razones por las que te gusta Montevideo. La mía es la posibilidad que me regala muy seguido de escuchar y ver, a metro y medio, a músicos que me generan un estado emocional que justifica pasar por esta experiencia 3D.

La cita de anoche fue en Inmigrantes (en la esquina de Paullier y Guaná), donde Juan Pablo Chapital tocó temas de su autoría, y algunas versiones exquisitas de temas de otros grandes músicos (Mandrake y Rada, por ejemplo).

El quinteto está formado por:

Juan Pablo Chapital en guitarra y voz

Martín -Dios- Ibarburu en la batería

Fernando “Pomo” Vera en el bajo eléctrico

Hernán Peyrou en teclados

Guillermo Olivera en trombón

Les cuente lo que les cuente, caeré en repetirme, pues lo que me generan Chapital e Ibarburu es algo que ya describí mil veces. O sea, seré brevísima para no aburrir.

Sí quiero contarles algunas cosillas:

La combinación de sonidos del trombón  y la guitarra está buenísima. Guillermo le mete mucha alegría, pero también un gran cuidado a no aplastar a todo el mundo con ese sonido fuerte que tiene el trombón. Un placer su contribución.

La base rítmica (y, obvio, no solo rítmica) de Fernando Vera y Martín Ibarburu fue perfecta, también muy respetuosa y con momentos de brillantez, que son como codazos en las costillas que te ponen súper alerta y te aceleran el ritmo cardíaco (ta, codazos que no duelen).

Hernán, con el teclado, aportó mucho a generar el clima místico de la noche.

Juan Pablo presentó dos temazos nuevos, alucinantes. Tanto que cuando el público le pidió “otra”, le pidió justamente su nuevo tema “Bushido”. ¿Cuántas veces creen que pasa que se pida de bis un tema nuevo? ¡Ninguna!!!! Solo Juan Pablo logra eso.

Mi foco de atención suele irse siempre hacia la batería, y anoche fue brutal verles las caras de goce a Pomo Vera y a Juan Pablo Chapital cuando Martín tocaba una genialidad. Martín logra eso, que el resto de los músicos disfruten especialmente de las notas de la batería, que es algo que tampoco es tan común de observar. Justamente en el tema “Bushido” el aporte de la batería fue algo endemoniadamente disfrutable.

Al presentar a Martín, Juan Pablo dijo: “Tocar con el mejor baterista del mundo es…” No completó la frase, pero seguro que el final era algo parecido a “impagable”, “fascinante”, “algo de no creerse”.

¿Que resuma qué me gusta de la música de Juan Pablo? Es muy sencillo:

  • Que sus temas no son demostraciones de virtuosismo sino que son expresiones de emociones y son significativos para el corazón
  • Que cuando toca cada nota la hace sonar como si fuera la única nota que va a tocar en su vida, que la sostiene, que su sonido es límpido, vibrante, amoroso. Anoche en particular, algunas notas no le sonaron, quién sabe por qué. Y sin embargo esos silencios no fueron nada incómodos. Es como si la música anoche hubiese necesitado pausitas extras.
  • Que si bien son temas instrumentales, tienen mucho de canciones, por las melodías hermosas
  • Y creo que lo que más me toca el alma es la actitud general de veneración hacia la música

Esperemos que sigan presentando estos temas. Es un regalo que yo les agradezco.

Gracias a Carlos Cossi tenemos estos recuerdos gráficos de la noche:

 

 

 

Magia Ibarburense en formato de CD: Ultramarino

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Foto: Florencia Veres

El Trío Ibarburu: Andrés en el bajo, Nicolás en la guitarra, Martín en la batería, junto con Juan Pablo Di Leone en armónica y flauta se mandaron tremenda presentación del disco “Ultramarino” en la Sala Hugo Balzo, el día 29 de julio. Tocaron todos los temas de este último disco y también algunos de “Huella Digital”.

El aplauso del público al terminar el primer tema, y el segundo, y el tercero, duró lo que normalmente dura un aplauso al final de un concierto. Su música es algo descomunalmente bella a lo que se le agrega un cariño enorme por parte del público. Son queribles por su calidez y por esa sencillez y humildad que no deja de asombrar.

Entre el 29 de julio y hoy, 25 de agosto, una sucesión de hechos me fue impidiendo escribir esta reseña. Hoy finalmente encontré el momento perfecto. Sin embargo constaté, con gran desilusión, que la grabación ayuda-memoria en la que confiaba para este relato trasnochado decidió no existir.

Ante esta circunstancia, me quedan dos opciones: una, dejar la página en blanco; la otra, hacer una reseña del disco en sí. Con cierto atrevimiento, opto por la segunda, con la esperanza de animarlos a buscarlo y escucharlo, porque es, de veras, un disco esencial y demasiado hermoso como para pasar por esta vida sin conocerlo.

El universo “Ultramarino” está constituido por 9 galaxias, que se llaman: Membrana, Komora, Otro mar, Neurology, Mandala, El zorro, Nuevas cuerdas, Snorkel y Para rumbear mi camino. En los nueve temas se oye algo nuevo, que complementa perfecto lo que ya conocíamos de ellos: un saboreo más pausado de los sonidos y una maestría muy particular en cuanto a cómo los sonidos comparten y conviven en ese espacio multidimensional. Hay menos urgencia y hay en general menos cantidad de sonidos que antes y un arte aumentado en cuanto a la creación musical en su totalidad.

Membrana es una composición de Nicolás que tiene una magia increíble. Lo más sano para hacer con la música es sentirla y no describirla, pero haré mi intento de explicar lo que en esta canción me hizo sentir especialmente feliz. Este tema podría tomarse como ícono de lo que constituye a estos músicos y sus influencias. La canción tiene en igual medida carácter de candombe, de folclore y de jazz, y es en cinco tiempos. Además, tiene un ritmo marcado y simultáneamente una melodía dulcísima que comparten entre la guitarra y la armónica. En la entrevista que pudimos hacer antes del toque, contaron que no fue una búsqueda consciente la de conjugar todos esos elementos; la aventura de Membrana sí estuvo guiada por los cinco tiempos pero el resto emergió simplemente porque es su esencia, y ya sabemos que solo puede surgir a la superficie aquello que se posee en el interior. En este tema Nicolás toca guitarra eléctrica, también con ebow, y acústica. Los sonidos que logra él con sus guitarras y la combinación de ellos con la armónica de Juan Pablo son un deleite melódico, que cala tan profundo que emociona muchísimo. A su vez, la conjunción de Nicolás con Martín en especial pero también con Andrés en cuanto a la intención de cada apoyo, de cada corte y de cada arreglo es perfecta. El si se quiere “contraste” entre el agudo de la armónica y las guitarras y la profundidad de los toms de la batería es algo bellísimo. Eso y que ninguna nota topa a ninguna nota. No hay ni por un instante una insistencia ni petulancia por parte de ninguno de los instrumentos. Cada nota está en su sitio, compartiendo el espacio ese, multidimensional, y juntas, en perfecta armonía de presencias, crean esta belleza extraordinaria. Me parece especialmente llamativo que las frases musicales están verdaderamente co-construidas por todos los instrumentos. Algunas son rematadas por el redoblante o algún tom de la batería, otras por el bajo. Por supuesto que la guitarra y la armónica también, pero eso es más esperable. Lo de que frases que comienzan dichas por la guitarra o la armónica terminen de decirse por el bajo o la batería es algo que me resultó maravilloso. Hay una musicalidad aquí que supera cualquier cosa que yo haya escuchado en mi vida.

Komora es una composición de Andrés, extraordinaria. Arranca con el charleston de la bata y la guitarra y por esos instantes una siente, auténticamente, que no hace falta nada más. Suena hermosa esa dupla hasta con algo tan minimalista. Luego se transforma en la antesala perfecta para que cuando entra el bajo, una casi se quede sin respiración. Cuán bello suena ese bajo. ¿Y cómo puede a la misma vez ser el ritmo y ser la melodía, haciendo tan hermosas ambas funciones? Otra cosa que se disfruta desde el primer instante es el balance de la batería en los dos canales. Está muy bien grabado y no sé si es solo por mi chifladura natural pero que la batería se administre de esa manera entre el canal derecho y el izquierdo a mí me dio la sensación de algo cuatridimensional (las 3D que conocemos tan bien y una dimensión extra que incluye esa otra cosa que se genera en este disco). El diálogo entre la bata y el bajo en este tema es impactante al comienzo. Después entra con más garra la guitarra de Nicolás y una ya no sabe cómo hacer para poder absorber todo eso y no perderse detalle. Nicolás solea y el mundo se detiene. A eso hay que agregarle que el bajo y la bata siguen haciendo una magia impresionante y auténticamente dan ganas de pasar el tema en cámara lenta. Entonces los demás achican un poco y Andrés se manda un solo hermosísimo. Y cuando ya se siente que aquello es demasiado, Martín nos regala un solo de su instrumento mágico y el mundo no puede ser más perfecto. El charleston en este tema me deleitó. En esta pista Agustín Ibarburu toca “monotron”, que lamentablemente yo no pude diferenciar. Me recuerda a la época en que, decenas de años atrás, no era capaz de diferenciar el sonido del bajo. El observador crea su mundo según los recursos que tiene. En lo personal por ahora me faltan recursos para poder identificar al monotron.

Otro mar es súper alegre, súper para arriba. El candombe sigue diciendo presente y fusionándose con el jazz. En la tapa dice: “Cuando nos juntamos en Praga por primera vez, Nico completó este tema una noche en el jardín”. Seguramente estaban muy felices por el rencuentro porque lo que se siente al escucharlo es una alegría emocionada. Martín toca batería, tambor piano y chicos. ¡Cómo suena! Es como si hubiesen diecisiete músicos y no uno. Candombe que podríamos bautizar como “Candomartín” o “Martímbe”: fresco, alegre, bailable, contundente, con su ingrediente pop y jazz a la vez y con una profundidad esencial que lo identificará siempre. ¡Belleza de la vida musical uruguaya! Nicolás produce perfección sonora, que auténticamente acomoda células y almas a su paso. Las notas que surgen de su guitarra tienen una convicción total y un cuidado muy bonito. Siento como si una mano firme me agarrara, con delicadeza, y me llevara a conocer mundos nuevos. Y Andrés la descose con ese bajo que es también firme, creativo, melódico, increíblemente poderoso, siendo a la vez dulce y sensible. Qué sé yo… por momentos es demasiado el éxtasis que genera este disco.

Neurology es un tema con gran densidad de notas. Lo loco del asunto es que a pesar de tener muchísimas notas a una velocidad importante, el aplomo del que hablaba al principio sigue presente. Encontrar aplomo en un candombe tan rápido debe ser cualquier cosa menos fácil, pero no da la sensación de que les resulte un esfuerzo ni nada parecido. Creo que se puede decir sin riesgo a equivocarse que estamos siendo testigos de algo muy especial que hacen estos tres seres de luz. Una amiga muy querida, a quien le agradezco con el corazón exaltado y agradecido que me haya regalado esta joya de disco, me dijo el día de la presentación: “En un futuro los van a estudiar como un fenómeno musical”. Es muy probable que tenga razón. Yo agrego: el fenómeno está sucediendo ahora. Si recién los estudian en el futuro es por ese empecinado gesto de idiotez que los seres humanos desarrollan frente a los artistas especiales. Pero volviendo a Neurology, me resulta algo insólito cómo pueden tocar tantas notas a esa velocidad y que ninguno pise a ninguno, que cada nota tenga su razón de ser y su lugar específico, y que cada uno de los tres pueda contribuir como lo hace a la creación de una pieza tan pero tan hermosa. Creo que el mejor resumen es que es un tema para pirar, para gritar, para saltar de la alegría.

El quinto tema del disco es Mandala. Aquí, Nicolás toca guitarra acústica, Andrés un bajo fretless y Martín el cajón. Este es un tema más manso que Neurology, como para que no nos estalle el corazón (gesto que se agradece), pero el detalle es que igual, a medida que van pasando los segundos, el corazón empieza a desbordarse, a pesar de la inicial aparente inocencia de Mandala: el sonido del cajón es demasiado bonito como para no sentir alteración, y la guitarra y el bajo tocan unos unísonos de esos que te desgarran el alma a fuerza de belleza. Por momentos vuelven a hacer esto impresionante de que la guitarra arranca una frase y el bajo la termina o viceversa y ¡pffff! No hay palabras ni que se acerquen a explicar la sensación física que se vive escuchándolo. Alineación circular y vibración total, quizás. Con Mandala me permití observar en qué centros energéticos sentía más cada instrumento y si bien hay momentos en que la guitarra resuena solo en los chakras superiores (al principio, sobre todo) y momentos en que el cajón resuena claramente en el tercero, tengo la impresión de que es el bajo el que los junta a todos en un efecto mágico que a partir de unos poquitos segundos de haber empezado el tema hace que los siete centros se sensibilicen de un modo supremo e increíblemente disfrutable.

El zorro tiene un fraseo archioriginal y genial y es el tema en el que escuchando el disco, me pongo a llorar cada vez. Me encantaría saber si fue el mismo en el que pianté el lagrimón (que después no podía detener) en el concierto. Todo es perfecto: las melodías tocadas por el bajo son impresionantes, el sonido y la penetración en las células de la guitarra es de morirse y la batería tiene indudable influencia divina. ¿Cómo puede Martín oír todo eso en su alma? Y después, ¿cómo lo plasma así?… es demasiado. Esta galaxia tiene un groove tan gozado que da gusto estar vivo un ratito extra solo para poder escucharlo una vez más.

En la tapa dice que Nuevas cuerdas fue un experimento sonoro grabado de a partes, un poco acá y otro poco allá. La verdad que no hay manera de darse cuenta de que fue grabado así. Podrían estar los tres en la misma sala. Lo que más me sorprendió es que tiene un dejo de tristeza y es extraño que un experimento grabado por partes pueda transmitir esa emoción de esa manera, con una unidad muy potente. Pero bueno, aceptemos que no todo en la vida tiene explicación.

La galaxia 8 se llama Snorkel y es un tema de Nicolás Ibarburu y Nicolás Varela. Está grabado con Martín en cajón, Andrés en bajo fretless y Nicolás en guitarra acústica. Con este tema en particular me pasa que al escucharlo, lo veo a Martín tocando el cajón en el concierto. Es una demencia lo bien que toca, cómo genera matices asombrosos con esa caja de madera, y el sonido tan increíblemente dulce que produce. Y como me sucede a veces, la realidad es que en este tema se me nublan los sentidos para los otros instrumentos. Por instantes noto la belleza del conjunto pero en primerísimo plano tengo al cajón y tan empecinadamente que finalmente opto por dejarla por esa y admitir que ese sonido de mano y madera me pudo tanto que por más que puedo sentir una guitarra hermosa y un bajo bastante juguetón, me voy con el ritmo y sus matices perfectos, que dicen tanto.

Y así llega, sin anestesia, el final de un disco que una no querría que terminara nunca. El último tema se llama Para rumbear mi camino. Martín en la batería, Andrés en bajo y cellos, Nicolás en guitarra acústica, R. Jochmann en piano y Juan Pablo Di Leone en armónica. Es un tema lleno de sensibilidad. Tiene una mezcla de optimismo y nostalgia. Tiene una melodía hermosísima extrapolada con la dulzura del cello y la armónica, y una delicadeza zarpada del piano y de la guitarra. Yo no creo que sea a propósito que se oyen los dedos de la guitarra desplazarse sobre algunas cuerdas en algún momento, pero ¡qué efecto bello tiene eso en mí! En cuanto al cello, amo tanto su sonido en esta creación mágica que va desde acá un pedido especial a incluir más a este instrumento en futuras creaciones del trío. Del minuto 2:20 en adelante hay una creación conjunta entre el piano y la batería que eriza el alma y me hace encargarle al Universo que por favor me permita ser música en la próxima vida. Dudo que haya sido pensado pero bien podría haberlo sido: el final de este tema es de esos que te obligan a ponerle play de nuevo al disco. Es un final que queda suspendido, como diciéndote: “no tenés otra que volver a escucharme”. Y supongo que es por ese final que este disco no se ha movido de mi reproductor en un mes.

A esta joya la podría haber grabado el sello ECM perfectamente. Que estos seres estén tocando en Montevideo es un capricho del destino que bien haríamos en agradecer a conciencia y aprovechar a ultranza. Desde este rinconcito yo les digo un tímido “gracias por existir, Ibarburus… y por las múltiples dimensiones que nos regalaron con Ultramarino. Es enorme la admiración y el agradecimiento”.

Foto: Patricia

Foto: Patricia

Foto de portada: Florencia Veres.

Martín Buscaglia y sus Bochamakers

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Foto: Lucía Coppola

 

La manera más efectiva de sobrevivir a este invierno larguísimo viene siendo ir a escuchar buena música. Es eso o emigrar, y elegir el destino para lo segundo viene complicado, inclusive para quienes no leemos muchas noticias.

Al entrar al Teatro Solís el jueves 21 de julio, a eso de las 20:30 horas, yo me sentía como en un teatro de Buenos Aires, o como me imagino un teatro en París. ¡Había una cantidad maravillosa de personas! Se habían juntado dos toques interesantes y el hall y las escaleras estaban repletos de gente. Una ebullición linda de vivir, verdaderamente.

Quienes habíamos optado por la Sala Zavala Muniz nos acomodamos en nuestras butacas, en mi caso frotándome las manos con expectativa. La sala estaba completa y prometía.

El toque comenzó con Martín Buscaglia candombeando con su guitarra en el centro del escenario debajo de un foco que solo lo iluminaba a él. Encima de su ritmo Martín hablaba, como habla él, al ritmo de la música, con su poesía tan personal, ocurrente y que a una le dibuja una sonrisa de inmediato. “El unísono es una disciplina cuyo mismo nombre te indica cuando la estás realizando correctamente, ¿no? Cuando se canta juntos así, unís o no”.

Luego de un par de temas, Martín agarró un lap steel, lo apoyó en su falda y con un slide tocó un blues buenazo, con una maravillosa letra cabopoloniense y con la compañía percutiva exquisita de su Bochamaker Martín Ibarburu en el bombo legüero. La cadencia de la música y la letra fue un traslado inmediato a ese paraíso que algunos atesoramos. Muchas imágenes soñadas se me representaron mientras tocaron esa canción. Belleza para todos los sentidos.

Buscaglia te sorprende todo el tiempo. Si tomás casi cualquiera de sus canciones, las letras te van sorprendiendo a medida que van avanzando. Por dar un ejemplo de los que sonaron:

Cuando dice “El agua está divina”, uno se imagina a alguien metiéndose en el agua de la playa, una temperatura impecable, un cielo celeste y un paisaje de verano. Pero lo que sigue es: “Piensa el gallo en su veleta”, y ahí nos trasladamos a un día lluvioso, un cielo atiborrado de nubes negruzcas copiosas y poniéndonos en el lugar del gallo pensamos que no debe ser un día de tormenta ni lluvia torrencial… seguramente el gallo disfruta más de una lluvia tranquila. Entonces la letra sigue: “Y yo pienso en tu silueta”, lo que nos traslada a otra situación y lugar, y así continúa toda la noche.

El siguiente tema que tocó me pareció una obra de arte. Se llama “Muy feo” y es muy genial. Al parecer el compositor estaba muy molesto con alguna persona por alguna actitud o acción y en lugar de componer algo rabioso, algo que transmitiera con las notas o con el ritmo cualquier emoción negativa, compuso una canción que es alegre, divertida y que a la vez se burla con altura del objeto de la molestia, tanto con la música y su ánimo como con la letra: “Lo tuyo ni siquiera no me gusta”; “Te está faltando ejercicio… te está faltando satisfacción, estás muy solo en tu colchón”; “Pero tranquilo, no pasa na’, te quiero”. Escrito así y fuera de contexto sé que pierde gracia; tienen que escuchar ese tema.

Todos sabemos que no hay dos toques iguales (gracias al cielo, claro) y generalmente eso se asocia con el momento o el coloque de los músicos cada noche. Este toque del jueves tuvo la particularidad de que los músicos estaban conectados entre sí, entregando todo, y les tocó en suerte un público insólitamente tímido o reprimido, váyase a saber. Eso influyó un montón en que un toque que tenía todo para ser explosivo, y para mudarnos al calorcito por dos horas, fuera un toque manso, intachable desde el punto de vista musical, pero al que le faltó la colaboración activa de la otra mitad del show: el público.

La invitación de Buscaglia siempre es a que participemos, a que coreemos, etc. y es algo que se goza mucho, por la energía que se genera entre todos. Bueno, el jueves Martín la remó de una manera impresionante, tanto que me saco el sombrero y le hago una reverencia, pero la tarea era completamente titánica. Al público le costó tres cuartas partes del toque soltarse y formar parte de la propuesta.

Momento religioso ese en que entraron al escenario sus Bochamakers de la noche: Herman Klang (teclados), Matías Rada (guitarra), Mateo Moreno (bajo) y Martín Ibarburu (batería).

Musicalmente fue un toque buenísimo. Mateo Moreno y Martín Ibarburu juntos hacen la base más musical y copada del planeta. Lo que toca Mateo es cool, funky, tiene un sonido espectacular, tiene todo el groove del mundo y está todo el tiempo atento a la batería y a Buscaglia y a lo que pasa en todo el escenario. Herman Klang le puso mucha polenta y un carácter extraño y bien interesante al todo, que me dio la impresión que le dio una vuelta de tuerca diferente a los Bochamakers esta vez. Hubo un tema sobre el final que tocaron Buscaglia y él solos que despertaron varios “qué divino” a mi alrededor. Y Matías Rada tocó cosas buenísimas en la guitarra, se mandó unos solos que erizaban la piel y unas voces buenísimas también.

En cuanto al agite del show, Martín Buscaglia y Mateo Moreno le pusieron toda la garra que se puedan imaginar para que aquel show le llegara al público con todo. Le pusieron onda, le pusieron energía, se bailaron todo como acostumbran, había complicidad entre ellos y en el escenario, todo impecable.

Martín en la batería es algo indescriptible, ya. Y combinado con el ritmo que lleva en la sangre Buscaglia, y con los otros músicos termina siendo demoledor, arrollador, una propuesta verdaderamente disfrutable y muy prolija.

Fue después de una hora y media aproximadamente que Buscaglia tuvo la idea brillante de decirle al público más o menos esto: “Ahora se levantan, aplauden, cantan y reaccionan”. Jajajá. No, no. No dijo así. La invitación fue muy delicada y amable… y tremendamente efectiva. El público se levantó, y ¡bailó un montón!, y acompañó con palmas y cantaba. ¡Y no se volvió a sentar! Sinceramente fue inexplicable para mí por qué gente que sí conocía las canciones y sí le gustaba Buscaglia estuvo como anestesiada por tanto rato. ¿Serán los agroquímicos que nos están poniendo en la comida y en el agua? Quién sabe.

En definitiva: una propuesta musical buenísima, como nos tienen acostumbrados estos músicos maravillosos, pero un toque raro, que tenía una barrera energética misteriosa que partía desde el público. Ojo, así lo viví yo. Quizás otras personas observaron algo diferente y lo vivieron distinto… ojalá que en otros rincones de la sala se haya vivido con más frescura y con más recepción que desde mi butaca.

Desde acá hago un pedido especial a los músicos: no paren nunca, sigan cantando, sigan tocando, sigan desmorrugando, sigan componiendo y sigan confiando en que lo que hacen está muy pero muy bueno.

***

Crónica escrita para COOLTIVARTE.

Hablemos de música ultramarina: Entrevista a Trío Ibarburu

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El 29 de julio, en la Sala Hugo Balzo del Sodre, a las 21 horas, el Trío Ibarburu estará presentando su nuevo disco, titulado “Ultramarino”. Sepan desde ya que no se lo pueden perder por nada, nada del mundo.

Al saber que las puertas cósmicas se habían abierto para que pudiera entrevistar al Trío Ibarburu, pensé que era prudente escuchar algunos de los temas del disco nuevo. Claro, puede ser que haya sido una decisión atinada desde el punto de vista de la responsabilidad de ir a hablar de algo conocido, pero fue completamente imprudente en lo que respecta a mantener mi centro emocional. Para cuando llegué a hacer la nota mi contacto con la tierra era efímero y me llevaban en andas la fascinación, la incredulidad, el asombro y especialmente la admiración, que si bien son todas emociones muy positivas y disfrutables, a la hora de entrevistar no son la compañía más conveniente. Entonces, la invitación es a leer una entrevista que tiene como trasfondo vibratorio un estado alterado.

Si bien —como sabemos— el trío está formado por Nicolás Ibarburu (guitarra), Andrés Ibarburu (bajo y cello) y Martín Ibarburu (batería y percusión), en esta entrevista no pudo estar presente Martín. Es así que lo que leerán a continuación es una conversación con Nicolás y Andrés. Sin embargo, con una pregunta en particular sentí que hacía falta incorporar la voz de Martín, así que lo contacté después y pude agregar una respuesta de parte suya.

Patricia Schiavone: ¿Cómo son las composiciones del disco?

Nicolás: Son de Andrés y mías, mitad y mitad.

Andrés: Pero también cada uno desarrolla mucho su parte. Por ejemplo, en los temas que son míos hay cosas que son de él o hay cosas que son de Martín. Ninguno compuso una partitura, nota por nota. Es como una idea original y un concepto.

Nicolás: Y después cada uno desde su instrumento, juntos, construimos el sonido del trío.

PS: ¿Pero en algún momento se escriben los temas?

Nicolás: Bueno, sí, los temas están escritos.

Andrés: Claro, a mí me gusta más escribir, porque como estudio música clásica estoy como más acostumbrado y me siento como más cómodo. Nico labura más de memoria… y también escribe algunas cosas. Que tampoco es todo, ¿no? Son como algunas referencias de algunas partes. Porque es un concepto. En general dicen que eso es del jazz pero la música folclórica en general tiene eso, ¿no? Por ejemplo, cuando un guitarrista te dice: “Yo sé un tango”, lo que él tiene es como una especie de esqueleto, de guía. Después cuando va a tocar, sobre eso él va a elaborar algo. Un buen músico de tango se espera que sea así. En el jazz es como muy típico tener un cifrado, los acordes y la melodía pero en esto no es tan así. Hay cosas que están muy arregladas y muy armadas y hay cosas que son mucho más libres.

Nicolás: Claro, hay partes que están arregladas y luego hay partes que se rellenan con improvisación. Eso es lo que hace también que cada toque sea diferente al otro. Este también es el objetivo de este encuentro: tocar con mucha libertad, improvisar mucho y dejar salir cosas del momento pero siempre con un laburo de arreglos y de composición, de experimentación para buscar el sonido y hacer rendir los temas, que ahí es donde ponemos todo de todos.

Andrés: Además, el disco está grabado con esa técnica. Está la composición, entonces hay como una parte que está armada, pero todo lo que está improvisado en la grabación del disco es así. No es como cuando se graba un disco pop, que se graban varios solos y después se elige uno. Acá es como grabar un disco de jazz: cada uno toca su solo y su improvisación y queda lo que queda. Hay una espontaneidad en lo que queda grabado. Creo que según la música se usan diferentes criterios.

PS: Pero entonces, Andrés, o tienen invitados, o vos tenés un clon que toca bajo y tocás cello a la vez.

Andrés: Eso sí. Hicimos lo que se llama “overdub”, que es que el mismo músico toca de nuevo otro instrumento. Hay temas que tienen dos guitarras o tres guitarras, en los que Nico toca varias veces. Eso sí lo hacemos. Hay temas en que Martín toca la batería y después toca los tambores o percusión.

Nicolás: Pero siempre sobre una toma en la que tocamos los tres juntos a la vez. Y después le ponemos algún adorno, alguna cosa. Te podés dar ese lujo porque es un disco de estudio. Si fuera un disco en vivo, no podés.

PS: Escuché “Para rumbear mi camino”.

Nicolás: Esa es una canción que hicimos con un amigo. Él le puso la letra, la música es mía, y nosotros hicimos una versión instrumental.

PS: ¿Y quién toca el piano?

Andrés: Un amigo que vive en República Checa pero en realidad es Eslovaco. Se llama Tomas Jochmann. Yo he hecho mucho con él allá. Es muy delicado. Es uno de esos pianistas que disfrutan mucho tocar el piano acústico.

PS: En el tema “Membrana”, ¿pusieron voluntad explícita en que ese tema fuera de jazz y a la vez de candombe, y a la vez de folclore y tuviera toques de pop/rock o surgió así porque ustedes llevan todo eso adentro?

Nicolás: Y… yo creo que es eso último que dijiste. Porque se va dando naturalmente y vas volcando cosas. Pero sí, ese tema en particular tiene una cosa medio folclórica, que también es un candombe, pero está en 5, o sea que no es un candombe tampoco… pero tiene aires así de candombe, de repente los fraseos… pero es un ejemplo de bastantes corrientes convergiendo ahí en un punto. Hay varios temas así en el disco.

Andrés: Es que también esas fusiones que decís en la música está bueno cuando suceden espontáneamente, ¿no? Cuando un grupo empieza a hacer algo y vos decís: “Ay, pero esto ¿qué es? Es esto… Entonces viene un crítico y dice “esto es una mezcla de tal y tal”. Pero cuando uno dice “voy a mezclar esto con lo otro…” como que no se puede hacer así. En realidad te sale naturalmente y a la hora de describirlo, ahí empezás a encontrar cosas. Pero la música no piensa ella en sí misma “soy un candombe”, por ejemplo.

Escuchar “Membrana

 

PS: ¿Me contarían cómo nació ese tema?

Nicolás: Sí, Membrana fue una música que yo armé en casa, que después obviamente cuando la tocamos juntos floreció y salieron un montón de cosas más y quedó mucho más lindo el tema, por el tratamiento que siempre les hacemos a las canciones con el trío. Pero fue así, una exploración en eso del 5, buscando un poco… de esas charlas que siempre tenemos con Andrés y con Martín. A veces nos quedamos explorando cosas así, de compases irregulares… mismo en algún almuerzo. Y fue un poco en ese espíritu, explorar por ahí, y salió Membrana.

PS: Qué pena que no está Martín, porque yo me pregunto en este tema “Membrana” cómo será que le habrá surgido tocar eso que toca. Vos lo escuchás y es un candombe, pero a la vez es jazz por la llevada en el plato, por el feeling general. Y sin embargo el tambor ¡es pop!

Nicolás: [risas] Claro. Ahí va.

Andrés: Creo que también está bueno que a nosotros nos pase eso porque es lo que es nuestra cultura. Como latinoamericanos somos una mezcla de muchas culturas, de muchos pedazos de muchas culturas: tenemos cosas de los indios, de los negros, de los españoles, de los italianos… entonces me parece que es lógico que pase eso que vos decís que salgan cosas de muchas vertientes.

PS: ¿En qué encuentran que este disco se diferencia del anterior?

Andrés: Son propuestas completamente diferentes. Para grabar el otro disco lo que hicimos fue encerrarnos en una casa preciosa que nos prestaron en Punta del Este, llevamos el estudio armado y nos quedamos solos con los instrumentos cinco días. Nos grabamos nosotros. Que por eso tiene ese nombre “Huella Digital”, porque es una cosa que tiene mucho que ver con nuestra identidad. Yo nunca había hecho eso de grabar sin técnico. No había nadie por fuera. Limpiábamos nosotros, comíamos la comida que teníamos adentro de una heladera. Sí nos fueron a visitar amigos e hicimos algún asado pero a la hora de laburar, estábamos solos. Sin ni siquiera un técnico. El coloque de ese disco es la concentración de nosotros tres solos. Lo hicimos también por una cuestión histórica, de que veníamos por mucho tiempo acompañando a otros músicos. Ellos nos dieron lugar para nuestra creatividad: Jaime, Rada, etc. pero claro, ellos tienen una personalidad tan grande, y además nosotros tocamos con ellos desde muy jóvenes, entonces como que decidimos arrancar de lo que éramos nosotros sin ninguna influencia externa.

Y este otro disco es una cuestión bien diferente. Porque este es un disco que hicimos mientras yo vivía allá y ellos acá. Por eso se llama “Ultramarino”. Es como a través del mar. Yo vine de visita y grabamos. Después fueron ellos de visita y grabamos allá. Después hicimos algunas cosas por internet.

PS: ¿Cómo la llevan que Andrés viva en Praga?

Nicolás: Bueno, con internet es más fácil, porque tenemos contacto permanente y fluido.

Andrés: Hoy nos acordábamos cuando Martín estuvo en Holanda, que había que llamar por teléfono, encontrar al otro, valía una fortuna. Y además, claro, la comunicación en ese contexto se vuelve una cosa súper concreta. Uno no podía ponerse a contar anécdotas, y ahora con Skype sí. Dejás la computadora en la mesa y es como si fuera una ventana.

PS: ¿Qué es notoriamente diferente cuando tocan entre ustedes tres y cuando tocan con otra persona?

Nicolás: Sin duda que tenemos muchas horas de vuelo y mucha experimentación, camino recorrido juntos, que eso suma muchísimo a la “conecta” pero creo que donde más la siento reflejada es más que nada en proyectos jazzeros de improvisación, donde vos tenés que soltarte para tirar una idea nueva o diferente y al mismo tiempo saber que podés volver con familiaridad, sin irte al carajo y caer en cualquier lado. En ese sentido tenemos mucha conexión y entonces cada uno de nosotros puede abrir diferentes momentos musicales o frases o cosas y siempre estamos enganchados igual. Me parece que eso se da más —por lo menos para mí— que en cualquier otro proyecto en que haya estado.

Andrés: Para mí también. Y agregaría una cosa más. Que hay cosas que siempre hay que estarlas hablando entre los músicos, o explicando, o escribiendo y entre nosotros pasa mucho que hay mucha cosa que directamente no se dice, que es mucho más claro si lo tocás que si lo decís. Incluso nos ha pasado también —pasó el otro día— de tener alguna discusión personal por una cosa extramusical y como que tocando resolvés de alguna manera el problema. Es medio misterioso.

Nicolás: Y sí, se mueven muchas cosas. Con la música se mueve todo, ¿no? La espiritualidad, los sentimientos. Eso es lo lindo también.

Andrés: Se acomodan cosas que por ahí hablando no se acomodan tan fácilmente. Tocando hacés algo que el otro lo entiende, o vos le entendés algo al otro y se crea una conexión y se disuelve ese conflicto. Pasa. Y creo que también pasa con el público. Cuando vas a ver un concierto, a veces se te resuelven cosas.

PS: Les traje algunas palabras y quisiera saber a cuál de ellas la asocian más con este disco: Libertad – Felicidad – Plenitud – Paz – Evolución – Amor

Andrés y Nicolás (a la vez): Evolución.

Nicolás: Todas las palabras están. Pero me parece que al ser un tercer disco tenés que priorizar el crecimiento, la evolución. Este es un disco más evolucionado a nivel de búsqueda, buscamos por otros lados, de intentar otros climas, otras instrumentaciones, que por ahí no están en los otros dos. Por eso me identifiqué con esa palabra. Evolucionar no quiere decir hacerlo más complejo o cargarlo de elementos. A veces es al revés. Evolucionar es vivir lo que estamos viviendo ahora, que es la música con un océano en el medio, como dice Andrés, y siguiendo en esas búsquedas que van a estar más allá de la distancia. Este proyecto es eso: cada vez que nos veamos, vamos a juntarnos a tocar y explorar.

PS: Yo encontré una madurez especial en esos temas que escuché. Un aplomo que me pareció nuevo y como si la fuente fuera más el corazón que la cabeza. “Neurology” tiene muchas más notas pero igual tiene una solidez especial. ¿Cómo surgió?

Nicolás: Ese tema es de Andrés.

Andrés: Ese tema yo lo hice porque quería que tocáramos un candombe rápido con el trío. En ese sentido fue como una cosa que busqué. Pero después también le encontré… A veces la composición es un proceso muy misterioso y es muy diferente para todo el mundo. Pero hay veces que es como te dijo Nico de Membrana, que es como que encontrás algo. Y otras veces tenés algo y construís arriba de eso, sin haber tenido un motivo inicial. Es como que vos lo proyectaste. En el caso de este tema fue más así, de ir a buscar un candombe rápido para tocar juntos. Después el nombre… el que ponía nombres así era Charlie Parker: Ornithology, Anthropology… que en realidad es para ponerle un nombre, usando una palabra que te gusta como suena. En mi caso también tiene el significado de que mi mujer es neuróloga y también tiene que ver con cosas que yo hablo con ella, que es interesante, de cómo funciona el cerebro, señales que se pasan de un lado para el otro, impulsos eléctricos que se van conectando, se hacen como redes.

PS: Supongo que es difícil verse como si no fueran hermanos. Pero les pregunto, ¿qué admiran más uno del otro como músico?

Nicolás: Yo admiro su curiosidad de siempre, de seguir estudiando y explorando mucha música. Nosotros, con Martín, como hermanos menores, toda la vida nos beneficiamos de esa curiosidad. También su originalidad. Me parece que es quien le da el mayor toque de originalidad al trío. Tiene la visión musical diferente a lo estándar.

Andrés: ¡Muchas gracias! Yo lo que más admiro de Nicolás es directamente la genialidad. Cuando algo es especial y es muy difícil entender por qué es especial, ¿viste? Hay cosas que vos ves y están buenas, otras mejores y peores, pero hay otras que son geniales. Ya no tienen medida, ya no se puede calificar o medir. No es analizable. Está como más allá de lo que se entiende o lo que se explica. Que eso también es otra cosa de la música, ¿no? Cuánto entra el lenguaje, cuánto entra la racionalidad y cuánto viene del corazón y cuánto viene del espíritu. Pero la genialidad tiene como algo más, como un sello especial que ta. Que uno lo reconoce pero no sabe explicarlo.

PS: ¿Y qué admiran de Martín?

Andrés: Es una persona que domina el sonido como si fuera… no sé, un barco, un avión, que tiene ochocientos cincuenta mil botoncitos y cosas y el tipo lo hace volar como si fuera una seda, todo, sin chocar contra nada, todo suave, todo perfecto.

Nicolás: Martín es el caso de esos tipos que te hacen sentir que tocás bien. Y en realidad es porque estás tocando con Martín. Aparte que tiene una musicalidad y una administración del fraseo y de las notas que es como muy refinado. Es como que te prende el Rolls Royce y te saca a pasear por la rambla. Te hace sentir como que estás en algo elevado. Es tremendo.

Andrés: Totalmente.

Nicolás: Y también creo que la búsqueda del proyecto, que siempre mencionamos, que tiene al candombe, es esencialmente por Martín, porque Martín es el que hace todas esas adaptaciones del candombe en la bata. Me parece que es el que lleva la parte más importante, más trascendente de esa búsqueda. Y creo que Martín —dicho mismo por Osvaldo, incluso por Hugo—, es como el continuador de esa búsqueda del candombe en la batería. Como muchos bateros, ¿no? Pero sin duda Martín es uno de los referentes a ese aspecto.

Andrés: Sí, en este trío es fundamental. Pasa mucho por ahí. ¡Realmente todo sale con una facilidad! No tranca nada. Al revés, impulsa todo. Y cualquier idea es como que se despliega, sin chocarse contra nada, ¿viste? Todo se vuelve fluido, limpio, cómodo, flexible.

PS: A mí me emocionó que en uno de los temas que escuché hay frases que las inician ustedes dos pero las termina Martín con la batería.

Nicolás: Sí, total.

Andrés: Sí, realmente es una cosa muy increíble. Como un lenguaje del ritmo que no es el típico lenguaje del ritmo que es simplemente acentuar. Hay momentos en que realmente habla con el ritmo. Eso también lo hace en el solo de Huella Digital. Todo el significado está ahí. No hace falta ningún acorde, ninguna melodía. El mensaje está todo en el ritmo. No hace falta colorear eso de ninguna manera; no hay que agregarle nada.

PS: Y vos, Andrés, hay momentos en que llevás la melodía y está buenísimo.

Andrés: Eso es algo que hacemos, que nos rotamos… que dos aguantan a uno. No hay puestos fijos.

PS: ¿Eso surge naturalmente? ¿No está planificado?

Andrés: Sí, son cosas que se dan. Es que ahora estamos como descubriendo todo eso porque nos ponemos a pensar pero en verdad son cosas que pasan solas. No hay necesidad de entender exactamente qué es. Ahora que vos lo preguntás, decís: “Claro, pasa esto”, pero en verdad simplemente pasa.

PS: Después de la entrevista, Martín Ibarburu respondió telefónicamente a mi consulta: ¿Qué admirás de Nicolás y Andrés como músicos?

Martín: Muchas cosas, vo. Como guitarrista, para mí es el guitarrista. Yo aprendí a tocar con él. Mi idea de lo que es tocar la guitarra es lo que toca él. Y lo que me pasa es que conecto con mucha cosa de toda la vida. Cualquier composición de él o solo que haga, o hasta a veces escucharlo acompañar, me conecta con un montón de cosas que hemos vivido juntos. Lo escucho tocar y es como… como eso. Es como una mezcla de admiración con algo muy familiar que siento con él.

PS: ¿Como mellizo sentís que tenés alguna conexión distinta a la que podés sentir de repente con Andrés?

Martín: Es diferente, sí. Pero con Andrés igual me pasa algo parecido, porque aprendimos a tocar juntos. Cuando pienso en una manera de tocar el bajo, es Andrés. Yo toco con muchos bajistas y hay muchos que son excelentes pero siempre tengo que estar pendiente de ensamblar con ellos. Con Andrés no pienso en eso, es como algo muy visceral, de una conexión muy profunda que me parece que viene por el lado ese, de haber aprendido a tocar juntos.

Y los admiro profundamente a los dos como músicos, como compositores. Tienen eso, hacen parecer fácil cosas que no son tan fáciles. Yo me doy cuenta, tocando con otra gente, que no es tan fácil (él se ríe… y yo también, porque pienso en cómo Nico y él dijeron lo mismo uno del otro).

Andrés por ejemplo tiene una cuestión de su fraseo muy salada, muy profunda, como que la agarra por lugares que te sorprenden pero con una conciencia salada, con un piso muy grande en su improvisación. Tiene eso.

Y Nico tiene esa capacidad de tocar cosas difíciles. O aunque toque cosas muy sencillas, las hace sonar mejor. Tiene una capacidad para armar voicings, para elegir cómo armar acordes, cómo tocarlos. De repente puede ser una composición súper sencilla y el tipo siempre le encuentra la vuelta para ponerle algo, un chispazo. Eso de Nicolás me genera mucha admiración.

PRESENTACIÓN DEL CD ULTRAMARINO

La presentación del disco contará con un invitado especial: Juan Pablo Di Leone (en armónica y flauta). A continuación comparto los detalles de día, lugar, hora, entradas, para que nadie quede sin la oportunidad de ir a vivir esto:

Viernes 29 de julio a las 21 horas.

Sala Hugo Balzo (Auditorio del Sodre)

Mercedes y Andes.

Entradas: por Tickantel

Foto de portada: Valentina Romano

Entrevistadora: Patricia Schiavone

Entrevista publicada también en Cooltivarte

Gozadera de Free Jazz por maestros: Ackermann, Righi e Ibarburu

Si de casualidad tú tenías pensado hacer alguna otra cosa los martes entre las 19:30 y las 00:00 hrs, debo advertirte: cancelá cualquier compromiso, porque surgió algo mucho más interesante e imperdible.

Resulta que está sucediendo algo buenísimo. Los martes, en El Tartamudo, está habiendo un ciclo, que se llama “Free Jazz”. Consiste en toques de excelentes músicos de nuestra ciudad con el adicional, maravilloso, de que los músicos ofrecen una clínica antes del toque. El público puede optar si desea asistir a ambas actividades o no. Esto es algo muy común en otras ciudades pero que no se venía viendo en Montevideo todavía. Buenísima iniciativa que aplaudo y agradezco.

El martes 28 de junio la propuesta fue de: Gastón Ackermann, Federico Righi y Martín Ibarburu

Trío

Seguramente haya sido porque este ciclo recién empieza que a las 19:30 hrs, al comenzar la clínica, el público consistía en tres seres humanos. Sí, como lo leyeron: tres. Ahí estaban tres de los mejores músicos montevideanos en el escenario, y dos músicos y una curiosa pellizcándose de la oportunidad insólita que se nos estaba ofreciendo. Evidentemente, no es lo deseable que tres musicazos como ellos ofrezcan una clínica para tres personas. Inclusive propusimos que se cancelara pero ellos quisieron hacerla de todos modos. ¡Quién sabe si imaginaron que tres locos sueltos les íbamos a preguntar tantas cosas! Nosotros pasamos genial. Ojalá que ellos hayan pasado bien también.

Lo que hicieron estos seres de luz fue contarnos, mostrarnos y enseñarnos los piques que tenían un interés especial dentro de la música que tocarían después en el show, además de respondernos todas las inquietudes.

Los tres tuvieron una actitud divina, generosa, didáctica a más no poder. Explicaron, por ejemplo, cómo hacían ciertos desplazamientos y luego tocaron un poco para que lo oyéramos. Luego preguntaron si lo habíamos notado. Lo tocaron más lento para que lo notáramos mejor. Y así siguió la clínica, pique tras pique, demostrándolo y ofreciéndolo con esa actitud tan impresionante y hermosa.

Luego, a las 21:30, comenzó el toque. Ahí sí ya había una cantidad de público muy razonable y ¡cómo se gozó! Fue brutal cómo después de la clínica nuestro ojo observador estaba muy modificado. Íbamos descubriendo cada una de las cosas que se habían hablado y mostrado antes. Ya al final del primer tema, luego de haber reconocido los desplazamientos mágicos, los tres estábamos con una sonrisa de oreja a oreja. ¡Gracias por esa experiencia!

Ellos tienen un conocimiento brutal, de años de tocar juntos, y se percibe la comodidad y la tranquilidad con la que se zambullen en sus vericuetos musicales. No hay caso, para el público la música que más se disfruta es la música que se toca con soltura y con certeza, sin temores ni dudas. Anoche fue una de esas noches musicales gozadas a pleno.

El repertorio estuvo súper bien armado en cuanto al balance entre tensiones y distensiones. Al tema más funky del mundo le seguía la balada más tranqui, y así sucesivamente.

Me vine con dos temas especialmente instalados en el corazón. El primero fue de Maceo Parker, en el que Gastón grabó una base en el teclado, lo pasó con el loop y encima de eso se tocó todo, todo con la trompeta. Un sonido increíble el de los tres. La base de Martín y Federico no podía ser más funky de lo que fue en ese tema. Luego Federico se mandó un solo de bajo que me desbordó de felicidad: gigantemente rítmico, funky y musical. Hermosísimo. En este tema lo que más me sorprendió de Martín fue cómo mantuvo su HH a mil durante todo el tema, sosteniendo la misma intensidad y el mismo feeling, con una maestría que solo él puede. Enormes ganas de bailar. Y pire total, pero eso no es nuevo, con el backbeat de Martín. No existe otro tambor que suene en dos y cuatro como el de él. No hay. No lo busquen. No lo encontrarán.

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Todo el toque fue un ir y venir entre ánimos, intenciones, velocidades, matices, etc. Gran maestría en esos virajes de coloque, que desde el público se viven con gran agradecimiento y resultan en una noche de gran espectro de experiencias emocionales.

La segunda parte arrancó con un tema de Sting: “Consider me gone”. En este tema reparé por primera vez en que el volumen del bajo estaba bastante alto, cosa que me gusta mucho, mucho. La combinación de Martín y Federico fue algo muy salado. Mi recomendación es que aprovechen a ver a Martín Ibarburu en vivo porque el día que Sting se lo cruce, se nos va de gira permanente. ¡Es tan bello lo que toca! La descosió toda la noche pero el final de este tema fue de alquilar balcones. Después no digan que no les avisé.

Gastón se pasó con la trompeta, el teclado y la voz (y en algún tema también con el saxo). Es tal el despliegue de dominio musical que hace este hombre, que impacta. Destila creatividad armónica y rítmica, madurez y aplomo, sea en el instrumento que sea. Y su voz al cantar es archi interesante. También imagino que tuvo mucha incidencia en las versiones que tocaron.

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Uno de los temas fue “Sorry seems to be the hardest word”, de Elton John. Tremendo viaje lo que hicieron con ese tema, cuya versión original es, para mi gusto, bastante insípida. Un pire la voz de Gastón en este tema… un viaje, mismo. En el teclado generó una enorme tensión y de a ratos tristeza, por momentos hasta sensación de desgarro. El bajo nos hizo vibrar de pies a cabeza durante todo el tema. Y manteniendo todo eso un aro fantástico de redoblante, clavado directo al centro del corazón.

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Una de las bellezas más notorias del repertorio, el segundo de los temas que decía arriba que me gustaron especialmente, fue un tema de Federico, que pude averiguar que se llama “Fuego lento”. Generalizar no está bueno pero ¡los temas compuestos por bajistas son un regalo de la vida! Volviendo a Federico, su sonido es vibrante, enérgico, limpio. Él es de los que sostiene las notas y eso me gusta porque a quienes amamos el sonido del bajo, nos da la oportunidad de disfrutarlas unos instantes extra. Encima el tema tuvo ingredientes maravillosos: unas notas y un timbre del teclado muy fantásticos, slaps en el bajo, solo de bajo muy bonito, y ritmo de candombe tocado por Martín Ibarburu. ¿Se le puede pedir algo más a la vida? No, no mucho más.

Sin embargo, de yapa nos regalaron un tema disco con chispazos de funk, que nos dejó enchufados a 220.

Es principalmente por estas noches musicales que yo amo Montevideo.

Quiero dejar un agradecimiento especial a Maximiliano Davyt (POGO TV) por las fotos.

Y no quiero cerrar esta nota sin contarles lo que sé que se viene en estos ciclos en El Tartamudo, como para que puedan aprovechar las próximas instancias mágicas. Y con cariño les digo: no marquen bobera; ¡no se pierdan las clínicas!

FREE JAZZ

05/07: Caula, Pigatto, Lenoble

Clínica: Balada jazzística. Conceptos básicos, acompañamiento, estilos e improvisación. La clínica estará a cargo del trío.

+ info:: https://www.facebook.com/events/1063006703783999/

12/07:  Andreucho Grupo

Clínica: Texturas, colores, alturas, contrastes y pautas para la improvisación. La clínica estará a cargo de Andrés Lena y Jeremías Di Polito. (Llevar instrumento).

+info: https://www.facebook.com/events/548202478720697/

19/07: Gabriel Estrada Trío

Clínica: La melodía y la armonía. Cómo vestir la melodía y el ritmo, tipo de compases. La clinica estará a cargo de Gabriel Estrada.

+ info: https://www.facebook.com/events/804756402988600/

26/07: El Conversatorio

Clínica: Práctica de Conjunto en Músicas Populares. La clínica estará dirigida por Andrés Bedó.

+ info: https://www.facebook.com/events/123446998083984/

CANDOMBE

Todos los miércoles, también en El Tartamudo, hay jam de candombe a cargo, del Combo Candombero. Los músicos que integran el Combo Candombero son:
Alejandro Luzardo (guitarra); Rodrigo Calzada (bajo); Leo Mendez (saxo); Martín Ibarburu (batería); Jhonny Neves (repique); Leroy Pérez (chico); Diego Paredes (piano) y algunos miércoles hay algunos cambios con otros monstruos del estilo.

Reservas: 097-293-333
Contacto: jamdecandombe@gmail.com
+info: https://www.facebook.com/events/1818722538350985/

Miercoles 6 de julio: Taller de Candombe
Vol 1. Introducción al Toque de Acompañamiento. A cargo de la batea del Combo: Jhonny Neves (repique); Leroy Pérez (chico); Diego Paredes (piano)

+ info: https://www.facebook.com/events/1780968042140756/

 

Imágenes: Pogo TV. Fotógrafo: Maximiliano Davyt

Entrada escrita para COOLTIVARTE.

Luis Salinas (en La Trastienda)

Reseña escrita para COOLTIVARTE.COM

Anoche, 24 de setiembre de 2015, se presentó Luis Salinas en La Trastienda de Montevideo, junto a cuatro grandes músicos uruguayos y su hijo, Juan Salinas.
En teclados: José Reinoso. En bajo: Francisco Fattoruso. En la batería y percusión, alternadamente: César Durañona y Martín Ibarburu.

Abrió la noche Luis Salinas a solas con su guitarra, tocando una versión muy suya, jazzeada a más no poder, del tango “Volver”. Este fue mi primer contacto con la música de Salinas en vivo. Ese primer momento me impactó por la combinación de dulzura y decisión, de emocionalidad y temperamento. En los últimos compases se acompañó por la voz. La verdad es que no me convenció escucharlo cantar en ninguna de las oportunidades que lo hizo. Entiendo que como músico le nazcan las ganas de cantar pero me parece que no le aporta a su música.

Para el tema siguiente invitó a Martín Ibarburu, diciendo: “Tengo la dicha de tocar con gente que quiero y admiro mucho, como Martín Ibarburu. Fuerte el aplauso”.
Ahí comenzaron los problemas de sonido que se mantuvieron casi toda la noche: acoples varios y volúmenes bastante mal manejados. La guitarra en este tema estaba por allá arriba y la bata no suficientemente clara. La sensación en el cuerpo que yo tuve al ver este primer tema fue de algo improvisado. Esto es entendible, ya que están juntándose músicos de diferentes orillas del río, pero no estamos muy acostumbrados a ver a Martín Ibarburu tocando con poca decisión y mirando a ver qué es lo que va a pasar el segundo siguiente. Por ahí me equivoco, y siéntanse completamente libres de comentar abajo en ese caso, pero así lo percibí. Evidentemente fue una improvisación genial, con momentos muy lúcidos y muy sensibles por parte de ambos, pero la sensación de inseguridad me resultó un poco incómoda.

Luego Martín salió y Salinas invitó al escenario a José Reinoso. El sonido del teclado de José y de la guitarra de Salinas hacen una combinación muy fantástica. Además del sonido, también hay una sintonía notoria de intención musical en ambos. De todos modos también en este primer tema con José la sensación era de estar en una jam. Las jams tienen lo suyo, claro. Fue en esta canción donde me cayó la ficha de que la guitarra de Salinas es una extensión de su cuerpo. Músico e instrumento, en este caso, no se ven como dos entidades sino como una..

Entraron Francisco Fattoruso (bajo) y César Durañona (batería). Para mi gusto el volumen del bajo estaba demasiado alto (se acomodó recién en la bossa nova), el del teclado demasiado bajo, y la batería tendiendo a baja también y continuaba mi sensación extraña de estar viendo a músicos que siempre vemos confiados y decididos, en una actitud de “¿qué va a pasar ahora?”. El sonido de Francisco es maravilloso y su toque también. Lo mismo con César… es un espectáculo lo que toca y cómo lo toca. Pero, independientemente de la ejecución en sí, para mí faltaron dos ensayos para que pudieran soltarse y transmitir un poco más.

En cuanto a César en la batería, cada vez que lo veo me sorprende con los saltos cuánticos que va dando. Anoche tocó algunos pasajes a una velocidad rapidísima y a un volumen bajito, bajito, que es algo muy difícil de hacer, y lo tocaba con una comodidad asombrosa y envidiable. Tremendo buen gusto mostró en una cantidad de pasajes y me impactó, una vez más, la solidez de su sonido. Esa combinación de sutileza, dulzura, firmeza y velocidad es algo de otro planeta. Qué genio. La descosió.

Y en un momento llegó el candombe, que para mí fue lo mejor hasta ese momento. Fue cuando me engancharon. Martín Ibarburu en la batería y César Durañona en la percusión, Francisco Fattoruso en bajo, José Reinoso en teclado. Así quién puede perder, ¿no? El solo de bajo de Francisco en el candombe fue de alquilar balcones. Pfff, una belleza. Las melodías de Salinas fueron realmente hermosísimas, el solo de José genial y Martín (bata) y César (congas) hicieron algo realmente bello entre los dos. Martín bancó estoicamente un ritmo de candombe rapidísimo por no sé cuántos minutos de manera brutal. Y sobre el minuto 50 se mandó el primer momento mágico baterístico: un solo Ibarburu de los mejores. Tanto que amagó a terminarlo y Salinas le gritó que no, y lo siguió una vuelta más. Me gusta que Salinas valore a Martín como se merece.

El eclecticismo rítmico de la noche nos llevó a un bolero con la mejor sección rítmica de la historia. Los sonidos de Reinoso y Salinas resaltaron en esta canción como igualmente claros, dulces, calmos, muy agradables.

Luego pasó César a la batería y entró Juan Salinas al escenario. Este tema fue un disfrute importante. Todo sonó bien amalgamado y se sintió desde el público el disfrute de todos. Juan Salinas, que no debe tener más de 16 años, tocó fantástico, con mucha energía y muy buen gusto. En las teclas y en la bata José y César tocaron genialidades. Cuando empezó su solo Juan a todos se les dibujó una sonrisa. Fue una inyección de vida que los animó y nos animó a todos.

Y ahí, cuando estábamos diciendo “ah, qué bueno”, vino un descanso. Iba como una hora y cuarto de toque.

Ese último tema de la primera parte y la segunda parte para mí fueron otro toque diferente, y más gozado. No faltó algún acople y en algún momento necesité otro balance de volúmenes (¡la percu!!!) pero estuvo muy bueno.

La segunda parte comenzó con Martín en la bata y César en la percusión (estuvo buenísima esa variación toda la noche entre los dos músicos e instrumetnos), Francisco, José y Luis Salinas. Jazz a full. El lenguaje de jazz de Martín en este primer tema fue realmente exquisito. Algo comparable al castellano de Borges, por decir algo. Francisco le metió toda la alegría del mundo y Salinas se pasó con su guitarra. Melodías hermosas y virtuosas también. La dupla Martín y Francisco en este tema fue algo muy, muy genial. Ahora sí le dieron más volumen a la batería (¡se necesitó desde el comienzo!).

Para el segundo tema volvió Juan Salinas, quien participó en casi toda la segunda parte, y continuó despertando gestos de aprobación entre los músicos y generando un impacto en el público que modificó completamente su energía. Los temas de esta segunda parte también fueron diferentes, con otra fuerza, otro carácter. El sonido y la intención de Juan en la guitarra son bien diferentes a los de su padre. Más vivaz, con más energía y a mí me dijo más cosas. Por ahí los volúmenes, de nuevo, se desequilibraron: la guitarra era lo que se oía. La percu y el teclado como que no existían. La bata y el bajo se perdieron.

César y Martín hicieron enroque y fue la primera vez que vi a Martín tocando percusión. Hubo una seguidilla de solos que emocionaron corazones: Juan Salinas primero (revitalizante), Francisco Fattoruso después (slaps a full, fascinante, gozado), César (solidez total, impresionante creatividad… ¡esos compases mechados de murga fueron geniales!), José Reinoso (ahora con otra vitalidad, muy muy lindo).

Pasado ese pico de éxtasis, vino una balada muy hermosa, una especie de canción de cuna, con Martín en la bata (y su backbeat rompecorazones) y César en la percu. La guitarra de Luis Salinas con una dulzura extrema. Todos los instrumentos sonaban muy, muy dulces y llamaba alegremente la atención el marcado del tiempo firme de Martín. Combinación maravillosa. Francisco de nuevo se mandó un solo divinísimo. Y finalmente el público contribuyó con un coro afinado y todo.

Siguió todo el groove. Todos los músicos dejaron salir lo mejor de sí a esta altura, y la gente se levantó de las sillas ¡y bailó! Los que conocemos a los uruguayos sabemos cuán meritorio es eso para un músico.

Luego hubo bises y el toque terminó con un César divinamente poseído en la batería.

Fue como ir a dos toques diferentes, uno antes del corte y otro después; para mis preferencias personales el segundo estuvo mucho mejor.

Gerardo Alonso Trío (en El Tartamudo)

Gerardo Alonso trío se presentó en El Tartamudo anoche, 17 de setiembre de 2015.

Foto: cortesía de Sara Diano

Foto: cortesía de Sara Diano

Como suele suceder en esta ciudad maravillosa, aquellos que resolvimos acercarnos, nos fuimos agradecidos por haber presenciado un momento musical muy interesante y disfrutable, creado por tres grandes músicos de la escena jazzera montevideana: Gerardo Alonso (composiciones, arreglos y bajo eléctrico), Martín Ibarburu (batería) y Alfredo Monetti (teclados y autor de uno de los temas).

Fue una noche diferente desde el punto de vista musical. Pero antes de entrar en más detalles, comparto aquí una breve conversación con Martín Ibarburu en la cual, antes de comenzar el toque, nos contó un poco sobre lo que pasaría después. Sabiendo el músico inquieto que es, aprovechamos a preguntarle también algo sobre sus otros proyectos actuales.

Breve nota a Martín Ibarburu

Una de las grandes diferencias entre los músicos con mucha experiencia y los que recién comienzan es que no tienen un período de ajuste. Desde el momento en que tocan la primera nota ya están en una simbiosis con su instrumento. Es entonces bien interesante cómo uno, desde la audiencia, suele apresurarse también a entrar en la conexión, para no perderse ni un segundo de lo que se está creando en el escenario.

Desde el primer instante la noche vino con alegría. Los dos primeros temas fueron muy vibrantes y los músicos demostraban complicidad, sonrisas y un disfrute contagioso de estar haciendo eso que hacían. Me llamó la atención la habilidad de Alfredo Monetti y Martín Ibarburu para estar concentrados en sus partituras pero no perdiéndose detalle de la dinámica que se estaba dando todo el tiempo en ese espacio conformado por los tres.

Como nos adelantó Martín, tocaron temas que Gerardo Alonso grabó en su disco “El día antes”.

En general me fascina cuando el bajo está a un volumen alto en la música. Pero eso no suele suceder en los grupos, excepto si el grupo fue armado por un bajista. Así que anoche me gocé escuchando con toda nitidez el sonido del bajo de cinco cuerdas de Gerardo.

El tercer tema que sonó fue “PaJohnPa”, un tema inspirado en John Patitucci. Me encantó la combinación de sonidos del slap de Gerardo, el backbeat re-funkero de Martín y las creaciones para mí misteriosas pero fascinantes de Alfredo en el teclado. Zambulléndome en un área de la que no entiendo mucho, que me dio la impresión de que Alfredo va pasando  con una libertad absoluta entre armonías nada obvias y melodías muy bonitas a la vez que todo su cuerpo, y seguramente alma también, están entregados al proceso de creación. En cuanto a Gerardo, en este tema, como en otros, me sorprendió su virtuosismo que, por suerte, no limita para nada su expresividad.

Luego tocaron una balada llamada “Melodioso”, que fue el único momento algo más tranquilo del show.  El diálogo entre el bajo y el teclado por momentos fue genial y de cierto momento en adelante apareció ese toque mágico del palo sobre el aro del tambor que me resulta una maravilla.

Estos tres seres anoche hicieron un verdadero trío, en el sentido de que no había un protagonismo marcado de ninguno de ellos, sino que las músicas fluían con la participación de los tres por igual de una manera muy agradable, muy placentera para los oídos. Hubo también una unidad tímbrica entre los instrumentos de los tres. Dudo que haya sido buscada pero sucedió.

Luego tocaron un tema llamado “En 5”, por razones obvias. Aquí me disculpan pero hice un poco de foco en la batería y al juego de movimientos del palo en la mano izquierda de Martín (grip tradicional), que fue desde completamente vertical hasta unas acentuaciones muy bonitas volcando la baqueta con ese movimiento tan perfecto suyo para las acentuaciones. Se mandó un solo de batería interesantísimo, por completo impredecible.

Tocaron un tema hermoso de Alfredo Monetti, llamado “Mi Santa Rita”. Toda la noche el piano de Alfredo se me antojó como algo muy elaborado de cabeza pero tocado a puro corazón. Fue un gran gusto escuchar su composición.

Apareció una samba en 7 y para finalizar el toque el tema La Floresta.

Por suerte alguien insistió en que siguieran tocando pues el tema “El día antes” fue para mí uno de los mejores momentos. Los tres se pasaron con lo que hicieron en esta canción. Gerardo con sus slaps maravillosos, Alfredo estuvo absolutamente genial con el teclado y Martín, digámoslo así: le dio razón de ser a la música disco. Un goce, posta.

Si tuviera que resumir la música de anoche con una palabra, para mí sería impredecible. No se podía adivinar la nota que vendría después. Sin embargo, al sonar, nos llevaba a un muy buen lugar. Un lugar relativamente nuevo, con aristas reconocibles en músicas de otros lugares (a mí se me vinieron a la mente algunos músicos como Gismonti, por ejemplo).

El último bis fue un tema de Hermeto Pascoal. Como en todos los temas anteriores, en este la descosieron los tres haciendo una música no superflua ni prescindible, compacta, balanceada y que te deja con las ganas de más.

Después de que terminó el toque pudimos robarle unos minutos a Gerardo y nos contó algunas cosas sobre su música y su disco. En el audio hay un ruido de fondo de ciudad un tanto molesto, así que les sugiero hacer un esfuerzo de abstracción del ruido ambiente.

Breve nota a Gerardo Alonso

La recomendación para ir a ver a este trío la próxima vez que se presente queda hecha con convencimiento.

 

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